.Orquesta Sinfónica Nacional
.Director: Maestro Luís Gorelik
.Solistas: Guadalupe Barrientos,
mezzosoprano; Fermín Prieto, tenor
.Auditorio Nacional, Palacio Libertad,
6 de noviembre, hora 20.
No es lo habitual que las
interpretaciones de las obras de Gustav Mahler (1860-1911) incluyan una obra
maestra tan singular como La Canción de
la tierra (1907) interpretada en el concierto al cual nos referiremos. De
hecho, hasta donde es posible determinar, se trató de un estreno para la
Orquesta Sinfónica Nacional.
Una
convergencia de factores
No podemos referirnos a los aspectos
interpretativos sin destacar la convergencia de los factores biográficos,
estéticos, literarios y formales musicalmente, que dieron por resultado una
obra verdaderamente única.
En su referencia previa al concierto
el maestro Gorelik, además de los elementos macro formales y del programa
literario seguido por La Canción de la
Tierra se refirió a los tópicos centrales en la obra de Mahler: la muerte,
la juventud, la naturaleza, la marcha (heredera del tópico del caminante, de
Schubert) que claramente tienen su expresión musical en una obra que emplea un
lenguaje diferente al de las anteriores.
En 1907 el compositor sufrió la muerte
de Marie, su pequeña hija mayor, , su cese como director artístico de la Ópera
de Viena y el diagnóstico de una grave enfermedad cardíaca.
La influencia de estos factores en la
decisión de escribir una sinfonía lírica
basada en una selección de poemas de la colección titulada La flauta china (correspondientes a la dinastía Tang, siglos VI y
VIII) fueron las vías para el nuevo rumbo que su creación tomó ante la
necesidad de permitirle expresar musicalmente los sentimientos que la
convergencia de factores señalada le significaron.
El uso que hizo Mahler de los poemas
de Li Bai seleccionados, pertenecientes a la recopilación llevada a cabo por
Hans Bethge (1876-1946) fue muy libre (en la parte final, por ejemplo, unió dos
poemas y agregó una línea propia, asimismo, tituló cada episodio). Muy en boga
en boga en aquellos tiempos, el volumen de referencia no era una versión
filológicamente exacta sino una recreación elaborada por Bethge de textos
previos a partir de versiones francesas y alemanas, en sí misma, una suerte de
visión imaginaria de la China a partir de la concepción europea decimonónica.
La
organización formal y el tratamiento musical
Claramente, los cinco primeros, de los
seis lieder que integran La Canción de la
Tierra, se encuentran temática y musicalmente encaminados hacia el sexto y
final, que constituye la culminación, tanto en la forma como en el sentido, del
opus.
La estructura musical es compleja y
–con algunos elementos comunes, como el uso de escalas pentatónicas- diferentes
en cada lied.
El uso de las escalas pentatónicas,
que ya habían empleado Ravel y Debussy, es utilizado puntualmente en algunas
partes por Mahler, quizás con la excepción del último lied, donde ese empleo es
mayor.
La melodía inicial del oboe del lied final, en un registro, intensidad y
un modo de proyección inusuales, no solo establece la atmosfera de la sección
sino que constituye una suerte de célula constructiva de todo el movimiento y
que veremos expuesta en varias voces instrumentales y en el propio oboe, que la
desarrollará, promediando el lied, ampliándola sustancialmente. Advertimos de
qué manera un elemento dado puede extenderse y conducir a otras regiones. No
hay una exposición que comience y finalice sino una exploración sonora
constante, en particular en el último movimiento.
Lo mismo es con la tonalidad, en un
viaje tonal que comienza en un la menor y modula hacia el do mayor.
Ello es sin embargo una parte ya que,
más que nada en lieder como el
primero, hay un uso de acordes de oncenas y novenas no resueltos, así como progresiones
por terceras, una escritura modal y pedales prolongados.
El subtitulado permite advertir con
qué sutileza la música sigue a la letra –o la letra se encuentra elegida en
función de la música- lo que reafirma el
carácter programático de la obra, así como la funcionalidad entre un elemento y
otro, a la vez va generándose una suerte de efecto acumulativo que llega a su
punto más alto en un final donde la música literalmente se desvanece.
La
interpretación
Los desafíos para los cantantes son
muchos. Con un canto por momentos flexible y con un sentido de recitativo y por
otros rápido y tajante en una nutrida trama orquestal o con cambios de registro
en el curso de pocos compases, la obra es un verdadero tour de force.
A manera de ejemplo, en la inicial Canción báquica de la miseria terrenal
el tenor interviene en el marco del tutti
instrumental de una orquesta de grandes dimensiones, en un tempo rápido, en otros momentos, como en
El borracho en primavera también la
voz es exigida por una orquesta que en forte
y con fragmentos acentuados en cada tiempo y amplias fluctuaciones dinámicas.
Asimismo, en De la belleza, que parece responder a una forma ternaria ABA’ la
mezzosoprano solista debe afrontar la nutrida sección B, rápida, y acentuada en
todos los tiempos y que en las restantes secciones es sumamente expresiva.
En la canción final La despedida sus requerimientos son muy diferentes, en la
expresividad –allí La canción de la
Tierra condensa todo su significado- en el fraseo, lento y fluido, en los
cambios de registro hacia lo más grave de la tesitura y en la atmósfera que
crea.
El canto de la mezzosoprano Guadalupe
Barrientos fue tan hondamente expresivo y potente, como dulce y desgarrado, de
una densidad tan profunda como de una musicalidad sumamente delicada.
Fermín Prieto hizo gala de una voz
potente, musical y cristalina, con un dominio absoluto tanto del volumen como
del fraseo en pasajes siempre muy exigentes.
La textura orquestal es muy diversa:
pasajes cruzados entre cuerdas y vientos, por ejemplo, o los acordes arpegiados
de las maderas, que discurren de una a otra voz y que asimismo conforman parte
de los pedales prolongados con las arpas, requieren un fraseo muy sutil y
preciso. Polirrimias, los glissandos
tan propios de Mahler, los largos pasajes, como la marcha fúnebre anterior al
final, son algunos de los lugares.
También pasajes como los del oboe, en
un volumen que no suele exigírsele al instrumento en otras obras y la
continuidad de las frases y climas con las flautas, por ejemplo, son algunos de
los lugares destacados, también lo son los tutti
del lied del comienzo, o los diferentes colores en los amplios pasajes
lentos.
Asimismo, merecen mención las breves citas
a otras obras de Mahler, como el Adagietto
o del lied Me he perdido para el mundo
del ciclo de los lieder sobre obras de Rückert; en el sentido más estricto, La Canción de la tierra es una
exploración y una despedida.
El maestro Gorelik, de amplia y
destacada trayectoria, obtuvo con la Orquesta Sinfónica Nacional una excelente
versión de una obra tan inspirada como musicalmente compleja, demandante tanto
en el aspecto formal como expresivo. Lo hizo con su acostumbrada atención tanto
al detalle como al sentido de la obra.
Señala Julio Palacio (Comentarios sobre Mahler, colección
ensayos, Editorial Ciudad de las Artes, cap. “La Canción de la Tierra”, Buenos
Aires, 2025) que en La despedida, tal
refirió el maestro Gorelik, número en el cual el peso del dolor y de lo vivido
va cediendo paso en las secuencias finales, a una suerte de liberación, que la
mezzosoprano repite varias veces la palabra Ewig
(eternamente) mientras que de la célula generadora de cinco notas se toman
Mi-re –do, pero que en las tres últimas se omite la resolución en do mayor. “La
voz reniega así de la tónica mientras las maderas llevan el sol al la. Cuatro
de las cinco notas pentatónicas quedan flotando en el aire cuando la voz se ha
extinguido junto a los arabescos del arpa y a celesta.”
Así, la vida y su sentido son algo que
queda flotando, una eterna pregunta sin respuesta.
Muchas veces vamos a las salas de
concierto a escuchar obras musicales, otras veces vamos a vivir experiencias
que nos marcan, La canción de la tierra
es una de ellas.
Eduardo Balestena
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