tag:blogger.com,1999:blog-44986252972150695892024-03-13T00:04:29.117-03:00D 944 Música SinfónicaEduardo Balestenahttp://www.blogger.com/profile/14810769385516765999noreply@blogger.comBlogger205125tag:blogger.com,1999:blog-4498625297215069589.post-56350418124642841252024-02-12T17:55:00.005-03:002024-02-12T18:03:17.227-03:00Concierto Final de la XXXIII Edición del Campus Musical de Santa María de la Armonía.<p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhYSFB_UN1mQd7Hd8O6V2DBLcAj4EPmujI0WD9QHHvaPyO4QwesYMcC0wnMVmi6MAzjUA-l4QluWC5lxqx8XQu_xJ46GbpYOwMdob2yWmGQ-w4z20iX56RfeQBrfCg-okVKE9hYdtsvOKTyslyTFucNwv2armvkcboNauK9CuBzsk7PBLYtfkYCERSTmBQi/s1124/Campus%201%202024.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1124" data-original-width="843" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhYSFB_UN1mQd7Hd8O6V2DBLcAj4EPmujI0WD9QHHvaPyO4QwesYMcC0wnMVmi6MAzjUA-l4QluWC5lxqx8XQu_xJ46GbpYOwMdob2yWmGQ-w4z20iX56RfeQBrfCg-okVKE9hYdtsvOKTyslyTFucNwv2armvkcboNauK9CuBzsk7PBLYtfkYCERSTmBQi/s320/Campus%201%202024.jpg" width="240" /></a></div><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh4Q81Bwpz_vaMsPPbByTRKKWzspZOWxOLAxPE4J5X7dbmfuJMRI0Wjl4zHEPsxiJvbV3W9dZ6YZR61QxIcW7HNFssZkwo00Tca16HjUOXvOg5epSUtEG55nRfpxWV3v2TEBbBguefyRWmVVLqQZLgu71h2a0PrtvykE8hA6KYaH6a-pJc59keNuwkjWIei/s2048/Campus%202%202024.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2048" data-original-width="1536" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh4Q81Bwpz_vaMsPPbByTRKKWzspZOWxOLAxPE4J5X7dbmfuJMRI0Wjl4zHEPsxiJvbV3W9dZ6YZR61QxIcW7HNFssZkwo00Tca16HjUOXvOg5epSUtEG55nRfpxWV3v2TEBbBguefyRWmVVLqQZLgu71h2a0PrtvykE8hA6KYaH6a-pJc59keNuwkjWIei/s320/Campus%202%202024.jpg" width="240" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">Dibujo del pianista Walter Jesús Vilches</div><br /><br /><p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES"><span style="font-family: arial;">.Director: Maestro Jordi Mora<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES"><span style="font-family: arial;">.Intérpretes: Lucas González (piano); Ana Paula Rodríguez
(piano); Dolores López Mac Kenzie (viola); Nerea Baldi (viola); Walter Jesús
Vilches Pérez (piano); Santiago Julián Bravo (violín); María Paula Corrarello
(violín); Nahuel Silberstein (piano); Juan Simón Tori (piano); Carolina Cho
(piano); Agustín Correa (piano); Felipe Garese (cello); María Juliana Rufall
(viola); Sofía Carmona (violín); Juan Ignacio Videla (piano); Roberto Gutiérrez
(clarinete); Sebastian Powter (cello); Lucio Shinichi Talarico (piano)<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES"><span style="font-family: arial;">.Santa María de La Armonía, Cobo, 11 de febrero, hora 18.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES"><o:p><span style="font-family: arial;"> </span></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES"><span style="font-family: arial;">El Campus Musical de Santa María<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>de la Armonía cumplió su trigésima tercera
edición. No es un dato menor: lleva resistiendo crisis económicas,
devaluaciones varias (unas encima de otras o unas detrás de otras o a consecuencia
de otras) e inclusive una pandemia. Lo hizo sin apoyo, por persistencia de
trabajo y por la escuela que ha ido formando a lo largo del tiempo y que
convoca tanto a profesionales de organismos musicales como a estudiantes. Cada
vez más, va incorporando a alumnos del proyecto Creciendo en Armonía, que lleva
ya veinte años.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES"><o:p><span style="font-family: arial;"> </span></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES"><span style="font-family: arial;">Intérpretes y
obras<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES"><span style="font-family: arial;">En el concierto final son interpretadas, de forma total o
parcial los opus que los asistentes han llevado al campus luego de una
preparación anterior y cuyo abordaje desean perfeccionar.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES"><span style="font-family: arial;">Este enunciado en sí, supone un nivel musical muy alto y un
manejo tanto de los aspectos técnicos como estéticos.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES"><span style="font-family: arial;">En esta edición fueron abordadas: por Lucas González (piano) la<i style="mso-bidi-font-style: normal;">
Sinfonía</i> de la Partita nro. 2 BWV 26
de Johan Sebastian Bach; por Ana Paula
Rodríguez (piano) el <i style="mso-bidi-font-style: normal;">I Allegro</i> de
la Sonata nro. 1, opus, de Ludwig van
Beethoven. La intérprete, de 12 años de edad, fue becada por las servidoras
del campus; Dolores López Mac Kenzie
(viola) abordó la Suite nro. 4 para
cello (en transcripción para viola) de Johann Sebastian Bach; Nerea Baldi (viola) y Juan Simón Tori (piano), interpretaron
el movimiento <i style="mso-bidi-font-style: normal;">I Vivace</i> de la Sonata en sol mayor BWV 1029 de Johann
Sebastian Bach; Walter Jesús Vilches Pérez, tocó el movimiento <i style="mso-bidi-font-style: normal;">I Allegro</i> de la Sonata en mi bemol mayor, nro. 62 Hob, XVI-52 de Franz Joseph Haydn;
Santiago Julián Bravo interpretó el <i style="mso-bidi-font-style: normal;">I Adagio</i> y la <i style="mso-bidi-font-style: normal;">II Fuga</i> de la Sonata nro.1
en sol mayor BWV 1001, de Johann Sebastian Bach; María Paula Corrarello (violín) y Manuel Silberstein (piano), abordaron<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>el <i style="mso-bidi-font-style: normal;">I
Allegro</i> y <i style="mso-bidi-font-style: normal;">II Tempo di Menuetto</i>,
de la Sonata para violín y piano K.304,
de Wolgang Amadeus Mozart; en el final de la primera parte, Juan Simón Tori (piano) tocó el Carnaval, opus 9 de Robert Schumann.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES"><span style="font-family: arial;">La segunda parte abrió con Carolina Cho (piano) con el <i style="mso-bidi-font-style: normal;">I
Allegro Moderato</i> de la Sonata en la
Mayor, D. 664 de Franz Schubert; Agustín
Correa (piano) abordó la Sonata op.
53, “Waldstein”, de Ludwig van Beethoven; Felipe Garese (cello) y Agustín
Correa (piano) interpretaron el movimiento <i style="mso-bidi-font-style: normal;">I Allegro non troppo</i> de la Sonata
para cello y piano nro. 1, op.38 de Johannes Brahms; María Juliana Rufall (viola) tocó el movimiento<i style="mso-bidi-font-style: normal;"> I Molto sostenuto</i> de la Suite
nro. 1 en sol menor de Max Reger; Sofía
Carmona (violín) y Carolina Cho
(piano) abordaron el movimiento <i style="mso-bidi-font-style: normal;">I Allegro
amabile</i> de la Sonata para violín y
piano nro. 2 opus 100 de Johannes Brahms; Juan Ignacio Videla (piano) interpretó las Variaciones serias op. 54 de Félix Mendelssohn; el concierto concluyo
con las presentaciones de Roberto
Gutiérrez (clarinete); Sebastián
Powter (cello) y Lucio Shinichi
Talarico (piano), con el Trío nro.
4, op.11 de Ludwig van Beethoven.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES"><span style="font-family: arial;">Diferentes
lenguajes y requerimientos:<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES"><span style="font-family: arial;">Hay dos experiencias: la de ser testigos del trabajo sobre
las obras y la de asistir al resultado final. Aquello que, en el hábito
auditivo, parece sencillo y fácil de lograr es así gracias a un trabajo
prologado –con las articulaciones del fraseo, las relaciones internas entre los
pasajes de una obra y su concepción total y otros factores- que son elementos
muy distintos de una estética en otra y que requieren del dominio formal y de
las inflexiones, los cambios dinámicos, las distintas intensidades y las
particularidades del sonido de cada estética –barroco, clasicismo, romanticismo-
.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES"><span style="font-family: arial;">La precisión, la continuidad de frases claras y gráciles, al
mismo tiempo formando parte de un todo, hacen a la gracia de un Haydn (para
citar un ejemplo). Lo mismo Brahms, con los dulces pasajes de sonatas donde un
instrumento se imbrica en la elaboración del elemento que le brinda el otro.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES"><span style="font-family: arial;">Si algo es evidente, es que en todos los casos se trata de
obras de envergadura –como las Variaciones serias de Mendelssohn: que al mismo
tiempo es inspirada y cerebral, así como un testimonio del amor por Bach de ese
enorme compositor. <span style="mso-spacerun: yes;"> </span>El trío de Beethoven es
de una gran demanda en la amalgama que requiere en los intérpretes, en frases
de gran musicalidad y desarrollos que combinan lo melódico con las inflexiones
motívicas que la melodía requiere en una construcción tan grácil como rigurosa.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES"><span style="font-family: arial;">La sonata “Waldstein”, opus 53 de Beethoven o el Carnaval opus
9 de Schumann, son en sí mundos sonoros, representativos de dos lenguajes muy
propios y muy diferentes: en un caso el desarrollo en distintas capas de una célula
temática –con sus perfectos crescendos y sus distintos volúmenes y en el otro
de los permanentes cambios de intensidades, el predominio de la dinámica y de
lo rítmico sobre lo melódico y el trabajo con determinados elementos motívicos que
le dan unidad a una obra que no da respiro al intérprete. Las decisiones en lo
que hace el tempo, a los acentos, hacen al efecto que la obra tiene. También
esos pasajes extremadamente rápidos <span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES"><span style="font-family: arial;">Muchos de estos intérpretes abordaron estas obras de
memoria, lo que significa básicamente dos cosas: el grado en que las tienen interiorizadas
y la seguridad en sí mismos que los lleva a dar –sin vacilaciones- semejante
salto al vacío.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES"><o:p><span style="font-family: arial;"> </span></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES"><span style="font-family: arial;">Una experiencia<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES"><span style="font-family: arial;">Durante los seis días del campus comparten un lugar –privilegiado
en su paz y belleza- donde no se hace nada más que música.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES"><span style="font-family: arial;">En todos los casos –músicos ya experimentados- y
estudiantes predominan la claridad del objetivo que se proponen y la persistencia
con la que lo persiguen.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES"><span style="font-family: arial;">Es esto lo que comparten con nosotros en la sesión final del
concierto y al hacerlo nos brindan un testimonio de lo que es la música y la
entrega a la música.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES"><span style="font-family: arial;">Renglón aparte merecen las servidoras, siempre presentes
sin hacerse notar nunca y que hacen que cada cosa esté allí cuando es necesaria.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES"><span style="font-family: arial;">Como decía, el Campus lleva treinta y tres años de
vigencia. El maestro Mora nos decía que es en sí una experiencia muy diferente a
las que vive en otros países de Europa.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES"><span style="font-family: arial;">Tres horas y media de música nos dejan un mensaje: el de
las obras, el del trabajo de quienes la hacen y el acto de afirmación de todo
lo que ello significa.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES"><o:p><span style="font-family: arial;"> </span></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES"><span style="font-family: arial;"><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES"><span style="font-family: arial;"><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><span lang="ES"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span></span> </span></p>
<p class="MsoQuote" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-style: normal;"><o:p><span style="font-family: arial;"> </span></o:p></span></p>
<p class="MsoQuote" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-style: normal;"><span style="font-family: arial;">Eduardo
Balestena</span><span style="font-family: Garamond, serif;"><o:p></o:p></span></span></p>Eduardo Balestenahttp://www.blogger.com/profile/14810769385516765999noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-4498625297215069589.post-22857659087027918842023-10-26T16:10:00.001-03:002023-10-26T16:10:28.984-03:00Reportaje a María Jaunarena<p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiJENvZ-D__P-OZhxgvz-QC0G4GGpDY3UbKvB1iUOkberapvK9-BuzPPOtsl_Phl01oUHxHX36u9KWMX2O-FG1NG00QLtPRRsP7xGfNB9UUosHbsmxDQZ9N7JuQ6MJ_KTQPcLUu35AGHKngM-j-vBFNKytYuQyxJ6r54clpHRklWloKh9WzEHlgRvg6HCST/s1256/maria-jaunarena-representante-de-juventus___cV38E-ywg_1256x620__2.webp" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="619" data-original-width="1256" height="158" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiJENvZ-D__P-OZhxgvz-QC0G4GGpDY3UbKvB1iUOkberapvK9-BuzPPOtsl_Phl01oUHxHX36u9KWMX2O-FG1NG00QLtPRRsP7xGfNB9UUosHbsmxDQZ9N7JuQ6MJ_KTQPcLUu35AGHKngM-j-vBFNKytYuQyxJ6r54clpHRklWloKh9WzEHlgRvg6HCST/s320/maria-jaunarena-representante-de-juventus___cV38E-ywg_1256x620__2.webp" width="320" /></a></div><br /> <p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span style="font-family: Arial, "sans-serif";"> </span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span lang="ES" style="font-family: "Arial","sans-serif";">Juventus Lyrica</span></i><span lang="ES" style="font-family: "Arial","sans-serif";"> acaba de cerrar su temporada 2023 con la ópera <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Don Giovanni</i>, con música de Wolfgang
Amadeus Mozart y libreto de Lorenzo Da Ponte. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Arial","sans-serif";">Conocida como “La
ópera de las óperas”, ante la versión que disfrutamos, se impone el diálogo con
María Jaunarena, <i style="mso-bidi-font-style: normal;">regisseur</i> y Directora
Ejecutiva de Juventus Lyrica. Se trata de una directora que ha optado no por
las puestas predominantemente en boga, sino por aquellas basadas en el sentido
profundo de las obras en cuya realización trabaja, con imaginación escénica y
rigor intelectual.<span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Arial","sans-serif";"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>“Para
bien o para mal, nuestra vida actual está establecida a partir de pulseadas que
Don Juan ganó como un pionero y en soledad. A pesar de perder en la obra, en la
vida real Don Juan le torció el brazo a Dios. Nuestra época no solo lo
legitima, le rinde culto. Como señala el filósofo Gilles Lipovetsky ´la era de
la hipermodernidad resulta inseparable de la seducción soberana´. La cultura
del hedonismo y del individualismo lo ha ocupado todo”, dice María Jaunarena en
<i style="mso-bidi-font-style: normal;">El primero de nosotros</i>, el texto inicial
del programa de mano, verdadero ensayo, breve, conciso y profundo sobre el
personaje, con el dominio de la escritura en el que destaca igual que en el de
la escena.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Arial","sans-serif";"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Arial","sans-serif";"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Arial","sans-serif";"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>-Don
Giovanni es el villano en la obra pero en la realidad su personaje, <span style="mso-spacerun: yes;"> </span>muy difícil de rastrear en la Historia, ha
seducido a escritores como Tirso de Molina y Moliere y a un gran número de
músicos y su postura hedonista ha triunfado como el modo en que muchos desean
verse. En su texto no solo son mencionadas las referencias históricas sino también
filosóficas del personaje y del tema y se nos presenta a dicho personaje, más
que como un villano, como un espejo. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Arial","sans-serif";"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span></span><span style="font-family: "Arial","sans-serif"; mso-ansi-language: ES-AR;">¿</span><span lang="ES" style="font-family: "Arial","sans-serif";">La idea de llevar a escena una
obra semejante, tan vasta y con tal poder de significación surge de haber
estudiado antes todos sus antecedentes y haberla elegido, o estos son
profundizados luego de la decisión de ponerla en escena? ¿Qué factores trabajan
en la elección de una obra en general y de una de tanto compromiso en
particular?<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Arial","sans-serif";"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Arial","sans-serif";"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span><b style="mso-bidi-font-weight: normal;">MJ: </b><span style="mso-bidi-font-weight: bold;">Varios. Desde el sentido para uno de los propósitos fundacionales de
Juventus que es cautivar público nuevo para la ópera (con todo el énfasis en
los programas para adolescentes que tenemos) y la formación de artistas jóvenes.
Esta ópera es, a mi juicio, la biblia de la ópera. Es una obra inevitable. Y sirve
a ambos propósitos. Musicalmente da origen al romanticismo, porque la mayoría
de los compositores reconocen el quiebre que produjo Mozart en los cánones
musicales con esta creación. Pero también porque Don Giovanni, es decir, Don
Juan, es el inicio del hombre moderno, es el hombre que se opone a la religión,
al matrimonio, no sigue ninguna voluntad más que la propia, cultiva su imagen,
su cuerpo, impone el placer sobre el deber. Es el inicio de lo que somos hoy en
el siglo XXI. En particular para los adolescentes que están en pleno proceso de
definición de su propia identidad y la pregunta “¿quién soy?” tiene un peso
sustancial, el protagonista les responde en una de sus primeras líneas del
libreto “quién soy nunca lo sabrás” (<i>Chi son io tu non saprai</i>). <span style="color: black;">La frase es inquietante porque nunca terminamos de conocer
realmente quiénes somos.<o:p></o:p></span></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Arial","sans-serif";"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Arial","sans-serif";"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>-En
la visión de Mozart y Da Ponte un mito español anterior al siglo XVII se
vincula a un argumento cuyos personajes no sólo son un reflejo social del siglo
XVIII sino también de las nuevas ideas: “Quiero ser un gentilhombre/ y no quiero
servir más”, dice Leporello en el aria inicial <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Notte e giorno faticar</i>. La diferencia social es muy marcada por el
carácter de sus personajes, la música, el canto y el movimiento escénico. La
puesta que usted concibió lo refleja claramente y renuncia a cualquier otro
objetivo que no sea el de rescatar la significación de la obra en su naturaleza
transgresora, su propia belleza y en el plano de lo social. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span style="font-family: "Arial","sans-serif"; mso-ansi-language: ES-AR;">¿</span><span lang="ES" style="font-family: "Arial","sans-serif";">Es eso lo que tuvo en mente al
concebirla y cómo fue la génesis de esa concepción?<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Arial","sans-serif";"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Arial","sans-serif";"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span><b style="mso-bidi-font-weight: normal;">MJ: </b><span style="mso-bidi-font-weight: bold;">En Mozart, sobre todo en su unión con Da Ponte, el conflicto social
emerge siempre. Da Ponte se llamaba Emmanuel Conegliano, era judío, de chico
vivió en un gheto marginado cerca de Venecia, hasta que lo convirtió al
catolicismo un obispo llamado Lorenzo Da Ponte, de quien heredó el nombre. Da
Ponte está cortado por la tijera de no pertenecer y conoce a la perfección sus
consecuencias. Mozart también. Se pasó la vida dilapidando lo poco que ganaba
en ropa para acceder a los círculos de las cortes que podían financiar su producción.
La apariencia lo era todo. Estamos antes de la época del compositor
independiente, aunque Mozart es el pionero y se le parece bastante. Todo eso
está condensado en Don Giovanni, que en más de una oportunidad cambia de
vestimenta o se pone una máscara para acceder a lo que quiere. En boca de Molière,
Don Juan argumenta “Hay tantos que hacen lo mismo y recurren a la máscara para
engañar al mundo”. <a name="_Hlk149121634">Molière</a> es el antecedente más
importante del libreto de Don Giovanni. Me parece que los dos, Mozart y Da
Ponte, conocían a la perfección de qué hablaba el mito de Don Juan y el
resultado fue esta obra maestra. Como directora escénica, me es imposible evitar
las múltiples referencias al conflicto social que atraviesan la obra. Me gusta
trabajarlas a nivel estético y también a nivel de sentido, por supuesto. Que
Don Giovanni seduzca a la campesina Zerlina habla también de la transgresión
del protagonista y por eso Doña Ana canta “me desmayo” cuando la ve por primera
vez. Es casi un insulto para ella y también muestra el carácter abierto, intrépido
y hasta podríamos decir “ecuménico”, en un sentido irónico, de Don Juan (vale aclarar
que en Molière las intervenciones de la campesina están mal escritas, algo así como
si en español el personaje se comiera las eses, precisamente para mostrar el
quiebre de nivel social al que llega el seductor). Justo antes de eso, Don Giovanni
canta: “Viva la libertad”, y a continuación “mi casa está abierta a todos”. Eso
no es nada menos que una declaración política bien moderna, en términos de
principios.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Arial","sans-serif";"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Arial","sans-serif";">-Una manera de
pensar el vínculo entre música, sociedad y política es la circunstancia de que
hubo un auditorio popular para las óperas de Mozart, que están concebidas
dentro de un gran refinamiento musical: en <i style="mso-bidi-font-style: normal;">La
Flauta Mágica</i>, -cuyo aspecto temático usted tan bien analizó- es el
simbolismo del número, tres, por ejemplo: tres acordes iniciales, tres pruebas;
también un riguroso pasaje fugado y muchos otros elementos; en <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Don Giovanni</i> es, por ejemplo, la
superposición de tres formas musicales al final del primer acto, cada una
vinculada a una diferente clase social. La idea de que hay formas populares
para oyentes populares aparece al menos cuestionada por este hecho, asimismo,
el límite entre lo que es considerado popular y lo que no lo es aparece como
difuso.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Arial","sans-serif";"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Lo
social atraviesa toda la ópera, desde el propio hecho de que parte del poder de
seducción del personaje se basa en su rango, hasta el pensar que obras musicalmente
tan refinadas fueron destinadas a una audiencia popular. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Arial","sans-serif";"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Creo
que su puesta entendió muy bien este vínculo entre música, sociedad y política
y que una forma de expresarlo fue la concepción de cada personaje, su marcación
escénica y el vestuario.</span><span lang="ES" style="font-family: "Arial","sans-serif"; font-size: 11.0pt; line-height: 150%; mso-ansi-language: ES-AR; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US;"> </span><span style="font-family: "Arial","sans-serif"; mso-ansi-language: ES-AR;">¿Hubo
influencia de alguna puesta en particular o es la propia obra la que propuso su
forma de llevarla a escena? </span><span lang="ES" style="font-family: "Arial","sans-serif";"><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Arial","sans-serif";"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Arial","sans-serif";"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span></span><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="font-family: "Arial","sans-serif"; mso-ansi-language: ES-AR;">MJ:</span></b><span style="font-family: "Arial","sans-serif"; mso-ansi-language: ES-AR; mso-bidi-font-weight: bold;"> Don Giovanni es una obra
maestra, creo que es mi ópera favorita. Juventus Lyrica nació con esta obra. La
tengo grabada en la retina. Y cada vez que se programa, intento verla. He leído
también el mito en sus múltiples versiones. Cada una por supuesto ha influido
de alguna manera, consciente e inconscientemente. Es imposible e inverosímil pensarse
como un artista en soledad que todo lo que tiene para decir viene desde dentro
y sólo se le ocurrió a uno. Es parte del mandato de originalidad contemporáneo,
parte del legado del “yo” de nuestro querido Don Juan. Pero somos producto de
otros, ya desde nuestro nacimiento. Con respecto a mi trabajo como directora,
siempre intento en primer lugar, tratar de descifrar al compositor y al
libretista. Porque cada silencio, cada indicación de <i>sottovoce</i> o <i>forte</i>,
indica una intención. Para eso es fundamental la comunión con el director
musical. Y luego por supuesto, intento comprender el libreto. En ese sentido, mi
primera fuente de inspiración es Da Ponte. Da Ponte no es sólo un escritor. Da
Ponte es un regisseur. Es evidente. Escribe como director. Si no lo sigo, naufrago.
Ya me pasó cuando dirigí Las bodas de Fígaro. Si el personaje no desaparece en
el compás que el lo indica, y reaparece en el otro, el chiste no funciona. </span><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span lang="ES" style="font-family: "Arial","sans-serif";"><o:p></o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Arial","sans-serif";"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Arial","sans-serif";">-Quizás las
categorías de “puesta tradicional” y “puesta moderna” no reflejen aquello de lo
que una realización se trata y haya que poner la categorización en otros
términos: si la puesta es funcional a la obra o no lo es. La mayoría de las
veces parece imponerse hoy el criterio de que una obra es no un universo autónomo
sino algo cuya interpretación es preciso “actualizar”, en lugar de concebirla
como aquello que debe poder colocar a la obra en el centro.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Arial","sans-serif";">En ese sentido, su
puesta –que suma además sencillez, sobriedad y<span style="mso-spacerun: yes;">
</span>belleza visual- fue enteramente funcional en un argumento donde el
movimiento es esencial, ya que huidas, apariciones y encuentros están
íntimamente vinculados tanto al desarrollo de la acción como a las diferencias
sociales de las que la obra se trata. Su estética como realizadora parece estar
en seleccionar elementos y no acumularlos y en el detalle que hace a la presencia
de cada uno de esos elementos. <span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Arial","sans-serif";">Suponemos que el
proceso de elegir una ópera y llevar a cabo una puesta, con todo lo que implica,
tiene varias etapas y muchos desafíos: ¿cómo es ese proceso? ¿Cuál es el primer
estímulo? ¿Qué se siente al poder levarlo adelante?<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Arial","sans-serif";"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span lang="ES" style="font-family: "Arial","sans-serif";">MJ: </span></b><span lang="ES" style="font-family: "Arial","sans-serif"; mso-bidi-font-weight: bold;">Coincido en que el clivaje entre a puesta
tradicional vs puesta moderna no me representa. No creo en el purismo de
representar todo exactamente como fue, ni creo tampoco en este mandato de
actualizarlo todo donde el director muestre que tiene una idea original, por
más que esa idea desvirtúe la acción dramática de la obra. Para mí, ante todo,
lo que se va a llevar a escena es teatro, para que haya teatro debe haber una
acción dramática y un conflicto. Si traemos la obra a la actualidad: honestamente
no entiendo el conflicto. ¿Dice hoy algo interesante alguien que no cree en el
matrimonio, ni en Dios ni se ata a nada más que a sí mismo? ¿Con quién entra en
conflicto esa persona? Para mí con nadie. Si no entra en conflicto, no hay trama
posible, el espectador se duerme. Cuando inicié el proceso de ensayos tuve que
aclarar que la puesta no era moderna y noté las caras de decepción de varios. Vivimos
alienados por los slogans. En ópera es actualizarlo todo a cualquier costo. Forma
parte de la misma trampa del individualismo. De otro lado de la grieta, no
actualizar y montar un museo en el escenario, sin tender ningún puente con el
espectador actual, tampoco conduce a ningún lado. Son categorías vacías ambas. Para
mí, la programación de una obra tiene que obedecer a una pregunta: “¿es esta
obra relevante hoy? ¿vale la pena volver a representarla? ¿por qué?” En este
caso, esas preguntas se respondieron solas. ¿A quién no seduce Don Giovanni? Es
el germen del hombre nuevo. Ese que todos somos hoy. El que pone el yo ante
todo, el que se ama, y se reproduce en infinidad de dispositivos en poses y
circunstancias, el que se aburre y cambia de pareja como de vestido, el
insatisfecho que no puede no encadenar un consumo a otro, el que no tiene
ninguna atadura a nada más que a su propia voluntad, el que publica cada una de
sus acciones en redes (como Don Giovanni en el catálogo de Leporello), el que
usa la máscara para sus conquistas online (ya sea con un pseudónimo o creando
varios perfiles) y termina con ellas con la misma brutalidad con la que Don
Juan desechaba sus conquistas. Diría más, somos peores que él. Don Juan tenía
poesía, tenía profundidad, le gustaba el desafío, cuanto más difícil la
conquista mejor para él. Nosotros somos vagos, banales y profundizamos hasta
por ahí nomás. Con respecto a la estética, “menos es más” dice el lema.
Prefiero condensar la cantidad de elementos, uno que sobra confunde al público.
Y finalmente, en referencia a la última pregunta, llevar una ópera a escena es
un esfuerzo descomunal. Sobre todo para una organización sin estructura fija (me
refiero a edificio físico, cuerpos estables, etc.) y sin fines de lucro como es
Juventus Lyrica. El proceso suele ser difícil y agotador. Pero siempre logramos
una mística. Un compromiso por parte del equipo artístico y de producción.
Sabemos que a pesar de los múltiples escollos estamos intentando llevar a escena
una obra maestra que algunos disfrutarán por primera vez. Eso, en parte, compensa
todo.</span><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span lang="ES" style="font-family: "Arial","sans-serif";"><o:p></o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Arial","sans-serif";"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Arial","sans-serif";">-“De la cuarentena
salgo cantando” fue más que un lema; significó una actitud ante la adversidad y
–en la función de reapertura de la actividad lírica en el Teatro Avenida, el 3
de julo de 2022- <span style="mso-spacerun: yes;"> </span>una revelación de talentos
que pudieron surgir y encontrar su lugar pese a esa adversidad, por medio de un
actividad que no fue interrumpida. Se trata de un mensaje muy poderoso: el del
arte como una herramienta de supervivencia. </span><span style="font-family: "Arial","sans-serif"; mso-ansi-language: ES-AR;">¿</span><span lang="ES" style="font-family: "Arial","sans-serif";">Qué reflexión le merece ello de cara a
2024 y el veinticinco aniversario de <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Juventus
Lyrica</i>?<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Arial","sans-serif";"><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span lang="ES" style="font-family: "Arial","sans-serif";">MJ<o:p></o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Arial","sans-serif";"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span>Juventus Lyrica es una asociación que nace a
contracorriente y que en su génesis de origen está cortada por la tijera de
avanzar contra viento y marea. Su objetivo nunca fue sencillo, la ópera no es
sencilla, menos si trata de hacerla con nuevas voces y despertar el interés por
la ópera en niños y adolescentes, como es lo que hacemos hace varios años. No
es a simple vista, un trabajo automático y fácil de financiar. Es antiguo y
artesanal. Pero creo que la ópera aporta mucho contenido a esta “era del vacío”
en la que vivimos. Y creo que, con nuestra tarea, de alguna manera apuntamos a elevar
el horizonte cultural y emocional al que miramos y al que miran los adolescentes.
Del límite surge la creatividad, y el mayor valor que tiene Juventus es el
esfuerzo, el compromiso, la profundidad del trabajo, el amor y la voluntad que
ponen las personas que se involucran en cada proyecto. Tal vez por eso hemos
durado tanto en un país tan vertiginoso. Y también porque para nosotros hacer
una ópera siempre es como la primera vez. <span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></span></p>Eduardo Balestenahttp://www.blogger.com/profile/14810769385516765999noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4498625297215069589.post-5568040823254717212023-10-16T16:37:00.001-03:002023-10-16T16:37:08.299-03:00Don Giovanni en la temporada de Juventus Lyrica<p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiH4NUPhEdlOLPz2809cKIss8F1EDRpEVfFS-tj_89E4Zwiumyvt9M8DzHMkmPV9hTujW266g7c3A4JIgUNtJNtfA_1kcMmZol1rktdniNhjvszezV_LJb3QFJvZ-lXyk8YxV_jyKD6sRxsYGxpBboL5YBiN5dGov0xuN6WjnYMjWNyq8uTGK_bkryAUgRc/s2048/Don%20Giovanni.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1536" data-original-width="2048" height="240" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiH4NUPhEdlOLPz2809cKIss8F1EDRpEVfFS-tj_89E4Zwiumyvt9M8DzHMkmPV9hTujW266g7c3A4JIgUNtJNtfA_1kcMmZol1rktdniNhjvszezV_LJb3QFJvZ-lXyk8YxV_jyKD6sRxsYGxpBboL5YBiN5dGov0xuN6WjnYMjWNyq8uTGK_bkryAUgRc/s320/Don%20Giovanni.jpg" width="320" /></a></div><br /> <p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><b><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";"><o:p> </o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">.Ópera en<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>dos actos
(1787)<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">.Música: Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791)<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">.Libreto: Lorenzo Da Ponte (1749-1838)<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">.Estreno: 29 de octubre de 1787 en el Teatro Nacional de
Praga<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">.Cantantes: Don Giovanni (barítono), Alejo Álvarez Castillo;
Leporello (barítono), Juan Salvador Trupia; Donna Elvira (soprano) Johanna
Padula; Donna Anna (soprano), Sabrina Schulthess; Don Ottavio (tenor), Carlos
Ullán); Zerlina (soprano), Sol Risé; Masetto (bajo), Antony Fagúndez; Commendatore
(bajo), Carlos Esquivel <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">.Orquesta de Juventus Lyrica<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">.Dirección musical: Andrés Dos Santos<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">.Coro de Juventus Lyrica, dirección Pablo Manzanelli<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">.Dirección Escénica: María Jaunarena<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">.Escenografía e Iluminación: Gonzalo Córdoba<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">.Vestuario: María Jaunarena<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">.Maquillaje y Peinado: Silvana Caruso<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">.Teatro Avenida, 14 de octubre de 2023<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Juventus
Lyrica cerró su temporada 2023 con la <span style="mso-spacerun: yes;"> </span>señalada
como “La ópera de las óperas”.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">Don
Giovanni ossia Il dissuóluto Punito</span></i><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";"><span style="mso-spacerun: yes;"> </span>no solo es una de
las obras más espontáneas y a la vez elaboradas de Mozart sino que confluyen en
ella una serie de elementos que la singularizan por sobre otras creaciones, no
sólo del genio de Salzburgo sino de la historia de la música.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">La versión que pudimos apreciar hizo
entera justicia a esa tradición: se trata de una obra de gran envergadura:
requiere pureza y precisión en el sonido orquestal, es una ópera de solistas,
sin roles secundarios, con un coro acotado y discurre en un movimiento
permanente en cuyo desarrollo se plantean, por medio de elementos expresados
actoramente y en la música,<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>las
diferencias sociales en un momento de cambio en las ideas y utiliza como base
para ello una historia que se remonta hasta muy atrás en el tiempo.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">Ya el texto de María Jaunarena que abre
el programa de mano <span style="mso-spacerun: yes;"> </span>(una suerte de breve
pero completo ensayo, en el estilo profundo e imaginativo que es propio de su
manejo en la escritura) analiza no solo los antecedentes del mito y sus
diversas manifestaciones sino que también se refiere a su vigencia.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span><b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Mozart y Don Giovanni<o:p></o:p></b></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span></span></b><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">Cuando, a principios del siglo XVII
Tirso de Molina escribió <i style="mso-bidi-font-style: normal;">El Burlador de
Sevilla y el Convidado de Piedra </i>lo hacía sobre la base de relatos que,
basados en hechos reales o no, ya circulaban en la tradición popular.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Pasquale
Bondini, el empresario que comisionó <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Don
Giovanni</i> a Mozart era el dueño de una troupe viajera que produjo muchas
obras en la época. La idea de una nueva ópera surgió a partir del éxito de <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Las bodas de Fígaro.</i><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>El tema
estaba tan en boga que –conforme lo refiere Peter Branscombe en el estudio
preliminar a la edición de <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Don Giovanni</i>
a de la <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Deustche Grammophon</i> dirigida
por von Karajan en 1985- parece haber habido hasta 500 variantes; muchas de
ellas en la época en que Mozart y Da Ponte escribieron su obra maestra, cuya
versión es tomada de la que, poco antes, había sido presentada en Venecia. Era
un tema ideal para ambos: la maleabilidad de la historia permitía enfocarla
desde varias ópticas: enfatizando los elementos de <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Commedia dell´ Arte</i><span style="mso-spacerun: yes;"> </span>o los
trágicos o, como sucede de algún modo en esta oportunidad: ambos a la vez.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>En el
programa <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Curiosidades mozartianas, </i>de
la serie “Un viaje al interior de la música”, del maestro Horacio Lanci, son señalados
aspectos de la profundidad musical de la obra: uno de ellos es el pasaje de
polirritmia vertical del final del primer acto, durante la escena<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>de fiesta en el palacio de Don Giovanni; se
forman tres parejas de baile: Donna Ana y Don Octavio bailan un minué en compás
de ¾; Don Giovanni y Zerlina una danza campesina en compás de 2/4 y Leporello y
Masseto una contradanza en 3/8, ello por medio de tres conjuntos musicales
diferentes en el escenario, que a su vez afinan antes de comenzar. Ello, al par
que reflejar las diferencias sociales, produce una sensación de desconcierto en
la escucha y es un recurso absolutamente nuevo y que será adoptado como elemento
del lenguaje musical recién en el siglo XX. En la versión que escuchamos no
hubo músicos en el escenario, no obstante lo cual el efecto señalado es muy
perceptible.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Otro
episodio semejante se produce al final, cuando Mozart se burla de obras
conocidas de la época, de las cuales se citan fragmentos: <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Cosa rara</i>, de Martini; <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Los
dos litigantes, </i>de Sarti y el “Non piú andrai” de <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Las Bodas de Fígaro</i>, del propio Mozart, ante lo cual Leporello canta
“a esta la conozco demasiado”. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Va de suyo
que nos encontramos ante una textura musical elaborada y efectiva.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span><b style="mso-bidi-font-weight: normal;">La versión<o:p></o:p></b></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span></span></b><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">Es posible apreciar que el vínculo entre
el sonido orquestal y las voces no se limita a un simple acompañamiento, muy
por el contrario, es cerrado, cercano, preciso y debe rescatar el carácter marcado
y chispeante de la música mozartiana, donde todo, con una gran riqueza
melódica, va cambiando durante todo el tiempo: en ocasiones la orquesta va cruzada
respecto a la frase vocal, o los elementos de las distintas secciones también
van cruzados entre sí, pero se arman y combinan en un sonido total: se trata,
visiblemente, de una arquitectura donde juegan tanto las dinámicas, llamadas a
expresar distintos sentimientos, como la rapidez. El sonido es liviano, flota,
pero es a la vez incisivo y requiere de una marcación muy precisa como la que,
con gran claridad, le dio el maestro Dos Santos. Imaginamos que el fragmento de
polirritmia vertical no debe ser de marcación fácil y que la orquesta debe
poder abordar elementos muy diferentes superpuestos.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span>El maestro pautó claramente a los cantantes, a
veces coincidiendo con distintas entradas en secciones de la orquesta.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>El
conjunto vocal es tan interdependiente <span style="mso-spacerun: yes;"> </span>entre sí como entre la orquesta. Se requiere
cierta “química” entre los personajes para que el todo funcione. Juan Salvador
Trupia compuso un Leporello brillante, con una voz que aúna potencia con
musicalidad. Al personaje le es reservada la extensa y famosa aria <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Madamina, il catalogo es questo</i>. La voz
es capaz de expresar la picardía, la complicidad y la ambivalencia del
personaje. Alejo Álvarez Castillo fue un Don Giovanni expansivo, con una voz de
tanta potencia como musicalidad, que condensa todo lo que de rechazo puede
connotar el personaje y que demanda una expresividad que surge de las
inflexiones de la voz, lo demostró tanto en sus intervenciones en duetos como
en el aria <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Deh, vieni a la finestra</i>.
Sabrina Schulthess mostró su musicalidad, potencia vocal y la diferente
gradación de sentimientos que el papel de Donna Anna, requiere, lugares <span style="mso-spacerun: yes;"> </span><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Or sai
chi l´onore </i>así lo permiten apreciar. Su partenaire Carlos Ullán, compuso a
un Don Ottavio con la elegancia, finura de la línea de canto y musicalidad
propias de un personaje que tanto se diferencia al resto de los personajes
masculinos, el aria <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Il mio tesoro</i>,
del acto segundo así lo demuestra. En su rol de Donna Elvira Johanna Padula
mostró su potencia vocal, musicalidad y coloratura propios de su personaje, por
ejemplo en lugares como el aria <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Ah ¡ chi
mi dice mai</i>. Sol Risé hizo gala de una voz clara, potente y musical en el
registro medio y agudo, una de sus arias es <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Batti,
batti o bel Masetto</i>. <span style="mso-spacerun: yes;"> </span>Antony Fagúndez
como Masetto abordó las exigencias del papel con su voz clara y potente. A
Carlos Esquivel, como el <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Commendatore</i>
le cupo la resolución de la trama. En este sentido, la voz <span style="mso-spacerun: yes;"> </span>debe ser tan potente como expresiva y poder
plantear el clima sobrenatural en el que reside la moraleja. Cumplió con ello
acabadamente.<span style="mso-spacerun: yes;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></b></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";"><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>La puesta<o:p></o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>La
concepción de María Jaunarena, como hemos podido apreciarlo en otras ocasiones,
está dada más en la selección, funcionalidad de elementos y en el detalle que
en el hecho de la acumulación y la idea de que la puesta es una segunda
creación montada sobre la acción de una ópera.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Muy por el
contrario, la puesta “trabaja” sin interferir, particularmente en una ópera
donde el permanente movimiento y circulación de personajes constituyen un
elemento esencial de la narrativa.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Una
superficie extendida de lado a lado del escenario, de forma curva y con arcadas
sirvió de telón de fondo a proyecciones que representaban los distintos
escenarios –el palacio de Don Giovanni, la calle, el cementerio- . Las arcadas
permitían la circulación de los personajes. La iluminación hacía el resto,
sugiriendo, ocultando, subrayando.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>La
marcación actoral, en sus gestos y movimientos, fue tan precisa como expresiva
en algo que siempre funcionó como un todo. El desempeño actoral de los
cantantes es algo para subrayar.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Se trató
de una puesta que, a diferencia de otras, colocó a la verosimilitud y a la
sobriedad en primer plano.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>La dinámica
escénica es<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>algo que trabaja en un todo,
del mismo modo que lo hacen las voces y la música. No es una segunda creación
sino el soporte para una primera creación. Allí precisamente está el acierto en
el punto de vista.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span><b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Coda <o:p></o:p></b></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>En un
pasaje <i style="mso-bidi-font-style: normal;">de La nuit de Varennes</i>, de
Ettore Scola (1982), Marcello Mastroianni, encarnando al Chevalier de Seingalt
se refiere, en el contexto de los tiempos que cambian, a la nueva realidad
social y cita el aria inicial de Leporello: <span style="mso-spacerun: yes;"> </span><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Notte e
giorno faticar </i>: “Quiero ser un gentilhombre/ y no quiero servir más” y
agrega haber estado presente en el estreno en Praga y ayudado a Da Ponte a
ultimar la puesta: Don Giovanni no es solo una ópera más: es la permanente
imaginación musical, es los tiempos cambiantes donde los criados quieren ser
amos, es la reedición del mito del seductor y transgresor y una de las muestras
más acabadas del genio mozartiano.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Pudimos
apreciar una versión que hizo justicia a “La ópera de las óperas.”<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Algo para
remarcar y que sólo había visto en el festival de Salzburgo, luego de la
representación de <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Cosi fan tutte</i> a la
que asistí: en el saludo final la orquesta, que suele permanecer en el foso,
subió al escenario y, junto con cantantes, coro, y directores, recibió su
merecido aplauso de cara al público. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";"><o:p> </o:p></span></i></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";"><o:p> </o:p></span></i></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">Eduardo Balestena<span style="mso-spacerun: yes;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></span></p>Eduardo Balestenahttp://www.blogger.com/profile/14810769385516765999noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4498625297215069589.post-31205947411562356272023-10-02T12:21:00.001-03:002023-10-02T17:41:02.194-03:00Festival Rachmaninov, Concierto 3<p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjmBqpAKxtMDJ8SryVzCM4eaVRIMdmhITh-0okmHSRZwp4ZLZ2u9lNEIXiVUcjc0I9KisHNJ7F_-dKAO39XbpaLpFccYZzN9zpfnYOHcwX8SmaVuMb0k6b-znjfoyRHvnEl4BaaKiVul_MYfttbRab5LRHfsCwUHpeR3HqQMMDIIuYeaYw3I5Mn5HLpMzDz/s1080/Festival%20Rachmaninov%20Arnaldo%20Colombaroli.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="840" data-original-width="1080" height="249" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjmBqpAKxtMDJ8SryVzCM4eaVRIMdmhITh-0okmHSRZwp4ZLZ2u9lNEIXiVUcjc0I9KisHNJ7F_-dKAO39XbpaLpFccYZzN9zpfnYOHcwX8SmaVuMb0k6b-znjfoyRHvnEl4BaaKiVul_MYfttbRab5LRHfsCwUHpeR3HqQMMDIIuYeaYw3I5Mn5HLpMzDz/s320/Festival%20Rachmaninov%20Arnaldo%20Colombaroli.jpg" width="320" /></a></div><br /> <p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span face="Arial, "sans-serif""> </span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">.Orquesta Filarmónica de Buenos Aires<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">.Director: Srba Dinic<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">.Solista: Nelson Goerner<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">.Teatro Coliseo, 30 de septiembre, hora 20.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Con el
último concierto del Festival Rachmaninov, correspondiente al programa del
Teatro Colón, concluyó el ciclo dedicado al genial compositor, ruso. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>El
programa dio comienzo con las<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"> Danzas
Sinfónicas opus 45, </b>que, escritas en 1940, son la última obra sinfónica de
Rachmaninov.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>“Un
refrito de viejos trucos”, señaló una crítica refiriéndose a la obra en ocasión
de su estreno; juicio que lo único que testimonia es la excesiva importancia
dada a los lenguajes de vanguardia, privilegiados por encima de la música en sí
misma, la ceguera ante ciertos aspectos de su escritura y ante el brillo de una
obra de evidente virtuosismo orquestal. Acerca de ello, el compositor declaró “</span><span face=""Arial","sans-serif"" style="mso-ansi-language: ES-AR;">En mis
composiciones, no he hecho ningún esfuerzo consciente por ser original, o
romántico, o nacionalista, o cualquier otra cosa. Escribo sobre el papel la
música que oigo dentro de mí, con la mayor naturalidad posible. Soy un
compositor ruso, y la tierra donde nací ha influido en mi temperamento y mi
forma de ver las cosas. Mi música es el producto de mi temperamento, y así es
la música rusa.... Tchaikovsky y Rimsky…Lo que intento al escribir mi música es
que diga de forma sencilla y directa lo que hay en mi corazón cuando compongo.
Si ahí hay amor, o amargura, o tristeza, o religión, esos estados de ánimo
pasan a formar parte de mi música, y ésta se vuelve bella o amarga o triste o
religiosa". Tales son las manifestaciones de un compositor que siguió su
propia auténtica y profunda voz.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Los
bocetos de la obra se remontan al esbozo del ballet <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Los Escitas</i>, <span style="mso-spacerun: yes;"> </span>1915 y parte
del material y sus ideas fueron retomadas muchos años más tarde. A despecho de
sus críticos, trabajó sobre aspectos del lenguaje contemporáneo, como el
elemento rítmico, tan frecuente en Prokoviev y Stravinsky, bajo la égida de su
propia inspiración melódica. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">La versión obtenida por el maestro
Dinic y la Orquesta Filarmónica permitió apreciar en todos sus aspectos a esta
gran obra, de ritmos, dinámicas y timbres que conforman un desarrollo donde
aparecen claramente las dos grandes vertientes de la música de Rachmaninov: el
intelectualismo y la inspiración. Intelectualismo por el rigor de su
arquitectura y por<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>las ideas que marcan
la composición. Inspiración por la belleza de los motivos, el colorido tímbrico
y el manejo rítmico que plantea una expectativa por un desarrollo marcado
siempre por algo inesperado (tanto en la sucesión de los motivos como en su
belleza y concisión).<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Va de
suyo que estas características se traducen en una necesidad de marcación muy
clara. En efecto, tanto el color orquestal (la frase de un instrumento que
continúa otro) como la<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>sucesión de
intervenciones, constituyen piezas que van calzando en un mecanismo <span style="mso-spacerun: yes;"> </span>donde la fluidez del fraseo es esencial. Es de
gran compromiso para los intérpretes: por citar un lugar, en el último
movimiento mientras las trompetas citan <i style="mso-bidi-font-style: normal;">el
Dies Irae</i> las cuerdas interpretan un pasaje cruzado con ese otro elemento. <span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Los
motivos rusos, las citas –literales o transformadas- del <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Dies Irae</i>, el desarrollo de la obra sobre un motivo central en sí
mismo breve y sencillo, son las características no solo de esta obra sino de
mucha de la música del genial compositor.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Destacaron
especialmente María Noel Luzardo (saxo alto); Matías Tchicourel (clarinete),
Sebastián Tozzola (clarinete bajo), Nestor Garrote (oboe), Michelle Wong (corno
inglés), Claudio Barile (flauta), Fernando Ciancio (trompeta), Fernando
Chiappero (corno).<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>El <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Concierto para piano y orquesta nro. 3, en
re menor, opus 30 </b>fue interpretado en la segunda parte.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Concebido
como carta de presentación para su gira por los Estados Unidos, Rachmaninov lo
escribió en Ivanovka, la residencia veraniega de la familia, en 1909.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Se trata
una de las obras más extensas, virtuosas y técnicamente difíciles para piano y
orquesta. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Se
encuentra estructurado a partir del sencillo primer motivo que, luego de la
breve introducción de la orquesta, expone el piano; casi inmediatamente, la
orquesta retoma el tema inicial del piano mientras que éste lo varía bajo la
forma de extensas figuraciones. A partir de allí comienza la permanente
variación motívica del material, que se expande hacia otros motivos derivados
hasta la aparición del segundo tema.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>El
extenso movimiento está concebido como una forma sonata ampliada en la cual el
tema inicial es vuelto a exponer varias veces, incluso luego de la gran
cadencia del instrumento solista. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Hay
básicamente dos maneras de interpretarlo: <i style="mso-bidi-font-style: normal;">rallentando</i>
y fraseando los motivos, buscando el lirismo de las concisas melodías o afrontándolo
enérgicamente, entendiendo que se trata de una obra rápida, intensa y virtuosa
cuya característica es la rapidez de todos los pasajes. Este fue el modo de
abordarlo de Nelson Goerner: pedales prolongados, extensiones amplias, fuerza,
claridad, intensidad, con un dominio absoluto sobre una obra de tales
requerimientos. <span style="mso-tab-count: 1;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>El <i style="mso-bidi-font-style: normal;">intermezzo-adagio</i>, es un tema con
variaciones concebido en una forma ABACA y no es para nada un movimiento lento.
Rachmaninov utiliza aquí técnicas que llevaría a la <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Rapsodia sobre un tema de Paganini</i> (1934): el tema expuesto en
forma más rápida y compacta, con el agregado de notas; el desarrollo de
episodios tomando un intervalo de una parte; la aparición de notas que subrayan
partes del tema y omiten otras<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>y el
enriquecimiento por<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>la orquesta, que lo
toma y expande, también de diversas maneras, todo ello a lo largo de un extenso
y cambiante desarrollo que conduce y se resuelve, casi sin solución de
continuidad.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">En el <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Finale: alla breve, </i>de gran fuerza, es una forma sonata modificada
que recapitula sobre el tema del primer movimiento y utiliza, para marcar sus
distintas secciones, un estribillo que aparece dos veces y que contrasta con el
resto del material.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">En el comentario de la versión que
hizo Sergio Tiempo hice una consideración enteramente aplicable ahora, señalando
que “Es una exposición de la mayor intensidad en el instrumento solista y
también en la orquesta, que cuando el piano intensifica la exposición del tema
inicial y lo transforma, va virtualmente cruzada con dicho instrumento. Todos
los recursos son explotados en sus mayores posibilidades: la transformación
motívica, la aparición de desarrollos a partir de fragmentos, la fuerza
arrolladora del conjunto y la cohesión, dada en gran medida por el uso de los
intervalos del tema, una cohesión que nunca se pierde pese a la diversidad de
medios utilizada”.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">El diálogo de la orquesta con el
instrumento solista es permanentemente estrecho, dado en pasajes siempre
rápidos, lo cual es indicador del grado de dificultad de la obra en ambas instancias:
el conjunto orquestal y el instrumento solista. Un ejemplo es el <i style="mso-bidi-font-style: normal;">accelerando <span style="mso-spacerun: yes;"> </span></i>de la orquesta hacia el final en un pasaje
que combita la gran rapidez como la precisa intervención de todas las voces
instrumentales.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Fue un
digno broche de oro para un festival absolutamente logrado en el cual Nelson
Goerner demostró que es un pianista virtuoso en quien la técnica no prevalece
sobre lo estético y lo hizo con la integral de la obra concertística de uno de
los mayores compositores de la música.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">Sergei Rachmaninov nació en Novgorod
el 20 de marzo de 1873 y murió en Los Ángeles el 28 de marzo de 1943. Vivió
gran parte de su vida en un exilio que lo marcó profundamente a él y a su
música y le dio el tono de fuerza y nostalgia que caracterizó su propia vida.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span>A ciento cincuenta años de su nacimiento y
ochenta de su muerte, gracias a intérpretes como los que animaron este
festival, celebramos su vida y su legado musical. <span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES" style="color: black; mso-bidi-font-style: italic;">Eduardo Balestena<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES" style="color: black; mso-bidi-font-style: italic;"><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span><o:p></o:p></span></p>Eduardo Balestenahttp://www.blogger.com/profile/14810769385516765999noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4498625297215069589.post-72742868244579255702023-09-25T16:17:00.001-03:002023-09-25T16:17:23.790-03:00Festival Rachmaninov, Concierto 2<p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgw9J3EryeRBJlZ5EdWDG7FDmF0MPh1REfty7a8dkOpQKVKMJ_Hax0i4elxRAqB2-fZw7lTRfB6JAR8xh4o9TROrBiHYQJqWmhS8yk0Z0NUVT1UhdMH22kg833EkoB2wMOHjUlI_V8vPivszN_-dF7nRe2A9GFDvYDSNjWztTqvJi_4Q5OzY18rh3qOLdev/s6000/Nelson%20Goerner.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="4000" data-original-width="6000" height="213" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgw9J3EryeRBJlZ5EdWDG7FDmF0MPh1REfty7a8dkOpQKVKMJ_Hax0i4elxRAqB2-fZw7lTRfB6JAR8xh4o9TROrBiHYQJqWmhS8yk0Z0NUVT1UhdMH22kg833EkoB2wMOHjUlI_V8vPivszN_-dF7nRe2A9GFDvYDSNjWztTqvJi_4Q5OzY18rh3qOLdev/s320/Nelson%20Goerner.jpg" width="320" /></a></div><br /> <p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span lang="ES" style="font-family: "Arial","sans-serif";"><o:p> </o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Arial, "sans-serif";"> </span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Arial","sans-serif";">.Orquesta Filarmónica de Buenos Aires<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Arial","sans-serif";">.Director: Srba Dinic<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Arial","sans-serif";">.Solista: Nelson Goerner<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Arial","sans-serif";">.Teatro Coliseo, 23 de septiembre, hora 20.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Arial","sans-serif";"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Arial","sans-serif";">Como parte del ciclo de conciertos del
Festival Rachmaninov, programado por el Teatro Colón de Buenos Aires y llevado
a cabo fuera de esa sede, en la sala del Teatro Coliseo, tuvo lugar la
presentación del pianista Nelson Goerner con la Orquesta Filarmónica de Buenos
Aires, dirigida por el maestro Srba Dinic.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Arial","sans-serif";"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Arial","sans-serif";">El marco para esta serie de recitales
dado por el sesquicentenario del nacimiento del gran compositor y el ochenta
aniversario de su muerte, no podría ser más apropiado para poner ante el
público, en un lapso breve, gran parte de la producción de Sergei Rachmaninov
(1873, 1943), quien, sometido al exilio y en la atmósfera de vanguardias ajenas
a él, ante las que se sentía un extraño, optó por seguir su inspiración, originada
en aquello de mayor hondura y significado para él. Produjo así, primero en su
amada Ivanovka y más tarde en medio de extenuantes giras de conciertos y etapas
de su exilio, una obra tan vasta como variada, profunda y poderosa con obras
tan diferentes entre sí como su primera sinfonía y las Vísperas para coro a
capella (por citar sólo dos de ellas).<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Arial","sans-serif";"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Arial","sans-serif";"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Las
circunstancias de gestación de su <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Concierto
nro. 2, en mi menor, opus 18</b> son demasiado conocidas para referirnos a
ellas. Baste señalar que, más allá de momentos de una construcción
convencional, logra una bella amalgama entre modulaciones, voces instrumentales
como las del cello, la flauta o el clarinete, con los temas del piano, como el
segundo del primer movimiento (que volverá a ser expuesto en diferentes
reelaboraciones). <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Arial","sans-serif";"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>En el inicio,
es la orquesta la que introduce, luego del sombrío comienzo en el piano, la
exposición de un primer tema marcadamente ruso, acompañado de intensos arpegios
en el piano. Ya desde el comienzo se muestra con un equilibrio entre el
virtuosismo y la frase delicada y de gran musicalidad, que es la impronta que
singulariza a la obra.<span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Arial","sans-serif";"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Luego del
episodio donde, en el marco de la elaboración del segundo tema, que luego, ante
su aparición, se superpone con el primero (que se presenta aumentado) en que se
llega a un tutti y un <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Maestoso alla
marcia </i>en que el piano y la orquesta van cruzados en lo que parece ser un pasaje
de polirritmia, el piano concluye el pasaje con una elaboración del tema. Ello
marca el comienzo de una reexposición, donde el solo de corno conduce a un
momento dulce y relajado. Fue precisamente ese solo el que presentó el problema
de un error y una entrada a destiempo.<span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Arial","sans-serif";"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>El <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Adagio</i>, con sus contrastes entre el
ritmo binario y el ternario, que le confiere una atmósfera de indeterminación,
es una de las partes más hermosas del concierto.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Arial","sans-serif";"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Las
variadas inflexiones de la obra, que va de pasajes de virtuosismo a otros de
delicada musicalidad, permitieron a Nelson Goerner mostrar su dominio sobre
todos los aspectos de la obra: sutileza en el fraseo, bravura y claridad en los
pasajes virtuosos y un equiibrio con la orquesta con la que el piano dialoga en
todo momento.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Arial","sans-serif";"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Arial","sans-serif";"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>El <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Etude tablaux nro. 5 opus 39</b> que
interpretó como bis, con requerimientos técnicos y estéticos muy diferentes al
del concierto, donde cada inflexión sucede a otra que es cambiante, reafirmó
dicha apreciación acerca de su concepto de la obra de Rachmaninov, un autor que
Nelson Goerner asume como algo interior e inherente a él como intérprete, algo
que le es caro y significativo. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Arial","sans-serif";"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Arial","sans-serif";"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Arial","sans-serif";"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>La <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Sinfonía nro. 2 en mi menor, opus 27</b> fue<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>interpretada en la segunda parte.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Arial","sans-serif";"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Abordada
recientemente por la Orquesta de la Universidad de Lanús en el ciclo de Grandes
Conciertos de la UBA, afirmaba entones que: “Es una obra mayor del repertorio,
tanto en la complejidad de su trama musical, como en la belleza de sus extensas
líneas melódicas y en la propia extensión. A poco que la apreciemos habremos de
percibir que, por ejemplo la cuerda va de pasajes de un <i style="mso-bidi-font-style: normal;">piannisimo </i>dulce y expresivo a rápidos trozos que demandan toda la
longitud del arco durante extensos períodos. En lo expresivo, el permanente
cambio de dinámicas demanda un fraseo muy sutil ya que el color orquestal lleva
la melodía de una sección a otra –toda la obra es un inmenso diálogo- que debe
seguir la frase en el mismo volumen y sensibilidad en la inflexión. Pasajes
como los arranques en el <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Allegro</i> del
segundo movimiento o el <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Allegro vivace</i>
del cuarto son intensos, rápidos y requieren una precisión tan grande como las
inflexiones de las frases lentas”.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Arial","sans-serif";"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Arial","sans-serif";"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Elementos
en sí sencillos aparecen extendidos, fragmentados, invertidos o superpuestos en
un tejido de belleza melódica y tímbrica. Además del color que aportan las
maderas, la textura se compone de la trama que llevan a cabo las cuerdas: por
momentos la línea melódica de los violines se divide en los que llevan la
melodía y los que aportan una diferente hecha de una modificación melódica –uno
de los lugares es en el desarrollo del extenso primer movimiento –que dura unos
18 minutos-. También sucede en otros lugares con modalidades distintas, una es
la cita del motivo inicial por parte de los segundos mientras los primeros
llevan otra melodía.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Arial","sans-serif";"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Arial","sans-serif";"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Los
solos imponen ya la resolución de un pasaje ya un episodio nuevo. Un ejemplo es
el solo de corno inglés<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>que, entonando
el tema inicial, conduce a un amplio desarrollo y, más tarde, nuevamente marca el
comienzo de una reelaboración más lenta y danzante que pareciera estar en un
ritmo ternario.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Arial","sans-serif";"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Baste ello
como ejemplo para mencionar sus particularidades: exigencias de fraseo, belleza
tímbrica y musicalidad.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Arial","sans-serif";"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>El extenso
solo de clarinete<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>del <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Adagio </i>es uno de los momentos más bellos
de una sinfonía que hace precisamente eso: expresar belleza sonora, sin casi
puntos de tensión.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Arial","sans-serif";"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Se trata
de una obra precisa –en lugares como el <i style="mso-bidi-font-style: normal;">fugato</i>
del segundo movimiento, por ejemplo- y de flexibilidad de <i style="mso-bidi-font-style: normal;">tempos </i>y cambios dinámicos requiere que el maestro Dinic, con una
orquesta reducida, condujo de una manera acorde a tales exigencias, con una
marcación precisa y atención a los matices que lució, pese a la sequedad de la
sala, que absorbió algo de<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>tales matices
y produjo un sonido que, por ejemplo en la cuerda, no permitió las gradaciones
de color que muchos pasajes requerían.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Arial","sans-serif";"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Destacaron
especialmente Michelle Wong (corno inglés); Mariano Rey (clarinete), Claudio
Barile (flauta), Néstor Garrote (oboe).<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Arial","sans-serif";"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Arial","sans-serif";"><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Arial","sans-serif";"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></i></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span lang="ES" style="font-family: "Arial","sans-serif";"><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><span style="mso-tab-count: 1;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></span></i></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Arial","sans-serif";"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Arial","sans-serif";"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="color: black; font-family: "Arial","sans-serif"; mso-bidi-font-style: italic;"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="color: black; font-family: "Arial","sans-serif"; mso-bidi-font-style: italic;">Eduardo Balestena<o:p></o:p></span></p>Eduardo Balestenahttp://www.blogger.com/profile/14810769385516765999noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4498625297215069589.post-46367813156174713112023-08-27T18:19:00.005-03:002023-08-27T18:38:55.926-03:00 Concierto de la Orquesta Sinfónica Municipal y Coral Carmina<p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhxGinM1CTyfuwWoa9P_wv7VQwfSqmdI9JY0SBw-q6Qke0nC9F5nXR8hknkL58GJ1_KbrqyoeQEGPrc1JPblpqGRqTpTRB3x_017VkNWU7XvpKqzOcFytjte7jQcBCMazAfseHBtlOtfOXzoSrWcSZx6YMTlh5aa1jfcozvy4KcSbO_uu506xnWk5hd8IvK/s2048/Conciero%2026%20de%20agosto.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2048" data-original-width="1536" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhxGinM1CTyfuwWoa9P_wv7VQwfSqmdI9JY0SBw-q6Qke0nC9F5nXR8hknkL58GJ1_KbrqyoeQEGPrc1JPblpqGRqTpTRB3x_017VkNWU7XvpKqzOcFytjte7jQcBCMazAfseHBtlOtfOXzoSrWcSZx6YMTlh5aa1jfcozvy4KcSbO_uu506xnWk5hd8IvK/s320/Conciero%2026%20de%20agosto.jpg" width="240" /></a></div><br /> <p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><br /></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: arial;">.Orquesta Sinfónica Municipal de Mar del Plata<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: arial;">.Director: Maestro Guillermo Becerra<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: arial;">.Coral Carmina<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: arial;">.Director: Maestro Horacio Lanci<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: arial;">.Solistas: Georgina Espósito, soprano; Facundo D. Marzán,
barítono <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: arial;">.Teatro Colón, Mar del Plata, 26 de agosto, hora 20.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: arial;"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: arial;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>La
Orquesta Sinfónica Municipal <span style="mso-spacerun: yes;"> </span>y el Coral
Carmina de Mar del Plata, bajo la dirección del maestro Guillermo Becerra,
ofrecieron un concierto íntegramente dedicado al repertorio francés, con obras
de muy diferente naturaleza.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: arial;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>La <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Fanfarria del ballet la Peri, </b>de<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"> Paul Dukas </b>(1865-1935), para cornos,
trompetas, trombones y tuba abrió el programa. Aun en una formación reducida de
metales es una pieza vibrante.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: arial;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span><b style="mso-bidi-font-weight: normal;">La Suite nro. 1 de la Ópera Carmen</b> de <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Georges Bizet</b><span style="mso-spacerun: yes;"> </span>(1838-1875) siguió en el orden del programa.
Los elementos musicales más representativos de la ópera se encuentran en esta
suite que, paradójicamente, comienza con los oscuros acordes del final de la
ópera. La <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Aragonesa</b> del comienzo,
luego de la introducción, destaca por el elemento percusivo y la bella
continuidad en la melodía de las maderas, luego del solo inicial del oboe, de gran
musicalidad. El <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Intermezzo</b>, con el
bellísimo solo de flauta, que descansa a su vez, como lo hace el de clarinete
que lo sucede, en la intervención del arpa, requiere un suave fraseo de la
cuerda en un sonido homogéneo y suave. En la <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Seguidilla</b> el oboe lleva la línea del canto de la mezzosoprano en
la ópera –que corresponde al segundo acto, donde Carmen se marcha a la taberna
de Lillas Pastia-. Con un resultado más fluido en el ensayo general que en la
sesión de concierto, hubo una lograda versión de esta suite, donde destacaron
los solistas Alexis Nicolet (flauta), Aída Delfino (arpa), Mario Romano
(clarinete) y Gerardo Gautín (fagot).<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: arial;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>El <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Preludio a la siesta de un fauno</b>, de <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Claude Debussy</b> (1862-1918), fue la
siguiente obra; <span style="mso-spacerun: yes;"> </span>inspirado en una égloga
de Mallarmé y estrenado en 1894 es la primera gran partitura orquestal de
Debussy. Se trata de un lenguaje nuevo que hace evidente su gran capacidad de
concepción musical y talento de orquestador: enlaces de acordes, timbres<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>instrumentales aislados que sin embargo
forman una trama sutil y diafanidad de la escritura son algunas de sus
características. El calificativo de Impresionistas aplicado a tanto a Debussy
como a Ravel, no resulta sin embargo del todo apto para una textura donde el
centro es el sonido en sí y que es independiente de toda “impresión” que
potencialmente puada producir. Ya el maestro Lanci señaló, en el programa de la
serie “Un viaje al interior de la Música” dedicado al compositor, que el
término impresionista le era aplicado muy a su pesar.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: arial;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Lo
señalado busca dar un marco a una obra central del repertorio que, en este
lenguaje, es de una gran dificultad técnica.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: arial;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>La
eficacia con la que fue abordada habla del trabajo llevado a cabo por la
orquesta. El bellísimo solo inicial de la flauta (Alexis Nicolet) <span style="mso-spacerun: yes;"> </span>–que, como alguien señaló, abre un mundo
nuevo- es sucedido por un acorde maderas, cornos y arpa que establece el clima
en el que discurre la obra, dentro de la dualidad de timbres que se suceden
–flauta, arpa, clarinete, fagot- con el soporte de una base dada tanto por la
cuerda como por otros timbres en un tejido muy preciso y cerrado en donde
prevalece la claridad sonora.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: arial;"><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>El <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Requiem
opus 4</b> de <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Gabriel Fauré</b>
(1845-1924) –aunque no se aclara es probable que se tratara de la versión de
1900- fue interpretado en la segunda parte. Con el <span style="mso-spacerun: yes;"> </span>Requiem Alemán de Brahms tiene el común la
delicadeza, el sentimiento de paz superadora de todo aquello deparado por la
vida y la belleza del sonido. A diferencia de<span style="mso-spacerun: yes;">
</span>las restantes obras del género, elimina el Diaes Irae. Se trata del
sentimiento de la vida y de la muerte y no de la ira de Dios. La vida es
angustiante y<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>la llegada a la muerte es
resignada y liberadora<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: arial;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>En el <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Introito y Kyrie </b>las voces, tras el
oscuro acorde inicial de las cuerdas, parecen surgir del silencio (“Requiem
aeternam dona eis Domine”) hasta el primer crescendo del coro, casi sorpresivo
e intenso (“et lux perpetua luceat eis”), que marca a la vez una constante, en
la sensación de marcha que produce este número: la permanente gradación sonora,
los cambios de intensidad y la sutileza de la relación con el tejido orquestal.
El <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Ofertorio</b> que sigue (“O Domine
Jesu Christie, rex gloriae”) marca la primera intervención del barítono solista
(“Hostias et preces tibi, Domine”). El coro vuelve a la estrofa inicial en una
bellísima línea.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: arial;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Los
expuestos son ejemplos un opus donde las voces tienes muchas inflexiones, todas
sutiles y parecen llevarnos de la oscuridad y la angustia a la diafanidad y la
esperanza. El <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Sanctus</b> es un ejemplo,
del mismo modo que el bellísimo <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Pie Jesu</b>
de la soprano solista (“Pie Jesu, Domine, dona eis requiem”) demanda un fraseo
sutil y un timbre puro y cristalino.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: arial;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>El <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Libera me</b>,<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"> </b>además de la extensa<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"> </b>intervención
del barítono solista (“Libera me, Domine, de norte aeterna”) marca una mayor
intensidad en la intervención coral (“Dies illa, dies irae”)<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: arial;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span><b style="mso-bidi-font-weight: normal;">In Paradisum</b>, (“In paradisum deducant
angeli”)<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>último de los números, con la
intervención inicial del órgano y la cuerda de sopranos en una tesitura pura,
en la antesala de un registro agudo, evoca una sensación de redentora pureza,
con la que termina la obra. Produce la sensación luminosa de que lo oído anteriormente
lo fue como un camino de elevación hacia la luz.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: arial;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Con
pasajes fugados de mucho compromiso, otros de pureza tímbrica y de
detenimiento, El Requien de Fauré, basa su belleza en lo sutil. El Coral Camina
trabajó durante mucho tiempo con esta obra. Lo hizo con cuidado y detenimiento bajo la dirección del maestro Lanci y de la maestra preparadora,
Georgina Espósito, que conocen la obra profundamente. El coro plasmó esta
concepción dada en los colores y gradaciones e intensidades cambiantes, siempre
de un modo gradual y progresivo, que demanda un fraseo acabado.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: arial;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Facundo D.
Marzán brindó a sus extensas intervenciones solistas su timbre delicado y un
fraseo acorde a los requerimientos de sus pasajes: suave y gradual en los
cambios. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: arial;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Georgina
Espósito, además de su gran capacidad de preparadora es dueña de una voz
delicada, cristalina y potente a la vez, que siempre administra a partir de un
criterio estético apropiado a las obras que interpreta.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: arial;"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: arial;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span><b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Coda<o:p></o:p></b></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: arial;">En cuanto a la orquesta, acaso lo más
importante es que, aun con personal contratado, ha logrado un sonido homogéneo
–si bien perfectible- y podido interpretar obras que no solo requieren un
orgánico amplio sino también un requerimiento técnico y estético importante, lo
que habla de un grado de preparación que comienza a dar frutos, y que le
permite abordar programas que vayan más allá del temprano clasicismo y de
ciertas formas del romanticismo también temprano.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: arial;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>La falta
de programa de mano –que escenarios como el del CCK suplen con la información
de prensa- es una carencia importante para la cual la remanida pandemia sigue
siendo la justificación.<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>Ello impide,
entre otras cosas, conocer los antecedentes de los organismos y los solistas.
No sabemos por ejemplo, quien estaba a cargo del órgano, al cual tan importante
intervención cabe en el requiem. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: arial;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Asimismo,
hay maestros –como Christian Fernandez Larguía o Arturo Diemecke- que aclaraban
previamente al público sobre que los aplausos deben ir al final y no en cada número
o movimiento. En el caso de los Requiem el aplauso se estila luego del<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>silencioso momento de recogimiento que<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>una obra de esa naturaleza impone y no en
cada número, lo cual rompe con el clima íntimo y sereno inherente a tal forma
musical. Fue lo que sucedió en esta oportunidad.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: arial;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>La Orquesta
Sinfónica Municipal y el Coral Carmina han vuelto a actuar en conjunto, tal
como lo hicieron en la primera presentación de la orquesta luego de diez meses
de forzosa inactividad. Esperemos que ello signifique el comienzo de una nueva
etapa. El elemento humano con el que se cuenta permite sobradamente que así sea.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: arial;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: arial;"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: arial;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: arial;"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: arial;"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoQuote" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: arial; font-style: normal; mso-bidi-font-style: italic;"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoQuote" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: arial; font-style: normal; mso-bidi-font-style: italic;">Eduardo
Balestena<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoQuote" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-style: normal; mso-bidi-font-style: italic;"><span style="font-family: arial;"><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span></span><span style="font-family: Garamond, serif;"><o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES"><o:p> </o:p></span></p>Eduardo Balestenahttp://www.blogger.com/profile/14810769385516765999noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4498625297215069589.post-83361104362809280412023-05-17T08:58:00.005-03:002023-05-17T17:03:30.812-03:00La Flauta Mágica en el Teatro Colón<p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjVKx68JZ0KeYsPKg91z9F1xFsk7b5d2vASZdeNgvKMbrlUs-e4wxhaJhNKcfYMe2wtmKj8pVaaVOpsm-HpGbu_VR0ZoaimfxJ3Fr5nHvp0kxjYN_nQsWXlUF0uvvB_aNI3DOWRYTndjJbxLM59Dp-nTkFn_I0ZCMhpbPjlEl5_oqinlqxCO3md64CDcQ/s1784/La%20flauta%20m%C3%A1gica%20Teatro%20Col%C3%B3n.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="927" data-original-width="1784" height="166" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjVKx68JZ0KeYsPKg91z9F1xFsk7b5d2vASZdeNgvKMbrlUs-e4wxhaJhNKcfYMe2wtmKj8pVaaVOpsm-HpGbu_VR0ZoaimfxJ3Fr5nHvp0kxjYN_nQsWXlUF0uvvB_aNI3DOWRYTndjJbxLM59Dp-nTkFn_I0ZCMhpbPjlEl5_oqinlqxCO3md64CDcQ/s320/La%20flauta%20m%C3%A1gica%20Teatro%20Col%C3%B3n.jpg" width="320" /></a></div><br /> <p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">.La Flauta Mágica, <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Singspiel</i>
en dos actos (1791)<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">.Música: Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791)<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">.Libreto: Emanuel Schinkaneder<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">.Dirección musical: Marcelo Ayub<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">.Elenco: Tamino, Juan Francisco Gatell (tenor); Pamina, Hera
Hyesang Park (soprano); Reina de la Noche, Laura Pisani (soprano); Papageno, Alejandro
Spies (barítono); Sarastro, Lucas Devebec Mayer (bajo); Primera Dama, Laura Polverini
(soprano); Segunda Dama: Eugenia Coronel Bugnon (mezzosoprano); Tercera Dama: Daniela
Prado (mezzosoprano); .Monostatos, Iván Maier (tenor); Papagena, Ana Sampedro
(soprano)<span style="mso-spacerun: yes;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="tab-stops: right 15.0cm; text-align: justify;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">.Coro Estable dirigido
por<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>Miguel Martínez<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="tab-stops: right 15.0cm; text-align: justify;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">.Dirección de escena: Barrie
Kosky; Suzane Andrade<span style="mso-tab-count: 1;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">.Iluminación: Diego Leetz<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">.Esenografía y vestuario: Esther Bialas<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">.Teatro Colón, Buenos Aires, 14 de mayo, hora 17.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span face=""Arial","sans-serif"" style="mso-ansi-language: ES-AR;">El poder de la música y la travesía por la noche de la
muerte<o:p></o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">En el estudio preliminar de la
excelente versión que puso en escena Juventus Lyrica en 2019, titulado <i style="mso-bidi-font-style: normal;">El Príncipe y la Rosa</i>, María Jaunarena expone
las antiguas fuentes y el carácter de una obra donde existen profundos
simbolismos y mensajes ocultos.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">“Tamino se remonta a Horus” –señala-,
“hijo de Isis a quien cada amanecer persigue un dios que toma la forma de
serpiente […] Juntos simbolizan la batalla diaria del sol contra la oscuridad.
También se remonta a Orfeo, quien con su lira (flauta) encanta a las fieras […]
La Reina de la Noche tiene mucha similitud con Hécate, la diosa de la venganza,
a quien se la representa a veces con tres cabezas (en la obra, las tres damas.
Sarastro se asemeja al gran sabio Zaratustra o Zoroastro. Y Papageno se parece
mucho a Hermes o a Mercurio.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">Pamina es hija de la oscuridad y está
destinada a que Tamino transite el sendero de la sabiduría.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">El símbolo, señala Jaunarena, es
disparador del contenido múltiple: tres acordes iniciales, tres damas, tres
niños, tres sacerdotes, tres pruebas.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">“Tamino y Pamina se aventuran a ´las
puertas del horror´ confiados en que gracias al poder de la música podrán
transitar alegres ´la oscura noche de la muerte´.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">No se trata de una historia pueril
sino de la puesta en escena de un simbolismo que resalta el valor de la
decisión, el anhelo de la luz, el silencio, la lealtad y la prudencia, en el
marco del cuento tradicional.<span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">En mi ensayo sobre la obra (publicado
en la página de la ACMA) expresaba: <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" style="mso-ansi-language: ES-AR;">“Como señala
Bruno Bettelheim en <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Psicoanálisis de los
cuentos de hadas</i>, la narración (en este caso el libreto de Schikaneder),
que a primera vista se encuentra desvinculada de nuestra experiencia, en un
nivel no verbal ni manifiesto es como un espejo mágico que nos refleja
internamente y que implica una serie de etapas para pasar de la inmadurez a la
madurez adulta, o hacer frente a un desafío y poder lograr un estado de
sabiduría derivado de esa experiencia. Se trata de un camino donde primero no
es posible ver claramente –no se sabe quién es el bueno ni quien el malo, ello
es fruto de una revelación a alcanzar- que guarda desafíos e implica tensiones
pero que termina en un final feliz, caracterizado en los cuentos de hadas por
un estado de paz que durará para siempre: “y fueron felices” suelen rematar las
historias y aludir a un futuro estable y sin tensiones, destinado a transcurrir
fuera de nuestra mirada de lectores,<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>que
sobreviene luego de pasar por algo crucial.”<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES"><o:p> </o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">El
simbolismo en la música<o:p></o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; margin-bottom: 10pt; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" style="mso-ansi-language: ES-AR; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US;">La música de Mozart, además de bella, concebida en soluciones musicales
diversas, expresa genialmente el sentido de la obra tan vigente para acercarnos
al valor de la creación Mozartiana. En efecto, las arias de la Reina de la
Noche (recitativo y aria <i style="mso-bidi-font-style: normal;">O zittre nicht,
mein lieber Sohn</i>, del primer acto, y <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Der
Hölle kocht in meinen Heizen</i>, segundo acto–en re menor, tonalidad asociada
a la muerte y el drama- , rápidas y crispadas, en <i style="mso-bidi-font-style: normal;">staccato</i>, provienen de la ópera seria. Las de Tamino y Pamina –más
lentas, como <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Tamino<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>mein! O weich ein Gück!, </i>del segundo
acto) de articulaciones suaves y que transcurren mayormente en el registro
medio- siguen el esquema de liderazgo del tenor y de la soprano que actúa por un
fuerte sentimiento amoroso, en líneas que irradian nobleza y fidelidad de uno
hacia el otro, como en aria del retrato (<i style="mso-bidi-font-style: normal;">Dies
Bildnis ist bezaubend</i>, primer acto), en mi bemol mayor, la misma tonalidad
del leimotiv del anhelo de amor, de <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Tristán
e Isolda</i>. Papageno, en cambio, aborda una sencilla y efectiva melodía del
canto popular (<i style="mso-bidi-font-style: normal;">Der Vogelfänder bin ich</i>),
del primer acto, primero expuesta en su totalidad por la música. Las
intervenciones de Sarastro (como O <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Isis
und Osiris</i>, del segundo acto), lentas, solemnes y profundas, que discurren
mayormente en la zona grave del registro y que parecen trabajar sobre un núcleo
temático que va siendo transformado de uno en otro pasaje, evocan el himno
religioso.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; margin-bottom: 10pt; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" style="mso-ansi-language: ES-AR; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US;">Una de las partes más representativas de este uso de un paradigma sonoro
está dada por el<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>pasaje de los guardas (<i style="mso-bidi-font-style: normal;">Der, welcher wandert diese Straße</i> del
segundo acto), Tamino y Pamina, donde se cita un coral de Bach y la cuerda
interviene de una manera muy elaborada, con diferentes entradas y un cambio en
el desarrollo a partir de la decisión de Pamina de acompañar a Tamino. Cabe
recordar que en su análisis de la sonata nro, 30 de Beethoven, András Schiff
hace notar que en el siglo XVIII y parte del XIX la música de Bach no era
asiduamente ejecutada y sólo accesible en colecciones privadas, con lo cual, es
dable suponer que tanto Mozart como Beethoven debieron investigar la música de
Bach al citarla o basarse en ella.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; margin-bottom: 10pt; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" style="mso-ansi-language: ES-AR; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US;">La Orquesta Estable, bajo la dirección de Mauricio Ayub, plasmó
acabadamente la partitura mozartiana expresando cada uno de estos matices, de
manera grácil, expresiva en un sonido puro, pulido y muy expresivo.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; margin-bottom: 10pt; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span face=""Arial","sans-serif"" style="mso-ansi-language: ES-AR; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US;">Las voces<o:p></o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; margin-bottom: 10pt; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" style="mso-ansi-language: ES-AR; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US;">Puestos a cantar de una manera muy estática y en incómodas y elevadas posiciones
las voces del segundo elenco lucieron, en todos los casos, la plenitud que sus
partes requieren. Juan Francisco Gatell compuso un Tamino de voz potente,
musicalidad y matices; lo mismo podría decirse de Hera Hyesang Park como
Pamina, en todo momento con un volumen tan potente como bello y expresivo;
Alejandro Spies fue un Papageno de voz potente y matices, de gran musicalidad;
Lucas Devebec Mayer compuso un difícil papel de Sarastro, con notas extensas en
el extremo grave del registro donde se hace evidente la dificultad en sostenerlas
en volumen. Laura Pisani fue una Reina de la Noche de voz potente, de gran musicalidad
en la extrema dificultad de sus pasajes; también el desempeño de las tres damas
fue de gran musicalidad, limpieza tímbrica y potencia. Iván Maier mostró su
condición vocal con un Monóstatos muy expresivo y de gran musicalidad. Lo mismo
puede decirse del resto del elenco.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; margin-bottom: 10pt; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" style="mso-ansi-language: ES-AR; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US;">Se trató de un nivel musical totalmente a la altura de tan
representativa creación.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; margin-bottom: 10pt; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span face=""Arial","sans-serif"" style="mso-ansi-language: ES-AR; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US;"><o:p> </o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; margin-bottom: 10pt; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span face=""Arial","sans-serif"" style="mso-ansi-language: ES-AR; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US;">¿Quién engañó a Wolfgang
Amadeus Mozart? <o:p></o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; margin-bottom: 10pt; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" style="mso-ansi-language: ES-AR; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US;">La puesta tomó los aspectos más externos de la acción de la obra y su
base teórica pareció ser el recordado film </span><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">¿Quién engañó a
Roger Rabbit?</span></i><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">
De Robert Zemeckis (1988) en la cual las figuras animadas interactúan con
humanos.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; margin-bottom: 10pt; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">De
este modo, los roles se invirtieron en la mecánica de la acción: la única
movilidad fue la de a veces gigantescas figuras, siempre desagradables,
mientras los cantantes, lejos unos de otros, estaban privados de movimiento. Lo
cual hace imperceptible el valor de la acción y del movimiento: un ejemplo –de los
tantos- <span style="mso-spacerun: yes;"> </span>fue el bellísimo trío <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Soll ich dich, Teurer nicht mehr sehn? </i>Cuyo
sentido se pierde si los cantantes se encuentran colgados e inmóviles unos
lejos de otros.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; margin-bottom: 10pt; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">La
supresión de una escena de Papageno con la anciana, que resultará
posteriormente ser su amada es otra de las atribuciones que se toma el <i style="mso-bidi-font-style: normal;">reggisseur </i><span style="mso-spacerun: yes;"> </span>y que resultan en una pérdida del efecto deseado.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; margin-bottom: 10pt; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">La
puesta, en lugar de (como la de Juventus Lyrica) rescatar el sentido profundo la
banaliza en una historia pueril, donde la imagen todo lo invade.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; margin-bottom: 10pt; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">Renglón
aparte merece la supresión de los recitativos secos por <span style="mso-spacerun: yes;"> </span>leyendas como las del cine mudo, acompañadas,
a la manera de aquel espectáculo, por el excelente pianista Iván Rutkauskas interpretando
partes de música de Mozart para teclado (absolutamente desvinculada de la obra).
En el silencio, privados de la palabra, los recitativos terminan solo aportando
información pero interrumpen el flujo sonoro. Aun simplemente hablada la
palabra tiene la propia musicalidad de la frase y es parte del canto, establece
una separación y al mismo tiempo una continuidad. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; margin-bottom: 10pt; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">Todo
ello recuerda de algún modo la época de la tiranía de directores como Hans Von
Bülow o Toscanini, quienes se atribuían la potestad de “arreglar” las obras o
interpretarlas según los <i style="mso-bidi-font-style: normal;">tempi </i>que
ellos estimaban “mejores” (como Toscanini con el Bolero de Ravel) </span><span face=""Arial","sans-serif"" style="mso-ansi-language: ES-AR; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US;"><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; margin-bottom: 10pt; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" style="mso-ansi-language: ES-AR; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US;">En una escena de <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Yo Claudio</i> (de
Robert Graves) Claudio hace imprimir una historia de Cartago y el editor le
incluye ilustraciones con elefantes que producen la ira del futuro emperador,
que solo se proponía narrar hechos históricos.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; margin-bottom: 10pt; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span face=""Arial","sans-serif"" style="mso-ansi-language: ES-AR; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US;">La Flauta Mágica</span></i><span face=""Arial","sans-serif"" style="mso-ansi-language: ES-AR; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US;">, como expresó tan bella y
claramente María Jaunarena, es una obra de esencias que encuentra su origen en
la remota antigüedad y que no requiere más que un soporte físico para expresar
esa esencia: como dijo Lope: un decorado, tres caracteres, una pasión. Convengamos
que en el caso son más de tres caracteres.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; margin-bottom: 10pt; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" style="mso-ansi-language: ES-AR; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US;">La resiente el hecho de que alguien pretenda construir su propia obra
sostenida por las paredes de otra que es genial y que termina siendo tomada
solo por eso, por un suporte, <span style="mso-spacerun: yes;"> </span>bajo la excusa
de que hay que <i style="mso-bidi-font-style: normal;">aggiornarse</i> y es el <i style="mso-bidi-font-style: normal;">reggisser</i> el tirano de turno que impone
este entendimiento de una obra genial.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; margin-bottom: 10pt; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" style="mso-ansi-language: ES-AR; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US;">Pongamos el problema en estos términos: si un escritor del establishment
de la industria cultural ensayara la hipótesis de que Borges es un escritor
complejo y decimonónico y se propusiera reformular supongamos el cuento <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Tlön, Uqbar y Orbis Tertius</i> y suprimiera
párrafos, reescribiera otros y, en un excesivo propósito de explicarlo todo en
términos simples, incluyera figuras de extraterrestres, ¿pensaríamos entonces
que esto forma parte de una legítima libertad creativa?<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; margin-bottom: 10pt; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" style="mso-ansi-language: ES-AR; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US;">Es exactamente lo mismo lo que sucedió en este caso y cabe repetir la
presunta inicial </span><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">¿Quién
engaño a Wolfgang Amadeus Mozart? Un <i style="mso-bidi-font-style: normal;">reggisseur</i>,
la actitud frívola de un <i style="mso-bidi-font-style: normal;">establishment</i>
solo atento a la moda? </span><span face=""Arial","sans-serif"" style="mso-ansi-language: ES-AR;">¿La idea de que el público necesita que le expliquen
todas las cosas de la manera más simple y escolar?<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; margin-bottom: 10pt; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" style="mso-ansi-language: ES-AR;">Sin embargo, como dice el maestro Horacio Lanci, la
música tiene el poder de curarlo y superarlo todo y Mozart seguirá siendo el
genio que es, resistiendo a pruebas como esta.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; margin-bottom: 10pt; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" style="mso-ansi-language: ES-AR;">La pena y la pérdida es que en un ámbito donde
claramente predomina la ópera italiana, las oportunidades de escuchar obras
como <i style="mso-bidi-font-style: normal;">La Flauta Mágica</i> son
extremadamente restringidas y esta es una oportunidad tristemente y penosamente
<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>perdida de acceder a una versión digna
de ella.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; margin-bottom: 10pt; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" style="mso-ansi-language: ES-AR;">Queda el consuelo de la música que, en medio de tata
parafernalia visual, pudo hacerle justicia.</span><span face=""Arial","sans-serif"" style="mso-ansi-language: ES-AR; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US;"><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">“La
sombría noche de la muerte”<o:p></o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">A principios de 1791 Mozart vivía una
situación apremiante en todo sentido. Sin embargo, en sus últimos seis meses de
vida escribió el Concierto para clarinete, el Ave Verum, la ópera La Clemenza
di Tito, el inconcluso Requiem y La Flauta Mágica.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">Es música de una hermosura e
inspiración imposibles de imaginar en un hombre que estaba muriendo.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">El 30 de septiembre de 1791 dirigió el
estreno en el Theater auf der Wien y el 5 de diciembre murió en la misma
ciudad: “Por el poder de la música atravesamos alegres la sombría noche de la
muerte” dice el aria “Tamino mein! o weich ein Glück” de Pamina y Tamino, ya
casi al final.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">Ese es el poder de la música, aquello
que nos permite olvidar a la sombría noche de la muerte y renovar la
fascinación del poder de la música de una obra mágica. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES"><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES"><o:p> </o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">Eduardo Balestena<o:p></o:p></span></p>Eduardo Balestenahttp://www.blogger.com/profile/14810769385516765999noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4498625297215069589.post-56532425112306034632023-05-16T20:20:00.004-03:002023-05-17T16:53:55.766-03:00Concierto de la Orquesta Académica de la Universidad Nacional de Lanús<p> </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjYQHA8wH_gFiP6ssSJc_Us-FKMYLQ0jX-kP4ej1M9gJgWUk4pM9y7_CXha9DH5nzKWWP8uRz_w2FZEK0y0U2F-fy8BUzoQs_7TIzGsnIxSIhezPL_MthtrrVCe8oC_teEx2xGaud357YjvJIVlRi9Y9Qets9JAlejPo6MB7XGZ0GpusyobqwAh4WTDuw/s690/Orquesta%20Academica%20Lan%C3%BAs.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="689" data-original-width="690" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjYQHA8wH_gFiP6ssSJc_Us-FKMYLQ0jX-kP4ej1M9gJgWUk4pM9y7_CXha9DH5nzKWWP8uRz_w2FZEK0y0U2F-fy8BUzoQs_7TIzGsnIxSIhezPL_MthtrrVCe8oC_teEx2xGaud357YjvJIVlRi9Y9Qets9JAlejPo6MB7XGZ0GpusyobqwAh4WTDuw/s320/Orquesta%20Academica%20Lan%C3%BAs.jpg" width="320" /></a></div><br /><p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">.Orquesta Académica de la Universidad Nacional de Lanús<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">.Director: Maestro Daniel Bozzani<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">.Solista: Javier Mas<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">.Aula Magna de la Facultad de Derecho de la Universidad
Nacional de Buenos Aires, 13 de mayo, hora 18.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>En este
concierto, de la trigésima temporada del Ciclo de Grandes Conciertos de la UBA
se contó con la actuación de la Orquesta Académica de la Universidad Nacional
de Lanús, bajo la dirección del maestro Daniel Bozzani y la actuación<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>solista del maestro Javier Mas en el piano.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>La <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Obertura Edipo a Colono, </b>de Antonio
Sachini (1730-1786), fue la primera obra del programa. Ya desde el inicio, en
sus gráciles y rápidos pasajes de la cuerda permitió apreciar tanto la amplitud
de la masa de cuerdas de la orquesta como su sonido terso y absolutamente
homogéneo, en un opus cuyo elemento central es precisamente esa sección.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>La <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Fantasía para piano y orquesta “Der
Wanderer”,</b> opus 17, (D.760) de <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Franz
Schubert</b> (1797-1828), con arreglo de Franz Liszt (1811-1886) siguió en el
programa, interpretada por el maestro Javier Mass, quien logró una correcta
versión de un trabajo donde el elemento melódico surge en un segundo plano ante
el predominio de pasajes rápidos.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>En la
segunda parte fue abordada la <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Sinfonía
nro. 2 en mi menor, opus 27</b> de <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Sergei
Rachmaninov</b> (1873-1943)<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Tanto la
primera sinfonía (1895) como la segunda (1906-1907), en su radicalmente
distinta concepción,<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>marcan cotas de las
más altas –si tal afirmación es posible, dado que todo en Rachmaninov es
diverso y a la vez brillante y profundo- en la producción del gran compositor y
concertista <span style="mso-spacerun: yes;"> </span>de Novgorod.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Es una
obra mayor del repertorio, tanto en la complejidad de su trama musical, como en
la belleza de sus extensas líneas melódicas y en la propia extensión. A poco
que la apreciemos habremos de percibir que, por ejemplo la cuerda va de pasajes
de un <i style="mso-bidi-font-style: normal;">piannisimo </i>dulce y expresivo a
rápidos trozos que demandan toda la longitud del arco durante extensos períodos.
En lo expresivo, el permanente cambio de dinámicas demanda un fraseo muy sutil
ya que el color orquestal lleva la melodía de una sección a otra –toda la obra
es un inmenso diálogo- que debe seguir la frase en el mismo volumen y
sensibilidad en la inflexión. Pasajes como los arranques en el <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Allegro</i> del segundo movimiento o el <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Allegro vivace</i> del cuarto son intensos,
rápidos y requieren una precisión tan grande como las inflexiones de las frases
lentas.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Vayamos
a algunos de sus lugares para ejemplificar lo expuesto: tras la iniciación en
los graves de la cuerda y el acorde de clarinetes y clarinete bajo que le
sucede –verdadero marco que plantea un clima sonoro- sucede el sencillo tema
ascendente, breve y conciso, en la cuerda, que sujeto a transformaciones y
variaciones habrá de va estructurar toda la obra y darle unidad. Rachmaninov se
nos revelará como un maestro de la transformación motivica, como lo era Rimsky
Korsacov (también hemos de apreciar que algo semejante sucederá en su Tercer
Concierto en do menor, de 1909). Es una obra compleja que, como el tercer
concierto, descansa en elementos sencillo pero que aparecen extendidos,
fragmentados, invertidos o superpuestos y desarrollados, a veces en largos
tramos, de manera muy sutil.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>La
disposición de la cuerda adoptada: primeros violines a la<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>izquierda del director y segundos a su
derecha permitió apreciar la trama en que la sección trabaja: por momentos la
línea melódica de los violines se divide en los que llevan la melodía y los que
aportan una diferente, hecha de una modificación melódica –uno de los lugares es
en el desarrollo del extenso primer movimiento –que dura unos 18 minutos-.
También sucede en otros lugares con modalidades distintas, una es la cita del
motivo inicial por parte de los segundos mientras los primeros llevan otra
melodía. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Todas
las secciones son relevantes, la percusión, los metales, las maderas que, por
ejemplo el solo del corno inglés que luego de un extenso desarrollo orquestal
cita el tema inicial en forma casi literal, lo cual lleva, tras un acorde de
las maderas a un desarrollo nuevo con una variación del tema central.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES"><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>En solo de clarinete –a cargo del
solista Pablo Thimental- del comienzo del tercer movimiento <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Adagio</i> es uno de los lugares más bellos
–si afirmar eso es posible en una obra de belleza en toda su extensión- que, en
el comienzo del registro agudo del instrumento nace con una nota inicial que
surge muy suavemente y que inaugura un extenso pasaje que plantea el desafío de
la respiración, ya que la línea se desliza sin detenerse nunca en distintas
inflexiones, lo <span style="mso-spacerun: yes;"> </span>que hace que el
instrumentista deba aprovechar muy breves momentos para respirar.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>En su
memorable libro <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Los Griegos</i> Kitto
dice algo como: si me he extendido tanto es para demostrar el profundo
intelectualismo griego. Si me extendido tanto –extensión que está muy lejos de
agotar las posibilidades de la obra- es para poner en evidencia el valor de la
interpretación de la Orquesta Académica de Lanús y de la preparación y el trabajo
del maestro Daniel Bozzani, ya que se trata de una obra que no da tregua en
ningún momento de los aproximadamente 57 minutos que dura.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Ante un
desajuste en el arranque del <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Allegro
molto </i>el maestro detuvo la interpretación y el inicio fue atacado
nuevamente. En uno de sus trabajos Mariano Balestena señala el verdadero
sentido de estos accidentes en la música, que han de ser demostrativos de la
dificultad que entraña hacer música y de todo lo otro que sale sin
inconvenientes. Una actitud franca, responsable y honesta que no desmerece en
lo más mínimo la gran interpretación que pudimos disfrutar de una obra no
presente en el repertorio. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Tanto en
la cuerda, como en los metales y maderas, en la percusión, todo fue preciso,
expresivo, a la altura del fraseo y la intensidad requeridos por un gran diseño
sinfónico.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>En su
presentación inicial, el compositor Juan Carlos Figueras se refirió tanto al
ciclo semanal de los conciertos de la UBA, libres y gratuitos en los cuales se
sugiere la entrega de un alimento no perecedero, ya que el referido ciclo no se
agota en el plano musical, así como a la importancia de la independencia
universitaria y el espíritu de igualdad que implica. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>El
propio ciclo es una prueba de ello. <span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoQuote" style="text-align: justify;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES" style="font-style: normal; mso-bidi-font-style: italic;"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoQuote" style="text-align: justify;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES" style="font-style: normal; mso-bidi-font-style: italic;">Eduardo
Balestena<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoQuote" style="text-align: justify;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES" style="font-style: normal; mso-bidi-font-style: italic;"><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoQuote" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES" style="font-style: normal; mso-bidi-font-style: italic;"><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span><o:p></o:p></span></p>Eduardo Balestenahttp://www.blogger.com/profile/14810769385516765999noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4498625297215069589.post-11803105519885602552023-04-16T14:57:00.007-03:002023-04-16T15:05:27.667-03:00Concierto de la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires en el Teatro Colón<p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgcsczyEI9Pbho5SKCAofVPF_ASB6knZKtWKQ-ZcQwemysjlyil4a6sOU6ITA5ZZRl03hkRSMv_XL90LKoECFv8HPTRIr1JaLcWfFYyc-ZLSbRwZKQwGy-ZyGmIIU5napgJ26gJLtb88tEEeKBsTBKkl8srn0NLneZ7OI6DHExumZL9-CKdMdfjGy6wbA/s2048/Octava%20de%20Bruckner.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1536" data-original-width="2048" height="240" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgcsczyEI9Pbho5SKCAofVPF_ASB6knZKtWKQ-ZcQwemysjlyil4a6sOU6ITA5ZZRl03hkRSMv_XL90LKoECFv8HPTRIr1JaLcWfFYyc-ZLSbRwZKQwGy-ZyGmIIU5napgJ26gJLtb88tEEeKBsTBKkl8srn0NLneZ7OI6DHExumZL9-CKdMdfjGy6wbA/s320/Octava%20de%20Bruckner.jpg" width="320" /></a></div><br /> <p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b><span lang="ES" style="font-family: "Georgia","serif";">Concierto de la Orquesta
Filarmónica de Buenos Aires en el Teatro Colón<o:p></o:p></span></b></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Georgia","serif";"> </span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Georgia","serif";">.Orquesta Filarmónica de Buenos Aires<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Georgia","serif";">.Director: Alpesh Chauhan<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Georgia","serif";">.Solista: Eduardo Vasallo, violoncello <o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Georgia","serif";">.Teatro Colón de Buenos Aires, 14 de abril, hora 20.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Georgia","serif";"> </span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Georgia","serif";"> <o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Georgia","serif";">En su tercer concierto de abono del año
la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires se presentó junto con el violoncellista
Eduardo Vasallo.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Georgia","serif";">En la primera parte del programa fue
interpretada la obra <b>Azul, para
violonchelo, ensamble obligado y orquesta</b>, de <b>Osvaldo Golijov</b>. La formulación general de dicha obra es la de una
voz solista que aborda un motivo abierto, que discurre sin un desarrollo
conclusivo definido y que, en ese discurso, van siendo sumados los timbres
orquestales y ciertos efectos, más que nada como un enriquecimiento de la
sencilla línea inicial. Percusión y acordeón intervienen, al menos al comienzo, como timbres que se
adicionan al paisaje sonoro que plantea la voz principal. Esta idea, con
algunas variantes, se extiende a gran parte de la obra.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Georgia","serif";">Sin embargo, en la tercera parte <i>Transit, </i>en lo que es el episodio quizás
más original<i> -</i>el cello solista aborda
un elemento que discurre con la repetición de un motivo que avanza y vuelve al
punto de partida, estableciendo una suerte de <i>continnum </i>en el cual el acordeón obra como un soporte armónico de
la sonoridad grave del cello y suena –en timbre bello e inusual- más como las
cuerdas de un contrabajo que como un acordeón. Se establece allí un verdadero
sincretismo entre esas voces y el delicado contorno sonoro de la orquesta,
limitada a un papel de suave efecto. La resonancia del motivo alude al folklore
centroeuropeo y produce toda la sensación de estar escrito en una escala
diferente al resto.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Georgia","serif";">La amplificación en el sonido del cello
solista introduce un elemento artificial, hace más uniforme su timbre, de por
sí profundo, dulce y melancólico, y lo ubica en un plano diferente al resto de
los timbres de la orquesta.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Georgia","serif";">Se trata, en suma, de una obra repetitiva
en la exposición de la idea inicial, ya suficientemente expresada en la primera
parte, y de un planteo interesante en <i>Transit
.<o:p></o:p></i></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Georgia","serif";">Eduardo Vasallo une su actividad docente
a su virtuosismo en el instrumento, en el cual ha llevado una extensa carrera,
a lo que debemos agregar su especial calidad personal.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Georgia","serif";"> <o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><i><span lang="ES" style="font-family: "Georgia","serif";"> </span></i><b><span lang="ES" style="font-family: "Georgia","serif";">Sinfonía nro. 8 en do
menor, de Anton Bruckner</span></b><span lang="ES" style="font-family: "Georgia","serif";">
(1824-1896)<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Georgia","serif";">Mucho es lo que se ha escrito sobre el
proceso compositivo de este opus –no enteramente comprendido en la época de que
fue compuesto- para mencionar las circunstancias que hacen a su prolongada
gestación y su progresiva consolidación hasta transformarla en lo que es: una
sinfonía de sinfonías. Baste señalar que su grado de exigencia reside en la
complejidad formal así como en la sutileza tímbrica y que –tal como sucedió en
esta ocasión- no es fácil estar a la altura de esas demandas, aunque los
aspectos externos hayan sido debidamente abordados.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Georgia","serif";">La breve referencia del programa de mano
no precisa la versión de la que se trata, que suponemos es la de Leopold
Nowak. <o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Georgia","serif";">Mencionados de una manera muy
superficial, algunos de los elementos centrales de este lenguaje son: las
secciones de pregunta y respuesta; la presentación de motivos en sí breves y
sencillos pero cuyo desarrollo implica múltiples expansiones, con nuevas
secciones derivadas de esos motivos centrales y las respuestas a la primera
parte de su desarrollo; la superposición de secciones de pregunta con las de
respuesta, en distintos grupos orquestales; la inversión de motivos; el aumento
–tomando en fragmentos más lentos una parte de un motivo-; la llegada a un elemento
simple planteado en forma de interrogante –por ejemplo por el oboe- que conduce
a una nueva variante del motivo inicial; la separación –sutil pero clara- entre
dos secciones –le llamo la necesidad de la textura de respirar, incorporando
breves momentos de silencio- antes de un nuevo desarrollo. Los requerimientos
de fraseo de esta obra son muy específicos: una nota contiene la expectativa
por un clima que sabemos que se presentará ignoramos de qué modo y bajo qué
forma. Los <i>crescendos</i> articulados son
otro recurso: comienzan en una sección, se detienen brevemente y prosiguen con
la adición de nuevas voces –generalmente los metales- en una suerte de escalón
del <i>crescendo</i>, que continúa hasta ser
resuelto en una sección de respuesta. Las divisiones en la cuerda, confiriendo
a cuerdas graves motivos introductorios.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Georgia","serif";">Estas –apenas esbozadas- son
probablemente las particularidades más notorias de un lenguaje que demanda
otros elementos estilísticos: el permanente cambio dinámico y la delicadeza
tímbrica.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Georgia","serif";">De los muchos ejemplos posibles vamos a
detenernos solamente en un par de lugares de esta interpretación: el segundo
movimiento Scherzo: <i>Feierlich, doch nicht
schleppened </i>en el cual la crucial elección del <i>tempo</i> marca la diferencia entre un concepto de <i>detenimiento</i> y otro “formulario”. No es una sinfonía que contenga
pasajes rápidos por la rapidez en sí misma; no rige en ella un concepto de
sonido compacto sino de gradaciones y requiere gran flexibilidad en el pasaje
del motivo inicial al más lento que, luego de un desarrollo, lo sucede. Hay
versiones en las que este movimiento sugiere un simple trámite para pasar al
adagio. Este fue el caso. Externamente las notas están, están los pasajes de un
elemento a otro y la corrección formal, pero sin la idea de exploración que
preside a toda la obra. Un ejemplo es la introducción de las arpas luego de la sección
resolutiva de un motivo de respuesta, en la sección C del esquema A B A C A B A
del movimiento, introcducción que pasó de manera poco notoria.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Georgia","serif";">Otro lugar es en el tercer movimiento, el
sublime Adagio<i>: Feierlich, doch nicht
schleppend </i>concebido domo un
desarrollo dentro del esquema<i> </i>A B A´B´A´´ que comienza con un sutil y
expresivo pasaje de la cuerda que va siendo intensificado. En B, tras un muy
breve crescendo se produce la entrada de las arpas y la modulación hacia una
tonalidad lejana, que connota la sensación de un ascenso gradual que sugiere,
como en un pasaje similar de una de las variaciones del último movimiento de la
novena sinfonía de Beethoven, la aparición de una luz en lo alto. Es necesario
el equilibrio sonoro entre una cuerda en <i>pianissimo</i>
para que sean audibles las arpas y un <i>rallentando</i>
en el tempo destinado a subrayar la importancia del momento y de la modulación en
el fluir del discurso. En un tempo sin cambios, y con una cuerda en <i>mezzo piano</i> –es decir con un problema de
equilibrio entre los planos sonoros-las arpas, una vez y otra, no fueron audibles
en el grado de expresividad requerida y el pasaje discurrió simplemente como
uno más.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Georgia","serif";">Problemas similares hubo en el movimiento
final: una sección de contrapunto –en el coral del final- demasiado rápida; una
veloz coda, sin posibilidad de “respiración” en un todo que fue pensado más en
su carácter compacto que en la suave fluidez que, en timbres más o menos
intensos, demanda esta obra capital en la historia de la música.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Georgia","serif";">Se trató de una versión formalmente
correcta, con la plenitud de los acordes de metales, con sus reminiscencias
organísticas, la bellísima combinación del sonido de las tubas wagnerianas con
los cornos; las complejas secciones en la cuerda; el bello timbre de las
maderas; con algunos problemas, como el tempo del segundo movimiento, que hacen
ya a la concepción del maestro Chauham y otros, como ciertos equilibrios
sonoros y articulaciones en el fraseo que probablemente hubieran podido
beneficiarse con un trabajo de ensayo más sutil y prolongado. <o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal"><b><i><span lang="ES" style="font-family: "Georgia","serif";"> </span></i></b></p><p class="MsoQuote" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: Georgia, "serif";"> </span></p><p class="MsoQuote" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: Georgia, "serif";"> </span></p><p class="MsoQuote" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: Georgia, "serif";">Eduardo
Balestena<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
</p><p class="MsoQuote" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: Garamond, "serif";"> <o:p></o:p></span></p>
<div style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif"; font-style: normal; mso-bidi-font-style: italic;">a</span></div>
Eduardo Balestenahttp://www.blogger.com/profile/14810769385516765999noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4498625297215069589.post-45027274980640773262023-01-09T11:52:00.006-03:002023-02-07T15:29:45.472-03:00Concierto de la Orquesta Sinfónica Municipal de Mar del Plata<p> </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiVN6az9DfnqgfpG9Kt3jOqu8So6tJ9q8pzmiYKf6d00262lQFJcXxXRkxan25IMDlHTgVBpWGP3s8oFpEvzVbae5sz1YECCPLj2AYOd8KQXpoAMV2i3HYuuESsJ_DEFKTZtwxKN2W12XCSPU75SC3uKmxRgQPe35OFB484qwYSyNqqcTlwKqqW6EFIug/s2048/Concierto%20sinfonica%207%20de%20enero.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1536" data-original-width="2048" height="240" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiVN6az9DfnqgfpG9Kt3jOqu8So6tJ9q8pzmiYKf6d00262lQFJcXxXRkxan25IMDlHTgVBpWGP3s8oFpEvzVbae5sz1YECCPLj2AYOd8KQXpoAMV2i3HYuuESsJ_DEFKTZtwxKN2W12XCSPU75SC3uKmxRgQPe35OFB484qwYSyNqqcTlwKqqW6EFIug/s320/Concierto%20sinfonica%207%20de%20enero.jpg" width="320" /></a></div><br /><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span lang="ES" style="font-family: times;">Concierto de la
Orquesta Sinfónica Municipal <o:p></o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: times;"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: times;">.Orquesta Sinfónica Municipal de Mar del Plata<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: times;">.Director: Maestro Guillermo Becerra<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: times;">.Teatro Colón, Mar del Plata, 7 de enero, hora 21.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: times;"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: times;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>La
Orquesta Sinfónica Municipal de Mar del Plata, bajo la dirección del maestro Guillermo
Becerra brindó –a sala llena- su primer concierto del año en el Teatro Colón de
nuestra ciudad.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: times;"><span lang="ES"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>La <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Obertura del singspiel El empresario
Teatral, </b>(K. 486) de Wolfgang Amadeus </span><span lang="ES" style="font-size: 11pt;">Mozart, </span><span lang="ES">fue la primera del programa. <o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: times;"><span lang="ES"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>En segundo
término, fue interpretada la <span style="mso-spacerun: yes;"> </span><b>Pequeña
Sinfonía en si bemol mayor para nueve instrumentos de viento, <span style="mso-spacerun: yes;"> </span>Op.216, </b><span style="mso-bidi-font-weight: bold;">de Charles Gounod. Sus intérpretes fueron –según la formación adoptada y
de izquierda a derecha: Alexis Nicolet (flauta); Mario Romano y Ernesto
Nucíforo (clarinetes); Rubén Passaretti y Marcos Tallarita (cornos); Gerardo
Gautin y Sabrina Pugliese (fagotes) y Andrea Porcel y Mariano Cañón (oboes).
Estructurada en cuatro movimientos: <i style="mso-bidi-font-style: normal;">adagio/allegro</i>;
<i>andante cantabile, quasi adagio; </i></span></span><em><span lang="ES" style="background: white; border: 1pt none windowtext; color: #333333; font-size: 11pt; mso-border-alt: none windowtext 0cm; padding: 0cm;">scherzo, allegro moderato; y </span></em><em><span lang="ES" style="background: white; border: 1pt none windowtext; color: #333333; mso-border-alt: none windowtext 0cm; padding: 0cm;">finale,
allegretto.<o:p></o:p></span></em></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: times;"><em><span lang="ES" style="background: white; border: 1pt none windowtext; color: #333333; mso-border-alt: none windowtext 0cm; padding: 0cm;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span></span></em><em><span lang="ES" style="background: white; border: 1pt none windowtext; color: #333333; font-style: normal; mso-bidi-font-style: italic; mso-border-alt: none windowtext 0cm; padding: 0cm;">Obra poco frecuente en el repertorio, es muy
rica en inflexiones melódicas, en rápidos diálogos entre los instrumentos
solistas y en vivacidad. El movimiento inicial es un allegro de sonata con
temas contrastantes y la obra nunca abandona el brillo inicial, tanto en la
belleza de los temas como en su elaboración formal.<o:p></o:p></span></em></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><em><span lang="ES" style="background: white; border: 1pt none windowtext; color: #333333; font-family: times; font-style: normal; mso-bidi-font-style: italic; mso-border-alt: none windowtext 0cm; padding: 0cm;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Su
demandas son muchas: precisión en el armado, lirismo, limpieza tímbrica y está
claramente destinada a consumados solistas. Se trató de una muy lucida versión
de este bello y poco conocido opus.<o:p></o:p></span></em></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: times;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>En la
segunda parte fue interpretada la <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Sinfonía
nro. 104 en re mayor, Londres</b> de Franz Joseph Haydn.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: times;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span>Última de las sinfonías del padre del género,
quien le dio su base formal, al transitar prácticamente todas las combinaciones
posibles, implica –como las obras del clasicismo- pureza tímbrica en sus nítidas
y amplias líneas melódicas y una arquitectura precisa en los tríos de flautas
oboes y fagotes, por ejemplo en el pasaje del primer tema al segundo en el
movimiento <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Andante</i>. Los temas
iniciales aparecen casi siempre como motivos danzantes, lo que le confiere
elegancia, fluidez y belleza.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: times;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>No son los
compases aquello que pauta la música sino que se trata de una línea con
inflexiones, como la del habla: así lo asumían las indicaciones del maestro
Becerra, dándole importancia a la respiración y al pulso; antes de cada
movimiento dejaba ver en su gestualidad la impronta que deseaba darle. Ello y
los aspectos puramente formales que fueron pulidos en el ensayo general son
indicadores de la puntualización en el trabajo. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: times;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Ante las
circunstancias que ha venido atravesando –y que aún atraviesa- la orquesta, el
nivel de preparación y detalle con el que está trabajando es algo que debe ser
destacado.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: times;"><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><span style="mso-tab-count: 1;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: times;"><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: times;"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoQuote" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: times; font-style: normal; mso-bidi-font-style: italic;"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoQuote" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: times; font-style: normal; mso-bidi-font-style: italic;">Eduardo
Balestena<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoQuote" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-style: normal; mso-bidi-font-style: italic;"><span style="font-family: times;"><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span></span><span style="font-family: Garamond, serif;"><o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoQuote" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif"; font-style: normal; mso-bidi-font-style: italic;"><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span><o:p></o:p></span></p>Eduardo Balestenahttp://www.blogger.com/profile/14810769385516765999noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4498625297215069589.post-92018710320550873952022-11-21T12:59:00.001-03:002022-11-21T12:59:13.837-03:00Concierto de la Orquesta Sinfónica Municipal con el Coral Carmina <p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEixsiKfhPgT2_BjpHssH8fI-T_n5xab95aMSiLng6T4wbfKIvWc3_aZtkbYrBh5RekM87KDSOcxFNwou5CeHCyPaf4fFRD26Koiw8CeCs_I4O8sq-C63qISmlkZfqrgpp0_ujUtRb8oe6zKrmNUmX3sX7QqCETwBJNn3NlgEKk1z3ot_W4ewzxJ-lZnlg/s2048/Concierto%20sinfonica%20stella%20maris.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1536" data-original-width="2048" height="240" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEixsiKfhPgT2_BjpHssH8fI-T_n5xab95aMSiLng6T4wbfKIvWc3_aZtkbYrBh5RekM87KDSOcxFNwou5CeHCyPaf4fFRD26Koiw8CeCs_I4O8sq-C63qISmlkZfqrgpp0_ujUtRb8oe6zKrmNUmX3sX7QqCETwBJNn3NlgEKk1z3ot_W4ewzxJ-lZnlg/s320/Concierto%20sinfonica%20stella%20maris.jpg" width="320" /></a></div><br /> <p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">Concierto de la
Orquesta Sinfónica Municipal con el Coral Carmina<o:p></o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">.Orquesta Sinfónica Municipal de Mar del Plata<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">.Director: Guillermo Becerra<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">.Coral Carmina<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">.Director: Horacio Lanci<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">.Solistas: Georgina Espósito, soprano; Fernando Rocca,
tenor; Facundo Domínguez Marzano, barítono.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">.Iglesia Stella Maris, 20 de noviembre, hora 20. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">La Orquesta Sinfónica Municipal –o más
propiamente, lo que queda de ella- se presentó, luego de una prolongada
ausencia del escenario debido a las extremadamente graves carencias en la
conformación de su orgánico- junto con el Coral Carmina y solistas. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Las <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Dos canciones</i> <span style="mso-spacerun: yes;"> </span>opus 15, de Edward Elgar abrieron el programa,
que prosiguió con la <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Misa nro. 2</i> en
sol mayor, D. 167 obra temprana de Franz Schubert siguió en el orden del
programa. Se trata de una breve obra, para orquesta de cuerdas, <span style="mso-spacerun: yes;"> </span>de gran musicalidad, ya desde su propio
comienzo –<i style="mso-bidi-font-style: normal;">Kyrie</i>-; en el <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Gloria</i> que le sigue, la expresividad
reside en un<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>rápidos y precisos pasajes
en el coro y toda la cuerda.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Georgina
Espósito brindó su timbre claro, duce y refinado en sus intervenciones –<i style="mso-bidi-font-style: normal;">Kyrie, Benedictus, Agnus dei</i>- por citar
un ejemplo. Lo mismo el tenor Fernando Rocca, de un timbre cristalino, a la vez
potente y delicado, así como el barítono Facundo Domínguez Marzano.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>El coro
destacó en su homogeneidad en todas las dinámicas de una obra con momentos de
frases extensas y una demanda de continuidad en la articulación. Horacio Lanci
no sólo es un gran director sino también un estudioso de la música de una muy
destacada trayectoria. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>La <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Sinfonía nro. 2</i>, opus 36, en re mayor de
Beethoven cerró el programa. Obra temprana sus innovaciones, sin embargo sus
innovaciones son muy marcadas. Su </span><span style="font-family: "Garamond","serif"; mso-ansi-language: ES-AR;">primer movimiento (<i style="mso-bidi-font-style: normal;">Adagio
molto – allegro con brío, en re mayor</i>), escrito en forma sonata. Su rica
introducción –de una profusa elaboración en las voces instrumentales- condensa
varios elementos melódicos y llega, sin transición, a un dramático segundo
sujeto, para volver al material de la introducción y concluir con el clímax de
la coda.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Garamond","serif"; mso-ansi-language: ES-AR;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>El
segundo movimiento (<i style="mso-bidi-font-style: normal;">Larghetto, en la mayor</i>)
en forma sonata está desarrollado con dos temas amables y ricos melódicamente, enriquecida
la grácil melodía de la cuerda por las maderas, en una muy cuidada elaboración.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Garamond","serif"; mso-ansi-language: ES-AR;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>El
tercer movimiento (<i style="mso-bidi-font-style: normal;">Scherzo – allegro, en
re mayor</i>) es breve y enérgico, con ricas gradaciones en las maderas
que<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>acompañan a los exigentes pasajes de
la cuerda.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Garamond","serif"; mso-ansi-language: ES-AR;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>La
obra concluye (<i style="mso-bidi-font-style: normal;">Allegro – molto, en re
mayor</i>) con un rondó en el cual el material temático se desarrolla
rápidamente en el esquema ABA´CA´´BA – Coda en un progresivo enriquecimiento
del material que concluye en una coda que se inicia con un sentido de
interrogación y concluye enfáticamente con el tema inicial.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Garamond","serif"; mso-ansi-language: ES-AR;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Guillermo
Becerra es un profundo conocedor del repertorio Beethoveniano y la orquesta –con
refuerzos de su orgánico- obtuvo una interpretación acorde a la obra.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Garamond","serif"; mso-ansi-language: ES-AR;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span>Es
destacable el permanente esfuerzo del Coral Carmina, ya sea en su nivel coral
como en su denodado y permanente trabajo y la entrega que ello significa. Tuvo una
actuación acorde a su nivel.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Garamond","serif"; mso-ansi-language: ES-AR;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>En
cuanto a la Orquesta Sinfónica Municipal, debe destacarse la actitud de
trabajar con el repertorio de por sí reducido que puede afrontar con su más que
menguada conformación. La calidad del concierto que llevó a cabo prueba que el referido
<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>repertorio no significa exigencias
musicales menores que otros.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Garamond","serif"; mso-ansi-language: ES-AR;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Sin
embargo, los problemas que atraviesa –desde larga data- el organismo, están muy
lejos de una solución.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Garamond","serif"; mso-ansi-language: ES-AR;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Resilium</i> es el verbo latino que expresa
la fortaleza de un material capaz de volver a su forma original luego de un
fuerte impacto. De allí deriva el término <i style="mso-bidi-font-style: normal;">resiliencia</i>
: tanto un orgánico menguado por el desinterés y las malas políticas
municipales, agravado ello por los problemas edilicios y otros de variada
índole, no han podido vencerla ni disminuir su calidad musical. Si en algún
momento –forzosamente lejano- pueda llegar a recomponerse ello se deberá a la
tenacidad y a la <i style="mso-bidi-font-style: normal;">resilencia</i> de todos
los músicos que han venido luchando silenciosamente por ella.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Garamond","serif"; mso-ansi-language: ES-AR;"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Garamond","serif"; mso-ansi-language: ES-AR;">Eduardo Balestena <o:p></o:p></span></p>Eduardo Balestenahttp://www.blogger.com/profile/14810769385516765999noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4498625297215069589.post-11340964434399803952022-11-21T11:21:00.006-03:002022-11-21T11:21:57.457-03:00Concierto de la Orquesta Sinfónica Nacional, solistas, Coro Polifónico Nacional, coro de niños, coro mixto en el CCK<p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgTn1845P4w-GMVI0BE7XmFPmOkSZb5JLTPGcXsbCEo_iKjUscpPP9yAum0P1Mukf_39aUKrFlR_P05RFVh5vYXWNjQVnNJC-WAnfph7p2IAlzO1Ogu8rNkLWMptMSDGZQdelHTI_4me8TeqPqfLjcuLgLD4mMdcRORK4Fy7srHRb4KCPBI3p6TfSgnrA/s2048/Concierto%20CCK%2018%20de%20noviembre%20II.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1365" data-original-width="2048" height="213" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgTn1845P4w-GMVI0BE7XmFPmOkSZb5JLTPGcXsbCEo_iKjUscpPP9yAum0P1Mukf_39aUKrFlR_P05RFVh5vYXWNjQVnNJC-WAnfph7p2IAlzO1Ogu8rNkLWMptMSDGZQdelHTI_4me8TeqPqfLjcuLgLD4mMdcRORK4Fy7srHRb4KCPBI3p6TfSgnrA/s320/Concierto%20CCK%2018%20de%20noviembre%20II.jpg" width="320" /></a></div><br /> <p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">Concierto de la Orquesta
Sinfónica Nacional, solistas, el Coro Polifónico Nacional, Coro de niños, coro
mixto en el CCK<o:p></o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">.Orquesta Sinfónica Nacional de Argentina<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">.Directora: Natalia Salinas<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">.Solistsa: Ricardo González Dorrego, tenor; Alejandro
Spies, barítono; Walter Swarz, bajo <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">.Coro Polifónico Nacional<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">.Antonio Domeneghini, director del coro<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">.María Isabel Sanz, directora del coro de niños<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">.Sala Principal, Centro Cultural Kirchner, 18 de noviembre,
hora 20.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">El oratorio <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Turbae as passionem gregorianam</i> 0p 43 para 3 cantantes gregorianos,
coro de niños, coro mixto y orquesta, de Alberto Ginastera fue la obra abordada
en el último concierto de la Orquesta Sinfónica Nacional.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">Fue escrita por encargo del Mendelssohn,
de Filadelfia, en 1974. Tanto el comentario de Daniel Varacalli Costas, como la
reseña de la obra en el programa del Teatro Colón del 19 de abril de 1980,
analizan de una manera exhaustiva tanto la obra como las circunstancias de su
gestación y su lenguaje, por demás complejo. Por tal razón, no voy a detenerme
en la descripción de las partes que componen el referido oratorio; simplemente
es dable señalar que la idea central, más allá de las distintas fuentes
litúrgicas, es la idea de las “multitudes enardecidas” y el modo en que ello es
expresado musicalmente de muy distintas maneras, con requerimientos técnicos también
muy distintos.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">El coro aborda ya un canto lírico, ya se
subdivide secciones camarísticas, con pasajes extensos en registros extremos –por
ejemplo los bajos- y un trabajo en tesituras disonantes, intensas, por momentos
agudas y el prolongado pasaje de las onomatopeyas, que instala un clima de
angustia, impotencia y confusión. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">Los pasajes de las turbas –señala Pola
Suarez Urtubey- causaron siempre una impresión de temor al compositor y utiliza
fragmentos de los cuatro evangelios referidos a las turbas. Ello confiere a la
obra una sensación de universalidad: si algo se hace evidente es este
comportamiento<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>tan extremo como errátil de
la turba, expresión que ya de por sí denota a un conjunto enardecido.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">Los coros, que incluyen solistas dentro
de la masa vocal están, de un modo u otro, siempre fuertemente exigidos, ya sea
por los registros, la duración o el énfasis.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">La concepción del sonido orquestal es,
al mismo tiempo, tradicional y vanguardista –remite a la monodia del canto
gregoriano tanto como a timbres disonantes- con un paisaje rítmico intrincado y
cambiante. Los sonidos son tajantes, pero, al mismo tiempo, por ejemplo en las
baterías de la percusión, muy delicadamente elaborados, en la sucesión de distintos
elementos, sucesión que debe producirse de una manera extremadamente precisa.
De una renuncia total a todo aspecto melódico, queda a los timbres puros, a los
esquemas rítmicos y a la combinación de masas sonoras tan intensas como suaves
por momentos, todo el peso de esta concepción musical: el resultado no es una música
de reposo y consuelo, sino de permanente angustia. Por momentos de una
sencillez tan intensa como expresiva en un lugar como el pedal de bajos y
cellos en el momento de la crucifixión, en otros los sonidos parecen no identificables
en cuanto a los instrumentos que los producen connotan algo indescifrable,
producto de varias fuentes sonoras. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">En tal sentido, tanto la labor de la
orquesta como la de los coros –ello habla de los méritos como directores de María
Isablel Sanz y Antonio Domeneghini- y los solistas fue de una total excelencia
en su desempeño. La intervención más extensa fue la de Ricardo González Dorrego
como el narrador; impecables también en sus intervenciones, Alejando Spies (Jesús)
y Walter<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>Swartz (Sinagoga). <span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">La textura es tan intrincada y cambiante
que requiere una marcación muy justa en todo momento, así como de un trabajo
previo también muy preciso, ya que no parece posible marcar todo durante todo
el tiempo. En tal sentido, la labor de la maestra Natalia Salinas fue
excelente.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">La paradoja que se presenta es la siguiente:
la de una obra de contenido religioso que genera angustia, desconcierto y un
eterno interrogante nunca resuelto. Una música que no es consuelo, no
reconforta sino que impacta. Finalmente la fe parece ser una interrogación. En
el curso de esa interrogación se nos orece una obra musical que, más allá de su
contenido, vale por sí misma y se impone por elementos puramente musicales. <span style="mso-spacerun: yes;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";"><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";"><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";"><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";"><span style="mso-spacerun: yes;"> </span>Eduardo
Balestena<o:p></o:p></span></p>Eduardo Balestenahttp://www.blogger.com/profile/14810769385516765999noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4498625297215069589.post-6719635823635061402022-10-22T18:54:00.001-03:002022-10-22T18:54:23.979-03:00Pau Casals: el eterno círculo (a 49 años del fallecimiento del maestro)<p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiUN5e1Z5Gv05V9203mS3pyXaiWFxSs8ZOtToIrUtH17oYPKrdFHLpLeewMUd-rP8yJRdfrD4zdRJW4wIu8UVQwcTE8Sa4nrabgr2KwidZo1OhF7sV7XkSggsW5ycQ3CO__7pj9oNdU1W-HOminO5t6-Tg7rBVWJ0ywqCbqpXm8drBcUF1v3ZOkzM2sUQ/s500/Casals%20V.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="424" data-original-width="500" height="271" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiUN5e1Z5Gv05V9203mS3pyXaiWFxSs8ZOtToIrUtH17oYPKrdFHLpLeewMUd-rP8yJRdfrD4zdRJW4wIu8UVQwcTE8Sa4nrabgr2KwidZo1OhF7sV7XkSggsW5ycQ3CO__7pj9oNdU1W-HOminO5t6-Tg7rBVWJ0ywqCbqpXm8drBcUF1v3ZOkzM2sUQ/s320/Casals%20V.jpg" width="320" /></a></div><br /> <p></p><p><br /></p><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="background: white; color: black; font-family: "Georgia","serif"; font-size: 14.0pt; line-height: 115%;">Pau Casals: el
eterno círculo (a 49 años del fallecimiento del maestro).<o:p></o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span style="background: white; color: black; font-family: "Georgia","serif"; font-size: 14.0pt; line-height: 115%;"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span style="background: white; color: black; font-family: "Georgia","serif"; font-size: 14.0pt; line-height: 115%;">El 22 de octubre de 1973 fallece en Puerto Rico
el maestro Pau Casals (nacido en Vedrell, Tarragona, el 29 de diciembre de
1976).<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span style="background: white; color: black; font-family: "Georgia","serif"; font-size: 14.0pt; line-height: 115%;">En el artículo <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Pau Casals: el poder de un
silencio</i> </b>(Revista Élite)he intentado<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"> </b>dar cuenta de las profundas convicciones del músico, de su
compromiso y de las consecuencias que debió sufrir en la defensa de sus
acciones e ideas, así como del exilio que hubo de padecer debido a las amenazas
que recibió ante el advenimiento del franquismo. También es abordada en el
texto su negativa (desde 1945) a tocar el violoncello en público (renunciando a
una descollante carrera artística) como protesta ante la falta de condena de la
dictadura franquista por parte de las democracias de occidente.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span style="background: white; color: black; font-family: "Georgia","serif"; font-size: 14.0pt; line-height: 115%;">A la etapa en cuestión (1939-1950) se refiere el
filme <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Pau Casals, el poder de un silencio</i>,
(de Manuel Huerga, 2017) que adquiere centralidad en dicho artículo.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span style="background: white; color: black; font-family: "Georgia","serif"; font-size: 14.0pt; line-height: 115%;"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="background: white; color: black; font-family: "Georgia","serif"; font-size: 14.0pt; line-height: 115%;">Ideales y
acciones: dos términos inseparables <o:p></o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span style="background: white; color: black; font-family: "Georgia","serif"; font-size: 14.0pt; line-height: 115%;">“Debemos seguir nuestros ideales y si nos llevan
a un callejón sin salida entonces debemos pensar que están equivocados y
adoptar otros que sean mejores” dice el personaje de Thomas Paine,
(interpretado por Harvey Keitel) hacia el final de la película <i style="mso-bidi-font-style: normal;">La noche de Varennes</i> <i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span style="mso-spacerun: yes;"> </span></i>(Ettore
Scola, 1981). El filósofo de la revolución norteamericana se refiere además a
la “búsqueda de la felicidad” que la Constitución de los Estados Unidos de
Norteamérica establece como principio.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span style="background: white; color: black; font-family: "Georgia","serif"; font-size: 14.0pt; line-height: 115%;">Convicción y acción no podían –para Casals- encontrarse
separadas; constituyen dos caras de una misma pieza: se actúa a partir de las
certezas que son <span style="mso-spacerun: yes;"> </span>inspiradoras de algo
siempre mejor. Si dichas certezas oscurecen la vida, si no tienen por norte la
justicia, la libertad y la búsqueda de la felicidad (una de cuyas formas más absolutas
es la música, en sí misma y en lo que implica) debemos cuestionarlas. La figura
de Casals importa controvertir a quienes no defendieron los valores humanos que
él defendió y por los cuales luchó; aquellos quienes, tácita o deliberadamente,
sostuvieron “ideales” sin salida<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>y
no<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>la búsqueda de la felicidad sino la
injusticia, la violencia y el dolor.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span style="background: white; color: black; font-family: "Georgia","serif"; font-size: 14.0pt; line-height: 115%;">La música es una necesidad de expandir el
horizonte humano, enriquecerlo, cultivarlo, compartirlo y el don de un gran
músico significa un compromiso hacia los demás.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span style="background: white; color: black; font-family: "Georgia","serif"; font-size: 14.0pt; line-height: 115%;">Pau Casals no sólo fue un gran virtuoso sino un
filántropo, un hombre de acción y de ideas: ya en 1920 fundó la Orquesta Casals
y más tarde la Asociación Obrera de Conciertos (1926), cuyos miembros podrían
acceder, mediante el pago de una exigua cuota, a todos los conciertos.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span style="background: white; color: black; font-family: "Georgia","serif"; font-size: 14.0pt; line-height: 115%;">Hasta 1936 –fecha de la sublevación fascista que
dio comienzo a la Guerra Civil Española- grandes intérpretes y directores, como
Hermann Scherchen, Ernest Ansermet y Richard Strauss, fueron invitados para
actuar con la Orquesta Casals, con la cual, a modo de ejemplo del nivel y
trascendencia de su actuación, fue estrenado el <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Concierto de violín </i>de Alban Berg. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span style="background: white; color: black; font-family: "Georgia","serif"; font-size: 14.0pt; line-height: 115%;">El maestro consideraba a la música un vehículo
espiritual y una herramienta de liberación. Durante toda su vida emprendió
proyectos similares (que sostuvo paralelamente a la ayuda a los refugiados), en
Francia y en Puerto Rico. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="background: white; color: black; font-family: "Georgia","serif"; font-size: 14.0pt; line-height: 115%;"><o:p> </o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="background: white; color: black; font-family: "Georgia","serif"; font-size: 14.0pt; line-height: 115%;">La
interpretación musical<o:p></o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span style="background: white; color: black; font-family: "Georgia","serif"; font-size: 14.0pt; line-height: 115%;">Debo al maestro Jordi Mora varias reflexiones
acerca de Pau Casals y sus ideas sobre la interpretación musical. La más
extensa surge de un texto que registra las conversaciones de dos monjes músicos
que llegan a visitar al virtuoso catalán en su exilio de Prada de Conflent en
1952; hemos de detenernos someramente en algunas de dichas ideas.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span style="background: white; color: black; font-family: "Georgia","serif"; font-size: 14.0pt; line-height: 115%;">Lo primero que refieren es la vitalidad y el
rigor de aquel hombre de setenta y cinco años que llevaba a cabo su actividad
diaria con gran orden y disciplina. Diariamente tocaba al piano una pieza de
Bach y emprendía largas caminatas acompañado por su perro Follet.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span style="background: white; color: black; font-family: "Georgia","serif"; font-size: 14.0pt; line-height: 115%;">El primer tema, luego de la cordial bienvenida,
es Bach. A los catorce años descubrió en una tienda de Barcelona un viejo
ejemplar de las <i style="mso-bidi-font-style: normal;">suites</i> para cello que
le significaron no sólo interpretarlas y darles un lugar prominente en el campo
musical como una obra de repertorio –en lugar de la obra de estudio por la que
se la tenía- sino, más que nada, la revelación de la obra de Bach, a quien –tal
como Andras Shiff- considera el genio más grande de la música. De allí en
adelante tocaría una de las <i style="mso-bidi-font-style: normal;">suites</i>
cada día de su vida. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span style="background: white; color: black; font-family: "Georgia","serif"; font-size: 14.0pt; line-height: 115%;">La música es una experiencia común entre quien la
interpreta y quien<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>la escucha. La
primera condición es la existencia de un ambiente y atmósfera adecuados, sin los
cuales es difícil llegar a una buena interpretación. El de la música es un
momento privilegiado, uno en el que un mensaje cobra vida, llega a nosotros y
nos une con algo trascendente.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span style="background: white; color: black; font-family: "Georgia","serif"; font-size: 14.0pt; line-height: 115%;">Aquello a buscar en la interpretación musical son
las cosas más sencillas y olvidadas, señala, las más naturales: lo primero es
que la ejecución sea vívida por medio del acento. El acento de la música debe
ser como el de la palabra: ha de decir alguna cosa. Cada nota tiene su valor y
su posición dentro de la frase musical. Las notas repetidas no han de ser nunca
iguales, han de crecer y disminuir según el lugar en que se encuentren. El
valor no siempre ha de ser ejecutado rigurosamente en la medida en que está
escrito, ya que la escritura es un medio incompleto de expresión que sólo
indica algunos aspectos de la ejecución, allí radica entonces el criterio
interpretativo: involucra a lo formal (la obra) y a lo estético, que se
manifiesta con su brillo en el momento de abordar la creación musical.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span style="background: white; color: black; font-family: "Georgia","serif"; font-size: 14.0pt; line-height: 115%;">El maestro ejemplificaba su postura escuchando
grabaciones de los registros del festival de 1951: el contraste entre el <i style="mso-bidi-font-style: normal;">forte</i> y el <i style="mso-bidi-font-style: normal;">piano</i> en la <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Pastoral para
órgano en fa</i> y los acentos del <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Concierto
para violín en<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>la menor</i> (de Bach),
señalando el vigor de dichos acentos, ni duros ni secos, buscando la resonancia
viva que sostiene la duración de la nota, para evitar rigideces. Todo ha de
fluir, las notas han de unirse unas a otras, sobre todo las notas largas, en <i style="mso-bidi-font-style: normal;">crescendos</i> y <i style="mso-bidi-font-style: normal;">decrescendos</i> según los acentos de la melodía. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span style="background: white; color: black; font-family: "Georgia","serif"; font-size: 14.0pt; line-height: 115%;">Insiste en el vigor de la ejecución y que en
música no existen las repeticiones (en efecto, ante obras como las de Schubert
se siente que en el elemento sucesivo se encuentra presente el efecto de lo que
acaba de sonar y, aunque lo parezca, nada es lo mismo); cada elemento tiene una
dicción diferente. El compás no es una indicación exacta y lo más importante es
<i style="mso-bidi-font-style: normal;">dar vida</i> a la partitura: Mozart –refiere
el maestro- abunda en repeticiones de pequeños elementos temáticos y es
necesario que el director les dé variedad y gracia.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span style="background: white; color: black; font-family: "Georgia","serif"; font-size: 14.0pt; line-height: 115%;">Uno de los<span style="mso-spacerun: yes;">
</span>padres le pregunta cómo traspasar la expresividad de los instrumentos de
cuerda a la orquesta. El maestro responde que ello se logra a través del
fraseo: por el retardo o la acentuación de las notas, por las pausas y la
duración de los sonidos. Una orquesta es un instrumento de por sí muy mecánico
e impresiona en la intensidad pero en los pasajes lentos la sonoridad descansa
en el pulso del instrumentista. A poco que lo pensemos, muchas obras sinfónicas
constituyen un ejemplo de eso: el todo, repentinamente, descansa en un elemento
determinado –un solista, un diálogo, una sección de pregunta y respuesta- y <span style="mso-spacerun: yes;"> </span>adquiere sentido según la expresión que este
elemento tenga y la aptitud para la continuidad <span style="mso-spacerun: yes;"> </span>con otros timbres, así como el sentido global.
<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span style="background: white; color: black; font-family: "Georgia","serif"; font-size: 14.0pt; line-height: 115%;">Ha de buscarse la expresividad natural de la
música, señala en momentos en que las corrientes de vanguardia renunciaban al
principio expresivo y ejemplifica con los criterios compositivos presentes en obras
de su autoría, como su oratorio <i style="mso-bidi-font-style: normal;">El
pesebre</i>. De una manera parecida a las vanguardias imperantes, la escuela
alemana había establecido una interpretación muy mecánica de las obras de Bach.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span style="background: white; color: black; font-family: "Georgia","serif"; font-size: 14.0pt; line-height: 115%;">El maestro Jordi Mora señala que Casals hablaba
mucho de fraseo pero poniéndole otro nombre distinto a que le daba Celibidache;
tal como pudimos advertirlo en el diálogo con los monjes, el maestro catalán
decía “poner el acento”: toda frase nace culmina y vuelve donde culmina. La
frase, entonces, es algo con sentido en sí mismo pero que se proyecta en la
continuidad: probablemente el equilibrio expresivo signifique eso: aquello que
es pleno en su unidad y a la vez parte de un todo que no sería lo mismo sin ese
“comienzo y vuelta a donde una frase culmina.”<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span style="background: white; color: black; font-family: "Georgia","serif"; font-size: 14.0pt; line-height: 115%;"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="background: white; color: black; font-family: "Georgia","serif"; font-size: 14.0pt; line-height: 115%;"><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><span style="mso-tab-count: 1;"> </span><b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Un círculo<o:p></o:p></b></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span style="background: white; color: black; font-family: "Georgia","serif"; font-size: 14.0pt; line-height: 115%;">Así como la música es un círculo que enhebra a
quienes la hacen y la escuchan, así como la interpretación y la recepción son
parte de él, hay otro que une el rigor, la estética y la misión del músico en
el mundo: el legado de Pau Casals es ese círculo: el del virtuoso y el
luchador, el esteta y el humanista, el que ha recibido un don y lo ofrece como
una manera de que el mundo pueda elevarse por medio de la belleza, del ejemplo
y de la acción.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="background: white; color: black; font-family: "Georgia","serif"; font-size: 14.0pt; line-height: 115%;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>La ayuda a los exiliados, la causa de
la paz y la formación musical son parte de ese círculo donde la belleza se une
al anhelo por un mundo justo donde imperen aquellos ideales capaces de
elevarnos, y el enorme mensaje de la música como una forma de la eterna
búsqueda de la felicidad. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="background: white; color: black; font-family: "Georgia","serif"; font-size: 14.0pt; line-height: 115%;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="background: white; color: black; font-family: "Georgia","serif"; font-size: 14.0pt; line-height: 115%;">Eduardo
Balestena<o:p></o:p></span></p><br /><p></p>Eduardo Balestenahttp://www.blogger.com/profile/14810769385516765999noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4498625297215069589.post-64030130175607891592022-09-21T11:10:00.003-03:002022-09-21T11:10:45.417-03:00La Flauta Mágica: el poder de la música y la travesía por la noche de la muerte<p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgjOVXzY2D25ciqaVq7Q8pqLsVhmY-3xU0Di8ojuQLmPO7u2hLiq5xOidtlNxYRoYtdVF3oXBWm0jFbKUNFurIOtkZrhA_wnXK_NpSIPRs2196vDewaltggKrVh7PUjGAboIYm5gTdBzfo195aFD-reUgP1Qx3tM882ZSYzZRsF2xV_KDv5n_A1hoiApw/s960/La%20flauta%20m%C3%A1gica.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="640" data-original-width="960" height="213" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgjOVXzY2D25ciqaVq7Q8pqLsVhmY-3xU0Di8ojuQLmPO7u2hLiq5xOidtlNxYRoYtdVF3oXBWm0jFbKUNFurIOtkZrhA_wnXK_NpSIPRs2196vDewaltggKrVh7PUjGAboIYm5gTdBzfo195aFD-reUgP1Qx3tM882ZSYzZRsF2xV_KDv5n_A1hoiApw/s320/La%20flauta%20m%C3%A1gica.jpg" width="320" /></a></div><br /> <p></p><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="font-family: "Arial","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">La
Flauta Mágica: el poder de la música y la travesía por la noche de la muerte<o:p></o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>La Flauta Mágica (K.620) ocupa un lugar singular en la
obra de Mozart, a la que prácticamente cierra, por las circunstancias en las
que fue concebida, las posibilidades de su texto de suscitar interpretaciones
opuestas entre sí y, más que nada, por la música, capaz de potenciar por sí
misma a estos elementos y conferir a la obra su especial encanto y carácter,
uno que nunca terminamos de descifrar del todo.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span style="font-family: "Arial","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Esa
naturaleza cuyas últimas estribaciones son inaccesibles es lo que, tal como
reza su título, la hace mágica.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="font-family: "Arial","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><o:p> </o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="font-family: "Arial","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">I Más que un género popular<o:p></o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span style="font-family: "Arial","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Hacia
marzo de 1791 la situación económica de Mozart no era buena y no contaba con
encargos capaces de revertirla. Fue en esas circunstancias en que recibió de
Emanuel Schikaneder la comisión de escribir un <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Singspiel</i> para el Teatro <i style="mso-bidi-font-style: normal;">auf
der Wieden</i>, del cual era empresario.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span style="font-family: "Arial","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Schikaneder,
cantante y actor –había representado a Hamlet y además de Sheakespeare hizo
obras de Göethe y Schiller- y Mozart lo conoció en Salzburgo, a donde llegó en
una de sus giras, en 1780. En 1791 su compañía teatral pasaba por un difícil
momento económico y el empresario necesitaba una obra capaz de atraer el mayor
número de espectadores posible y pensó en un <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Singspiel</i> para ello: un género popular cuyo libreto estuvo basado
en el cuento <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Lulú o la flauta mágica</i>,
de August Jacob Liebeskind, tomado de la antología <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Dschinnistan</i>, publicada por Christoph Martin Wieland en 1789, que
permitía introducir efectos que resultaran atrayentes para el público al que
estaba inicialmente destinado.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span style="font-family: "Arial","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">El <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Singspiel</i> fue un género popular donde la
acción discurría no sólo por medio de arias sino también de diálogos y se
originó no en Alemania sino en Inglaterra, con <i style="mso-bidi-font-style: normal;">The Begar´s Opera</i> (1728), con libreto de John Gay (1685-1732) y
música de Johann Christoph Pepush (1667-1752), músico de origen alemán que
vivió en Inglaterra. Esta obra fue posteriormente representada en Alemania,
donde fue asimilado el género.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span style="font-family: "Arial","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Como
lo hizo con otros encargos, Mozart escribió la música pensando en las
habilidades de los integrantes de la compañía. Schikanader, se reservó el papel
de <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Papageno.</i><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span style="font-family: "Arial","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Una
de las circunstancias más interesantes de la gestación de <i style="mso-bidi-font-style: normal;">La Flauta Mágica</i> fue que –aunque hubiese sido concluida antes que
la <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Clemenza di Tito-</i> es percibida
como la última obra lírica de Mozart que, además, prácticamente cierra el ciclo
de su producción. Sin embargo, resultó coetánea con la de otros encargos que
comenzaron a llegarle al compositor, tales como: el <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Quinteto en mi bemol mayor</i> (K. 614); el <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Ave Verum</i> (K.618), la ópera <i style="mso-bidi-font-style: normal;">La
clemenza di Tito</i> (K.621)<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>solicitada
por la corte real para ser estrenada en Praga con motivo de la coronación de
Leopold II como rey de Bohemia, el <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Concierto
para clarinete</i> (K.622) y el <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Requiem</i>
(K.626), que, inconcluso, fue terminado por su discípulo Franz Xaver Süssmayr.
Sólo una capacidad de trabajo sobrehumana pudo sostener una actividad creativa
semejante en creaciones muy diferentes entre sí.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span style="font-family: "Arial","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Mozart
se dio tiempo para dirigir el estreno el 30 de octubre y disfrutar del éxito
que inmediatamente tuvo <i style="mso-bidi-font-style: normal;">La Flauta Mágica</i>
hasta mediados de noviembre, cuando su salud se quebrantó definitivamente.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span style="font-family: "Arial","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">El
compositor se despidió del mundo con una obra hechizante y encantadora, llena
de símbolos y diferente a su anterior producción, digno broche para un hombre
que dijo llevarse a la tumba mucha más música que la que había llegado a
escribir y aun así dejado un inagotable tesoro musical. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="font-family: "Arial","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><o:p> </o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="font-family: "Arial","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">II “El príncipe y la rosa”<o:p></o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span style="font-family: "Arial","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Se
ha sostenido que <i style="mso-bidi-font-style: normal;">La Flauta Mágica</i> es
una gran obra que surge de una historia tosca y confusa, con pasajes
marcadamente misóginos y racistas (Pujol, Xavier “Atravesamos alegres la
sombría noche de la muerte”, comentario a la edición Mozart 250 aniversario”,
edit. Por Aguilar, Alvea, Taurus, Alfaguara, 2006) y que sólo la música fue
capaz de convertirla en una obra maestra.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Sin embargo, no se trata de una obra de acción dramática –y
como tal no puede ser acabadamente comprendida desde el punto dramático- sino
de una en la cual el propio significado pasa a ocupar el lugar central que en
otras ocupa la acción.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>“El príncipe y la rosa” es el texto, incluido en el
programa de mano de la versión 2019 de Juventus Lyrica, en el cual la realizadora
María Jaunarena reflexiona sobre el sentido simbólico de una historia que va
mucho más allá del cuento que la plasmó y de toda interpretación meramente
literal.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>“Un príncipe perdido y atacado por un monstruo, una
princesa a la que hay que rescatar, una reina ambivalente y poderosa, un sabio
que cultiva el sincretismo y un antihéroe con un sentido común indiscutible,
son los ejes constitutivos de la obra, y todos los asimilamos rápidamente porque
formaron parte de nuestro propio código cultural desde la infancia y porque se
remontan a personajes que pertenecen a la mitología y configuran nuestra
historia desde hace siglos”, postula la directora de escena.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Como señala Bruno Bettelheim en <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Psicoanálisis de los cuentos de hadas</i>, la narración (en este caso
el libreto de Schikaneder), que a primera vista se encuentra desvinculada de
nuestra experiencia, en un nivel no verbal ni manifiesto es como un espejo
mágico que nos refleja internamente y que implica una serie de etapas para
pasar de la inmadurez a la madurez adulta, o hacer frente a un desafío y poder
lograr un estado de sabiduría derivado de esa experiencia. Se trata de un
camino donde primero no es posible ver claramente –no se sabe quién es el bueno
ni quien el malo, ello es fruto de una revelación a alcanzar- que guarda
desafíos e implica tensiones pero que termina en un final feliz, caracterizado
en los cuentos de hadas por un estado de paz que durará para siempre: “y fueron
felices” suelen rematar las historias y aludir a un futuro estable y sin
tensiones, destinado a transcurrir fuera de nuestra mirada de lectores, <span style="mso-spacerun: yes;"> </span>que sobreviene luego de pasar por algo crucial.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Para que ello sea así debemos percibir el significado en
un plano no manifiesto, que se encuentra fuera de la experiencia cotidiana, y que
además de identificarnos con la aquella nos conecta con algo que forma parte de
nosotros, “como un ADN cultural que nos constituye y nos define, lo sepamos o
no”, señala María Jaunarena.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>De este modo la historia se hace mágica precisamente por
eso, por vincularse a nosotros desde algo que es esencial pero que no es
enunciado verbalmente, algo con lo cual nos identificamos pero que no podríamos
poner en palabras, no obstante sentir una secreta e íntima afinidad que es
imposible desconocer.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Somos la mujer que se aventura a guiar a un hombre por el
amor que siente por él y que ve todo con ojos de asombro y también el príncipe
que comienza su camino de descubrimiento guiado por el amor de esa mujer.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>“…el príncipe Tamino se remonta a Horus, hijo de Isis, a
quien a cada amanecer persigue un dios que toma la forma de la serpiente
Python. Juntos simbolizan la batalla diaria del sol contra la oscuridad.
También se remonta a Orfeo, quien con su lira (flauta) encanta a las fieras y
quien no puede mirar (hablar) a Eurídice (Pamina). La Reina de la Noche tiene
mucha similitud con Hécate, la diosa de la venganza, a quien se la representa a
veces con tres cabezas o rodeada de sus tres gracias (en la obra, las tres
damas). Sarastro se asemeja al gran sabio Zaratustra o Zoroastro. Y Papageno se
parece mucho a Hermes o Mercurio, el mensajero, al que Homero describe como un
pájaro y a quien en la iconografía se representa con una flauta de Pan. Todo
este conocimiento tácito nos acerca a la historia de manera intuitiva e
instantánea…Pamina, hija de la oscuridad, es la pieza clave para que Tamino se
consagre al reino de la luz, porque es la oscuridad la que da valor a la luz.
Perderse es la condición necesaria para que Tamino encuentre el camino de la
sabiduría. Y la desesperación de Papageno ante su soledad es lo que le permite,
desde las cenizas y cual Fénix, encontrar amor.”<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Del mismo modo que Sarastro había arrebatado a Pamina a
la Reina de la Noche porque la tenía reservada para Tamino, Papagena estaba
destinada a Papageno: como en el drama griego, el destino está trazado y sólo
resta que algo ponga en marcha ese mecanismo por el cual se llega a él a través
del azar de la marcha.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>La logia Rosacruciana –cuyas referencias están dadas en
partes centrales y constitutivas de la obra- era no alentada ni prohibida sino tolerada
durante el imperio de los Habsburgo hasta la década de 1780. Bajo el reinado
del <span style="mso-spacerun: yes;"> </span>Emperador Joseph II hubo una
libertad de prensa que favoreció la publicación de <span style="mso-spacerun: yes;"> </span>panfletos que criticaron la autoridad imperial;
aunque la logia –conformada por hombres creyentes e instruidos- era
absolutamente ajena a ellos de algún modo, por ser una sociedad secreta, fue responsabilizada
por dichas publicaciones, lo que motivo que en 1785 el Emperador proclamara su
control sobre ella, a los fines de enfriar el entusiasmo que pudiera provocar.
Los sucesos de Francia influyeron en esta persecución, ya que la Logia Masónica
Francesa –que encarnaría los ideales del iluminismo- había publicado un
panfleto manifestado que sus ideas iluministas impulsarían la revolución.
Austria procuró, de este modo, que las nuevas ideas no se extendieran a su
territorio.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>La masonería, cuyos orígenes pueden ser rastreados hasta la
Edad Media, pasó a encarnar los ideales del iluminismo: científicos como Newton
o filósofos como John Locke, Johann Gottfried Herder o Voltaire revelan que el
conocimiento prevalece sobre las relaciones de poder del Estado y de la Iglesia;
indirectamente plantean el principio de nacionalismo –el libreto de <i style="mso-bidi-font-style: normal;">La Flauta Mágica</i> está escrito en alemán,
idioma donde estas ideas son presentadas para una clase popular a la cual la
historia habrá de ilustrar- y también plantean el principio de la igualdad:
Tamino y Papageno enfrentan juntos las pruebas. El proceso interior de los
personajes, que los hará “iluminarse” no es patrimonio de una clase social sino
de quien esté dispuesto a responder a un desafío para ser una mejor persona, lo
cual es un mensaje central de la obra.<span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>“En aquella época la conquista del conocimiento
científico no estaba del todo separada de la búsqueda espiritual, y en sus
laboratorios los masones experimentaban con elementos que se asemejaban con las
transformaciones necesarias para la superación personal…tanto Pamina como
Tamino y Papageno sufren un desmayo, una suerte de muerte simbólica para
despertar a una realidad distinta…Finalmente, una serie de sometimientos
(pruebas) conducirá al <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Magnum Opus, </i>que
podríamos pensar como la superación.” Agrega María Jaunarena.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>El sentido simbólico es muy arcaico –en cuanto proviene
del fondo de la historia- y preciso, como el de la rosa: “La cruz representa el
sufrimiento, mientras que la rosa la resurrección…Pamina le dice a Tamino: ´El
amor me guía. Él sembrará de rosas el camino porque las rosas están donde hay
espinas´. Podríamos decir entonces que no son las rosas las que tienen espinas,
sino que son espinas las que ofrecen las rosas”. Las claudicaciones y el
sufrimiento nos ofrecen a la vez la belleza, una igual de frágil que la vida
humana.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Visto desde el punto de vista de lo simbólico la historia
–pese a pasajes denostativos hacia la mujer o racistas- está muy lejos de ser
burda y confusa y encontramos los sentidos que sepamos leer en ella, como si el
relato fuera una suerte de gran molde donde pueden tomar forma nuestras
peripecias en el mundo y brindarnos la sensación de que podemos responder a un
desafío por ser fuertes y estar decididos a tomar el riesgo, que ese desafío
será crucial porque no sólo nos permitirá superar una situación sino también
lograr un estado de sabiduría. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Los acordes finales de La Flauta Mágica celebran esa
sabiduría y ese valor. Tienen una función derivada de la propia historia y de
su propia belleza.<span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span><b style="mso-bidi-font-weight: normal;">III</b> <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Una concepción musical de síntesis<o:p></o:p></b></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="font-family: "Arial","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>III I </span></b><span style="font-family: "Arial","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">En <i style="mso-bidi-font-style: normal;">La música como discurso – Aventuras
semióticas en la música romántica </i>(Traducción de <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Music as discourse</i>, Eterna Cadencia, Buenos Aires, 2012)<i style="mso-bidi-font-style: normal;">, </i>el prestigioso musicólogo Kofi Agawu
postula distintos criterios de análisis de los cuales resulta pertinente citar
al menos los referidos a los Tópicos y a la Periodicidad.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>De este modo, los contactos de la música con aspectos de
la vida como lo ceremonial, la danza, la caza, las obras musicales previas, a
comienzos del siglo XVIII consolidaron un paradigma de motivos característicos
que pueden ser encontrados en distintas obras y que vinculan las necesidades de
la creación con los sentidos previos capaces de hacerlas significativas para el
oyente. El paradigma va perdiendo vigencia a medida que la subjetividad
romántica se expande y establece otras necesidades y aspiraciones que van
separando la experiencia musical de aquella que tenía sentido durante el clasicismo
y el <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Sturm un drang.<o:p></o:p></i></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span style="font-family: "Arial","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span></span></i><span style="font-family: "Arial","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Este criterio resulta
vigente para acercarnos al valor de la creación Mozartiana. En efecto, las
arias de la Reina de la Noche (recitativo y aria <i style="mso-bidi-font-style: normal;">O zittre nicht, mein lieber Sohn</i>, del primer acto, y <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Der Hölle kocht in meinen Heizen</i>,
segundo acto–en re menor, tonalidad asociada a la muerte y el drama- , rápidas
y crispadas, en staccato, provienen de la ópera seria. Las de Tamino y Pamina –más
lentas, como <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Tamino<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>mein! O weich ein Gück!, </i>del segundo
acto) de articulaciones suaves y que transcurren mayormente en el registro
medio- siguen el esquema de liderazgo del tenor y de la soprano que actúa por un
fuerte sentimiento amoroso, en líneas que irradian nobleza y fidelidad de uno
hacia el otro, como en aria del retrato (<i style="mso-bidi-font-style: normal;">Dies
Bildnis ist bezaubend</i>, primer acto), en mi bemol mayor, la misma tonalidad
del leimotiv del anhelo de amor, de Tristán e Isolda. Papageno, en cambio,
aborda una sencilla y efectiva melodía del canto popular (<i style="mso-bidi-font-style: normal;">Der Vogelfänder bin ich</i>), del primer acto, primero expuesta en su
totalidad por la música. Las intervenciones de Sarastro (como O <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Isis und Osiris</i>, del segundo acto),
lentas, solemnes y profundas, que discurren mayormente en la zona grave del
registro y que parecen trabajar sobre un núcleo temático que va siendo
transformado de uno en otro pasaje, evocan el himno religioso.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span style="font-family: "Arial","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Una
de las partes más representativas de este uso de un paradigma sonoro está dada
por el<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>pasaje de los guardas (<i style="mso-bidi-font-style: normal;">Der, welcher wandert diese Straße</i> del
segundo acto), Tamino y Pamina, donde se cita un coral de Bach y la cuerda
interviene de una manera muy elaborada, con diferentes entradas y un cambio en
el desarrollo a partir de la decisión de Pamina de acompañar a Tamino. Cabe
recordar que en su análisis de la sonata nro, 30 de Beethoven, András Schiff
hace notar que en el siglo XVIII y parte del XIX la música de Bach no era
asiduamente ejecutada y sólo accesible en colecciones privadas, con lo cual, es
dable suponer que tanto Mozart como Beethoven debieron investigar la música de
Bach al citarla o basarse en ella. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Situados dentro del marco significativo del motivo
masónico, que forma parte del paradigma mozartiano, ya que el compositor
escribía música para las celebraciones de la Logia, y respondiendo a la idea de
que las tres puertas que aparecen en la obra (Razón, Naturaleza y Sabiduría),
Tamino es la voz de la razón, Pamina la de la naturaleza y Sarastro la de la
sabiduría.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Distintas tonalidades, registros y lenguajes para
conformar las diferencias entre los personajes en una obra que, sin embargo,
mantiene unidad<span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span><b style="mso-bidi-font-weight: normal;">III II</b> La
periodicidad, “en tanto el período es un marco regulador cuya función es
organizar el contenido musical” (Kofi Agawu, obra citada, pág. 138) es otro de
los criterios de análisis musical.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Los períodos funcionan como elementos de sentido
articulados en un discurso que expresan diferentes partes de un significado
total, tal como el discurso verbal se expresa en oraciones –cortas o largas-,
párrafos e imágenes. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span><b style="mso-bidi-font-weight: normal;">III III</b> Tomemos
la obertura –en mi bemol mayor, la tonalidad del misterio empleada en el Oro
del Rin- por ejemplo.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="font-family: "Arial","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">III III a</span></b><span style="font-family: "Arial","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"> Comienza
con tres acordes que representan los llamados del iniciado a la puerta para
trasponerla<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>y adentrarse en el misterio
y la resolución de un enigma. A lo largo de la acción, lo mismo que en la obertura,
ésta –al darse cumplimiento a las pruebas impuestas- será interrumpida por
estos tres acordes.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span><b style="mso-bidi-font-weight: normal;">III III b</b> Luego
de los tres acordes viene un motivo introductorio que no presenta ningún tema,
simplemente plantea un clima de expectativa que discurre y se intensifica en
pasajes de las maderas, con el registro grave de las cuerdas como soporte –lo
que intensifica la expectativa- que concluye con un pasaje del clarinete que
rompe ese clima en el anuncio de algo que sucederá inmediatamente después.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Podemos tomar esta secuencia como un período con una
función: abrir el universo sonoro e introducirnos en él, pero no podría
separarse el segundo pasaje del primero (los golpes del iniciado en las puertas)
porque marcan el primer pasaje en forte y funciona en sí mismo como el comienzo
de la obertura. Función y ubicación coinciden –no siempre es así,
particularmente en el post romanticismo- : es el puro comienzo de la obra donde
no se sabe qué sucederá.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span><b style="mso-bidi-font-weight: normal;">III III c</b> Luego
de lo que podemos llamar ese primer período surge un motivo descendente y
fuertemente rítmico en la cuerda que podría ser también el<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>comienzo –la obertura podría tranquilamente
comenzar allí si no fuera precisamente por el simbolismo de los tres golpes que
interrumpen el discurso y que se enuncia al comienzo de todo- lo cual nos lleva
a pensar que el primer periodo es una construcción destinada a enmarcar y
enfatizar algo.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Este segundo período, desarrollado como un fugato, es
decir de manera seria y solemne a la manera de la tradición musical de Bach, introduce
algo nuevo, un tema grácil y cantábile que plantea el otro elemento central de
la obra. Si los golpes simbolizan el acceso a la sabiduría y a las pruebas,
este elemento simboliza la inocencia del iniciado y su<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>determinación y es el primero netamente
musical porque introduce un tema que se puede cantar. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Luego de una exposición del tema en el fugato se suman
las cuerdas, el tema gana en gracia y flexibilidad y luego de ese breve
desarrollo vuelve al elemento expositivo inicial, luego enriquecido por el
oboe, en una insistente<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>alternancia con
las cuerdas. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Concluye así el segundo período.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span><b style="mso-bidi-font-weight: normal;">III III d</b> Al finalizar
este desarrollo temático se suceden nuevamente los tres acordes que interrumpen
no ya ese motivo, el cual fue perfectamente resuelto, sino el fluir musical.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>El tema anterior es expuesto nuevamente pero al parecer
en otra tonalidad –una oscura- <span style="mso-spacerun: yes;"> </span>por la
cuerda en un registro medio que parece navegar en un estado de perplejidad que
es una especie de continuación de la manera abrupta en que los tres acordes
irrumpen: no se sabe que van a significar y la cuerda se alinea en ese sentido.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>No obstante, una frase ascendente de las maderas –digamos
un episodio dentro del tercer período- cambia sutil y súbitamente el humor de
la melodía y la cuerda vuelve a exponer el material inicial pero en forte.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Luego de un breve silencio el tema vuelve pero ya instalando
un humor distinto y anunciando la inminencia de la acción. Una figuración en
las maderas parece retardar esa revelación prometida y funciona como un modo de
crear expectativa en torno a una acción inminente. Hay un desarrollo amplio de
este material que permite concluir que cada vez que se plantea un elemento
temático este no se agota en la enunciación sino que su sentido es –en cada
período- subrayado por un desarrollo muy rico, tímbrica y temáticamente.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Tras la sección conclusiva, sin otro aditamento, comienza
la acción. Estará signada por una diversidad de elementos, muy diferentes entre
sí, en los cuales la música tendrá otros cometidos diferentes a expresar el
sentido: subrayará, acompañará, creará climas. Una música siempre bella,
intuitiva y sorprendente, ajustada a las funciones que habrá de cumplir pero
que tiene en la obertura su antecedente, uno capaz de expresar tanto la
impronta de la obra como su significado. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="font-family: "Arial","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">IV El poder de la música<o:p></o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span style="font-family: "Arial","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">La Flauta Mágica </span></i><span style="font-family: "Arial","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">contiene
símbolos y ella, en sí misma, es un símbolo: Cómo puede un hombre, a las
puertas de su propia muerte, producir una obra tan luminosa y rica que es lo
que es por esa circunstancia y por aquellas en las cuales fue escrita.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span style="font-family: "Arial","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">El
genio, eso que guarda huellas de todo pero que no es asimilable a nada, que en
sí no coincide con nada ni en nada puede insertarse porque a nada, más que as
sí mismo, puede pertenecer es aquello que más que tener Mozart tuvo a Mozart.
Lo tuvo y lo retuvo hasta el final y lo hizo ser lo que es.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span style="font-family: "Arial","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Sólo
así la música puede tener la fuerza necesaria para convertirse en algo mágico,
como le dice Pamina a Tamino (<i style="mso-bidi-font-style: normal;">Tamino
mein! O welch ein Glück!</i>): “Por el poder de la música, atravesaremos alegres
la sombría noche de la muerte.”<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span style="font-family: "Arial","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Mozart
nos permitió atravesar la sombría frontera y cubrir de magia su propia sombría
muerte.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span><span style="mso-tab-count: 1;"> </span><span style="mso-tab-count: 1;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="font-family: "Arial","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Referencias:<o:p></o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">.Agawu, Kofi “La música como
discurso. Aventuras semióticas en la música romántica” . Eterna Cadencia, 2012<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">.Casullo, Eduardo
“Producción de Juventus Lyrica” (Comentario a La Flauta Mágica), Asociación de
Críticos Musicales de la Argentina.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">.Heaston Michael “The Magic
Flute – pre opera talk. Dallas Opera<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">.Jaunerena, María, “El
Príncipe y la Rosa”, en el programa de la producción de Juventus Lyrica.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">.Lang, Paul Henry “La Música
en la civilización occidental. Eudeba, 1979<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">.Pujol, Xavier
“Atravesaremos alegres la sombría noche de la muerte”, en La Flauta Mágica,
edición 250 aniversario, 2006, Aguilar, Taurus, Alfaguara.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">.Reveles Nick “San Diego
opera talk Mozart´s The Magic Flute.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Eduardo Balestena<span style="mso-spacerun: yes;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></span></p><br /><p></p>Eduardo Balestenahttp://www.blogger.com/profile/14810769385516765999noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4498625297215069589.post-26208549983177332802022-09-10T09:46:00.002-03:002022-09-11T09:44:09.384-03:00Concierto de la Orquesta Sinfónica Nacional en el CCK. Director: Luís Gorelik; Solista: Marcelo Balat; Coro Polifónico Nacional; Recitante: Ingrid Pellicori<p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEipRF17kymwha2qB961wWjSybH3-FARNlgBUsJPwnbsSBBnrupBrtelzPQWBXKFvOXUgkd_OchYKTjbnYCP0V-QTpBwvhxyxOhFxnX9X64ZZvrQpNcMekWv8JeqWdkdBSBaO8qDXcUddnFP60UlVheIlmdb6hsFDEcg4LuNx4xaoRMfqUxCWAgdhURPUg/s1440/Concierto%20Sinfonica%20Nacional%207%20de%20septiembre%20IV.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="960" data-original-width="1440" height="213" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEipRF17kymwha2qB961wWjSybH3-FARNlgBUsJPwnbsSBBnrupBrtelzPQWBXKFvOXUgkd_OchYKTjbnYCP0V-QTpBwvhxyxOhFxnX9X64ZZvrQpNcMekWv8JeqWdkdBSBaO8qDXcUddnFP60UlVheIlmdb6hsFDEcg4LuNx4xaoRMfqUxCWAgdhURPUg/s320/Concierto%20Sinfonica%20Nacional%207%20de%20septiembre%20IV.jpg" width="320" /></a><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgNLYyIRg2eLW1StLX024EKhwfNd1LHwqZQeKHIzArKbdH1zzopq-XusbLwIssmF4oGM3GWZD4NkuJEFb5dHIpvuY40IbBe6RXM2qInOKlR7A8FTJDL1D7w_qg-yHVmrVDisTw1VeuxOOFs2fPNC-O9G664AAgGdUTkN9bimqKFmtj2Zpwd6nTCYh2Xjw/s450/Ingrid%20Pellicori.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="450" data-original-width="300" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgNLYyIRg2eLW1StLX024EKhwfNd1LHwqZQeKHIzArKbdH1zzopq-XusbLwIssmF4oGM3GWZD4NkuJEFb5dHIpvuY40IbBe6RXM2qInOKlR7A8FTJDL1D7w_qg-yHVmrVDisTw1VeuxOOFs2fPNC-O9G664AAgGdUTkN9bimqKFmtj2Zpwd6nTCYh2Xjw/s320/Ingrid%20Pellicori.jpg" width="213" /></a></div><br /><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhOUJm-MrqlPqj_zzfTqzcpcTtv4jVHm5hOxXA75r8ubv29Ng5mwZWISm1grs1eL2k75MEW8zHepc-3HEu5eJA_Qx5lHck-LELeX3xmftc394xg7-78xDbskdCPVoPeOc1nxTy-sSlMcP80MVP-dUoINVreE_Emt2CB7aCpSvi3T-O3Vj2je9hcrDE2VA/s2048/Orquesta%20Sinf%C3%B3nica%20Nacional%207%20de%20septiembre%20III.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1365" data-original-width="2048" height="213" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhOUJm-MrqlPqj_zzfTqzcpcTtv4jVHm5hOxXA75r8ubv29Ng5mwZWISm1grs1eL2k75MEW8zHepc-3HEu5eJA_Qx5lHck-LELeX3xmftc394xg7-78xDbskdCPVoPeOc1nxTy-sSlMcP80MVP-dUoINVreE_Emt2CB7aCpSvi3T-O3Vj2je9hcrDE2VA/s320/Orquesta%20Sinf%C3%B3nica%20Nacional%207%20de%20septiembre%20III.jpg" width="320" /></a></div><br /></div><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">Concierto de la Orquesta
Sinfónica Nacional, solista y el Coro Polifónico Nacional, en el CCK<o:p></o:p></span></b></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";"> </span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">.Orquesta Sinfónica Nacional de Argentina<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">.Director: Luis Gorelik<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">.Solista: Marcelo Balat, piano <o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">.Coro Polifónico Nacional<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">.Antonio Domeneghini, preparador del coro<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">.Recitante: Ingrid Pellicori<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">.Sala Principal, Centro Cultural Kirchner, 7 de septiembre,
hora 20.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";"> </span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";"> <o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">La Orquesta Sinfónica Nacional abordó
obras representativas de muy diferentes texturas y concepciones musicales en su
concierto del 7 de septiembre.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><b><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">Concierto
para piano y orquesta nro. 2 en sol mayor, opus 95, de Bela Bartók (1881-1945)<o:p></o:p></span></b></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">Estrenado en 1931, es, por su
virtuosismo, quizás una de las obras de mayor dificultad técnica del
compositor. Construido a partir de un elemento recurrente con el cual el piano
abre la obra, el primer movimiento –<i>Allegro</i>-
alterna, en su esquema de: rápido-menos rápido, pasajes contrapuntísticos,
transformaciones del motivo inicial y cambios rítmicos. Es de una complejidad
extrema. No interviene la cuerda pero el diálogo que establece el instrumento
solista con metales –trompetas, trombones, cornos: que trabajan ya por alternancias
ya por construcción de acordes con aportes de los distintos timbres-, y maderas
es muy nutrido y “cruzado”, por así decirlo, ya que no siempre responden al
mismo motivo. Hay, en la concepción del compositor que asume un pianismo
percusivo, cierto sentido de marcha y
avance indeclinable. La sensación es que el todo se mueve como una máquina
extremadamente precisa, que acumula una tensión que si bien permuta con otros
elementos no se disipa. <o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">El <i>Adagio-presto-piu
adagio</i> del segundo movimiento cambia de la intensidad inicial a un diseño
de la cuerda que recuerda al comienzo de la <i>Música
para Cuerdas, Percusión</i> <i>y Celesta</i>.
Se turnará con un motivo del piano que parece una transformación del que abre
el primer movimiento, y el diálogo instrumento solista-orquesta se establece en
una alternancia –entre el piano y la orquesta- más que en una imbricación
cerrada como en el primer movimiento. Entre el <i>glissando</i> del timbal y el piano se establece un diálogo que
recuerda al tercer movimiento de la <i>Música
para Cuerdas…</i> , con una sensación de acechante misterio. Este paisaje
sonoro cambia bruscamente en la sección central del movimiento –<i>presto</i>- con un diseño de gran
complejidad rítmica, que se resuelve finalmente en el <i>piu adagio</i>.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">Hacia el final, ahora con el aporte de
la cuerda, la obra responde a una forma cíclica, ya que reaparece el motivo del
comienzo, esta vez con diferentes aportes tímbricos en pasajes de motivos
cambiantes y gran rapidez. <o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">Se trata, como vemos, de un <i>tour de force,</i> al ser una obra de gran
demanda en la precisión, la energía y los permanentes cambios que Marcelo Balat
interpretó con el virtuosismo que lo caracteriza, sin vacilaciones, con
precisión absoluta y la gradación de volúmenes que el opus requiere. Lo hizo
sin evidenciar tensión, como si una interpretación semejante no le demandara un
esfuerzo extra. Perfeccionado en la escuela Reina Sofía, de España, ha llevado
a cabo numerosas presentaciones en ese país y ganado premios en certámenes como
el “Ciutat de Manresa”, “Eugenia Verdet” y otros.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">Se trata de uno de los pianistas más
destacados de la Argentina.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">La <b>Suite
nro. 2 del Ballet Dafnis y Cloé</b>, de <b>Maurice
Ravel</b> <b>(1875-1937)</b> fue la
siguiente obra del programa.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">El material temático corresponde a
partes del ballet original, tales como Amanecer, Pantomima y Danza General. <o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">Escrito para los Ballets Rusos, de
Sergei Diaghilev, y estrenado en 1912, se basa en una obra griega de Longo, del
siglo II. <o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">El elemento que predomina es el del
tratamiento tímbrico, el color orquestal y sus gradaciones, de gran sutileza,
lo cual demanda un fraseo también muy sutil y un sentido de la frase
instrumental como un discurso espontáneo que parece seguir las inflexiones del
habla. En la versión completa el coro más que por la palabra se expresa por la
sílaba, creando climas evanescentes.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">La amalgama de timbres, al mismo tiempo
diferenciados, que forman parte de un todo pero resultan en sí mismos
reconocibles, es el equilibro por el que transita una obra sensorial, en
aquello que transmite y el en modo en que lo transmite.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">Hacia el final, un pasaje de la cuerda,
seguido por intervenciones del oboe, el clarinete y las arpas conducen a un
extenso solo de flauta –interpretado por Amalia Pérez- que resume en sí mismo
el carácter sensual y delicado de la
obra: más que escucharlo, somos llevados por él a un espacio imposible de
imaginar, ya que no parece encaminado a un cierre determinado sino a un
permanente avance cuya resolución no podemos vislumbrar y que nos sorprende una
vez que se produce. Valga para connotar el carácter de una obra que, de un modo
diferente al concierto que la precedió, es también virtuosística.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><b><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">Sinfonía
nro. 2, “Sinfonía Bíblica”</span></b><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">,
de <b>Juan José Castro (1895-1968)<o:p></o:p></b></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">El maestro Luís Gorelik –como antes
respecto de las obras previamente interpretadas- hizo una significativa
referencia a este opus, a la figura de Juan José Castro y a la época y
circunstancias de la gestación de lo que -clasificando a este trabajo con
precisión formal- denominó un oratorio, que, a la manera de los de Haydn, se
basa en el fragmento de un texto
religioso y de otro poético, de los cuales la música es un desarrollo, con lo
cual no se trata, en sentido estricto, de una sinfonía.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">Conforme lo refirió, tanto la amistad de
Victoria Ocampo y Juan José Castro, como su colaboración en distintos proyectos
y su estancia en París (donde Juan José Castro fue alumno nada menos que de
Vincent D´indy) fueron elementos centrales en la elaboración de esta obra. Como
director de la Orquesta de la Asociación del Profesorado Orquestal, Juan José
Castro solía estrenar obras de compositores como Igor Stravinsky, poco después
de que lo fueran en Europa, sirviendo Victoria Ocampo de vínculo con los
compositores europeos.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">La “Sinfonía” consta de tres partes: <i>Announciation, Entrée a Jerusalem y Golghota</i>,
y los breves textos se encuentran escritos en francés. Hacia principios de la
década de 1980 el programa <i>Qué significa
lo argentino musical</i>, de Napoleón Cabrera, bien hubiera podido detenerse en
esta cuestión: las razones por las cuales una obra argentina se encuentra
estructurada a partir de fragmentos escritos en francés, así como su textura
musical se basa en antiguas formas, preguntándose qué hay de argentino en ella
y cómo se expresa, ya que el canto gregoriano, contrapunto, fuga constituyen la
base de su lenguaje. Quizás la respuesta esté en la concepción de la revista <i>Sur </i>-1931- (dirigida por Victoria
Ocampo): establecer una posición cultural argentina como parte de
Latinoamérica, en un nivel comparable al europeo. Se trata, como señala Beatriz
Sarlo (<i>Escritos sobre Literatura
Argentina</i>, “Borges en Sur…) “de
pensar las ´esencias americanas´ y al mismo tiempo, incorporar un conjunto de
textos europeos”. Es en un marco así que quizás debamos pensar a esta sinfonía:
un texto al nivel de los europeos concebido desde el <i>Sur </i>;<i> </i>no parece
comprensible una obra así fuera de ese marco.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">De gran extensión y dificultad, tanto en
el coro como en la orquesta, comienza con un <i>ostinato</i> y un motivo que le confieren una sensación de movimiento.
Conocedores de la restante obra de Juan José Castro afirman que se trata de un
lenguaje más avanzado respecto de otras obras. La textura musical responde a
una suerte de paradoja: su lenguaje se basa en la claridad y el despojamiento,
pero utiliza <i>fortes</i> y amplios
volúmenes sonoros en todo el dispositivo orquestal durante la mayor parte de su
desarrollo.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">Asimismo, tratándose de una obra de
inspiración religiosa, suscita no la sensación de placidez, calma y claridad
sino la angustia connotada por timbres netos, volúmenes fuertes y dureza
melódica. Son muy pocos los remansos de una frase cálida y abierta en un
paisaje de aspereza sonora, sin una continuidad de líneas; por el contario, se
explaya en la alternancia de diferentes recursos formales. <o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">Estrenada en 1932, fue interpretada en
Estados Unidos en 1939 y jamás vuelta a ejecutar. Ello da al concierto del 7 de
septiembre un valor único: el del rescate de una obra que pertenece a un acervo
a descubrir, puesta en el marco necesario para su escucha.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">Ingrid Pellicori le dio presencia y
expresión a los textos en francés, con el timbre de voz que tanto la
singulariza, con una dicción en francés que era en sí misma una música.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">En el Coro Polifónico Nacional hubo
presencias como la de Mónica Ferracani, Soledad de la Rosa y Carla Filipcic
Holm, lo que es indicativo de su nivel. La orquesta, por su parte, tuvo un
amplio lucimiento en obras –cada una a su propio modo- de gran complejidad.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">En suma, se trató de un concierto
relevante por este motivo, por presentar tres obras muy diferentes y brindar
referencias acerca de ellas que parecen potenciarlas mutuamente.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">El maestro Lui Gorelik es, además de un
director de orquesta internacionalmente reconocido, un formador y un estudioso,
tanto del aspecto formal como cultural y estético de las obras.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">Es de valorar la posibilidad de una
experiencia así en tiempos de crisis, de falta de esencia, donde todo fluye y
sigue. Es una muestra de lo que la música nos puede dar y que, como ella, es
indefinible.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">Una vez más, corresponde agradecer al
personal de la Dirección Nacional de Organismos Artísticos por su cordialidad y
atención. <o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";"> <o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";"> </span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";"> </span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";"> </span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";"> <o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";"> </span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";"> </span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";"> </span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">
<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal"><b><i><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";"> </span></i></b></p><p class="MsoQuote" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: Garamond, "serif";"> </span></p><p class="MsoQuote" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: Garamond, "serif";"> </span></p><p class="MsoQuote" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: Garamond, "serif";"> </span></p><p class="MsoQuote" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: Garamond, "serif";">Eduardo
Balestena<o:p></o:p></span></p><p class="MsoQuote" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: Garamond, "serif";"> <o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal"><span lang="ES"> </span></p><p>
</p>Eduardo Balestenahttp://www.blogger.com/profile/14810769385516765999noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4498625297215069589.post-4224275784677854452022-08-12T16:33:00.005-03:002022-08-12T16:33:47.427-03:00Sinfonía nro.2, "Resurrección", de Gustav Mahler por la Orquesta Sinfónica Nacional, solistas y Coro Polifónico Nacional, en el CCK <p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi41l7eMb6l4b1FNeZvBO3D795mkkK-42ouFNSMQ2ZDmnw4ctKAb6aP_vvW0tymRK6s_zguEg5i-_herO-xue3HidNREZOloh5F5GxS29zbDKyykZ35SmAMHeBbZaP6-CkP_9e58zDndkf5SkRSwaPm9Zw0lFrn7d68YBj7tJEDdgNX85Ov1vXE3D44mQ/s1500/Concierto%2010%20de%20agosto%20IV.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1000" data-original-width="1500" height="213" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi41l7eMb6l4b1FNeZvBO3D795mkkK-42ouFNSMQ2ZDmnw4ctKAb6aP_vvW0tymRK6s_zguEg5i-_herO-xue3HidNREZOloh5F5GxS29zbDKyykZ35SmAMHeBbZaP6-CkP_9e58zDndkf5SkRSwaPm9Zw0lFrn7d68YBj7tJEDdgNX85Ov1vXE3D44mQ/s320/Concierto%2010%20de%20agosto%20IV.jpg" width="320" /></a></div><br /><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiFytsFqmXEmLwRh_AZWfJ-GE_hp38fRDlnARnnaSG76wGWfMBebWE4RDBjwD61GIFNieNJoNsUVompiCj6zoJlUmfLBGd3EzWpBcTDztQztiqIX3pwuI1sUoW12QG8jqudPU2C3dd7IOrI0d3mG9HQ9vON3HxoLL1jDmPMaUT2VruXsAeKfEghLsyBBQ/s1500/Concierto%2010%20de%20agosto%20III.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1000" data-original-width="1500" height="213" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiFytsFqmXEmLwRh_AZWfJ-GE_hp38fRDlnARnnaSG76wGWfMBebWE4RDBjwD61GIFNieNJoNsUVompiCj6zoJlUmfLBGd3EzWpBcTDztQztiqIX3pwuI1sUoW12QG8jqudPU2C3dd7IOrI0d3mG9HQ9vON3HxoLL1jDmPMaUT2VruXsAeKfEghLsyBBQ/s320/Concierto%2010%20de%20agosto%20III.jpg" width="320" /></a></div><br /><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgWdzevf77kUDeS1Az1XRd2BX2e6AhZ6k8xDCsFvI1lgwbBuS43kasa_Kr2osUPcu9dK2VvmXmp_lYv5R2Jz8AQ8OtikOsxwiCcOmph2FzHqBhEAmo_lg7zHzXfGU4MCUANYMzWVvnAuuflsjAeoqgFB0K57zBfzufB4RqKnuVhnJ_kVwPH0azM_ukC3Q/s1500/Concierro%2010%20de%20agosto%20II.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1000" data-original-width="1500" height="213" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgWdzevf77kUDeS1Az1XRd2BX2e6AhZ6k8xDCsFvI1lgwbBuS43kasa_Kr2osUPcu9dK2VvmXmp_lYv5R2Jz8AQ8OtikOsxwiCcOmph2FzHqBhEAmo_lg7zHzXfGU4MCUANYMzWVvnAuuflsjAeoqgFB0K57zBfzufB4RqKnuVhnJ_kVwPH0azM_ukC3Q/s320/Concierro%2010%20de%20agosto%20II.jpg" width="320" /></a></div><br /><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgpY5lW09oH6Vw2LessNQieq72VpGmqoWgHUOBq8q4MybhpLWpKj2carudTI0SENtEnQuECir3SJOY1o9aVMfRSv6Jch1hrHq1rvs75b1E8XqTd6-GW3jIIBI5tO4k8vthcqDjUk9PpT5mbUWUaJHaDF47y5dXv-Z1LG5eG6zQ0OcoBa8EHxi5r2Nn9Mw/s1500/Concierto%2010%20de%20agosto%20I.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1000" data-original-width="1500" height="213" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgpY5lW09oH6Vw2LessNQieq72VpGmqoWgHUOBq8q4MybhpLWpKj2carudTI0SENtEnQuECir3SJOY1o9aVMfRSv6Jch1hrHq1rvs75b1E8XqTd6-GW3jIIBI5tO4k8vthcqDjUk9PpT5mbUWUaJHaDF47y5dXv-Z1LG5eG6zQ0OcoBa8EHxi5r2Nn9Mw/s320/Concierto%2010%20de%20agosto%20I.jpg" width="320" /></a></div><br /> <span> </span><span> </span><span> </span><span> </span><span> </span><span> </span><span> </span><span> </span><span> </span><span> </span><span> </span>Fotos: Georgina García <p></p><p><br /></p><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Garamond, "serif";">.Orquesta Sinfónica Nacional de Argentina</span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">.Director: Carlos Vieu<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">.Solistas: Jaquelina Livieri soprano); María Luisa Merino
Ronda (mezzosoprano); <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">.Coro Polifónico Nacional<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">.Ariel Alonso, director del coro<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">.Orquesta fuera del escenario: Pablo Bochimuzzi, <span style="mso-spacerun: yes;"> </span>director<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">.Organista: Sebastián Achenbach.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">.Sala Principal, Centro Cultural Kirchner, 10 de agosto,
hora 20.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">En el anuncio de los días previos al
concierto el maestro Carlos Vieu señaló que la segunda sinfonía –en do menor- de
Gustav Mahler constituye un pináculo en la carrera de cada director y de cada
instrumentista.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">Agregaba, luego de puntualizar sobre el
hecho de la colaboración entre La Orquesta Sinfónica Nacional y el Coro
Polifónico Nacional, que es una sinfonía de las más importantes del repertorio,
de gran porte, de gran dificultad, y de masas sonoras impresionantes.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">Ello constituye un buen resumen de una
obra cuyo grado de exigencia y dificultad es muy grande, en gran medida por el
requerimiento técnico, la duración y la falta de tregua en un horizonte sonoro
casi siempre en tensión y que, cuando ello no es así, demanda un color
orquestal muy exacto y fluido así como pureza tímbrica en sonidos siempre
puntuales y destacados.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">Todos los elementos del sinfonismo de
Mahler -la marcha fúnebre, el ländler, la música de resonancias lejanas, los
amplios <i style="mso-bidi-font-style: normal;">glissandos</i> , los acordes de
las maderas, los tutti con abundantes elementos de percusión, los solos del
concertino, los pizzicatos en la cuerda y mordentes y trinos en maderas- pero
en una escala y con una intensidad desconocida hasta entonces.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">Muestra muy representativa de la era del
“Esplendor Sinfónico”, la posibilidad de acceder en vivo a esta manifestación
de la textura del contrapunto disonante (como la llama Pola Suárez Urtubey) es
de por sí un acontecimiento muy importante, máxime con el resultado que fue
posible apreciar en esta interpretación, a la altura de los registros
referenciales de la obra.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">La sinfonía requiere un gran orgánico
orquestal que incluye –además de la formación habitual- numerosos elementos
percusivos, clarinete bajo, clarinetes en si bemol, la y do, contrafagot, una vigorosa
sección de metales, dos arpas y una nutrida masa de cuerdas. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">Una
escritura compleja<o:p></o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">Gustav Mahler (1860-1911) concibió esta
obra inicialmente como un poema sinfónico, cuyo material conforma el primer
movimiento; ante la opinión desfavorable del director Hans von Bülow lo reformuló
como parte de una totalidad mayor y escribió los movimientos restantes.
Irónicamente, la lectura del poema “Resurrección”, de Friedrich Gottlieb
Klopstock en la ceremonia fúnebre en honor a von Bülow terminó de dar forma a
la obra.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">Uno de los rasgos de Mahler es la
reelaboración de materiales a lo largo de su obra y la transformación que hace
de ellos. De este modo, dos números del “Cuerno mágico de la Juventud” (<i style="mso-bidi-font-style: normal;">Das knaben wunderhorn)</i> están presentes
aquí en el tercer y cuarto movimiento, pero todo parece sometido a una especie
de torsión y no presentarse en estado puro: un ejemplo es la marcha inicial que
surge en las maderas luego de los intensos acordes de la cuerda: es una marcha
fúnebre pero acentuada y, por decirlo así, “crispada”.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">Excepto en algunos lugares puntuales: el
ländler del segundo movimiento <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Andante
moderato</i> , así como el cuarto (<i style="mso-bidi-font-style: normal;">Urlicht</i>),
a partir de la intervención de la mezzosoprano la escritura no se desarrolla en
un diseño melódico amplio sino en una diversidad de motivos que, en su
desarrollo ulterior, generan otros. Se trata de una textura de relieves,
sumamente<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>intrincada. Un motivos se
expande de un instrumento a otro y en ello encuentra su continuidad: va de suyo
que la afinación debe ser perfecta, así como el sentido de la frase.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">Movimientos como el tercero (<i style="mso-bidi-font-style: normal;">Urlich, Sehr feierlich, aber schlich</i>),
una extensa reelaboración de uno de los lied <i style="mso-bidi-font-style: normal;">San Antonio de Padua predicando a los peces</i>,<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>del “Cuerno mágico de la juventud” es un
ejemplo de la demanda interpretativa: un movimiento extenso, de sonidos
cortantes que comienza en la percusión y se desarrolla a partir de un motivo
introducido por las maderas.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">Cada parte parece tener una complejidad
propia.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">La
interpretación<o:p></o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">Exigencias específicas en cada sección y
sentido de la totalidad, el mantenimiento de un tempo adecuado y expresivo en el
conjunto, precisión en cada detalle y timbres destacados son parte del desafío
de la obra que transita una gran gama de sentimientos: la angustia, la
introspección y la afirmación: es decir que demanda delicadeza tanto como
fuerza y proyección.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">Es en el cuarto movimiento (<i style="mso-bidi-font-style: normal;">Urlich</i>) que se introduce la voz de la
mezzosoprano (“Oh pequeña rosa roja”). María Luisa Merino Ronda mostró su
timbre profundo, de solemne musicalidad, elegante en un pasaje majestuoso y
desgarrado al mismo tiempo. <span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">Una muestra del tejido complejo de la
obra es el extenso diálogo entre la banda externa y la orquesta previa a la
entrada en <i style="mso-bidi-font-style: normal;">piano</i> de coro “Resucitará,
sí, resucitarás”, con una sutileza y al mismo tiempo densidad en las voces. El
pasaje marca, poco después, la entrada de la soprano “Vida eterna te dará quien
te llamó”. La voz de Jaquelina Livieri es de grandes y sutiles matices tanto
como de proyección y potencia en todo su rango, uno que se extiende en el curso
de una simple frase. Voces introspectivas, sutiles, delicadas que van creciendo
progresivamente hasta ser intensas y expansivas, audibles claramente ante un
aparato orquestal de la magnitud que demanda la obra. Los bajos de la orquesta
brindan un soporte armónico al coro, realzan la cuerda de bajos y le dan
densidad mientras crecen las voces solistas. La performance del coro habla a
las claras de su calidad y su preparación.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">En el documental “A mi manera”, sobre
Bernard Haitink, de John Bridcut el maestro afirma que llevar a cabo un ciclo
de las sinfonías completas de Gustav Mahler demanda diez años. Tal afirmación
es una muestra de la dificultad de tales obras, del grado de comprensión y
trabajo que requieren y a la vez nos da una pauta de lo que logró la Orquesta
Sinfónica Nacional, las solistas y el Coro Polifónico Nacional a unos tres
meses de adquirida la actual conformación de la orquesta.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">El maestro Carlos Vieu es tan versátil
como profundo y detallista en el estudio, enfoque<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>y la realización de una obra de la magnitud
de la sinfonía que nos ocupa. Es además un formador reconocido, con alumnos
como Lorenzo Guggenheim, en su juventud, maestro ya reconocido que se formó con
él.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">Eran certeras las palabras del maestro
al caracterizar esta obra como un pináculo para un director y para los músicos
que intervienen en ella.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">Una vez más, cabe agradecer la gentileza
del personal de Organismos Estables Nacionales y en especial de Gonzalo
Quintas. <span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";"><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";"><span style="mso-spacerun: yes;">
</span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";"><o:p> </o:p></span></i></p>
<p class="MsoQuote" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif"; font-style: normal; mso-bidi-font-style: italic;"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoQuote" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif"; font-style: normal; mso-bidi-font-style: italic;"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoQuote" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif"; font-style: normal; mso-bidi-font-style: italic;"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoQuote" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif"; font-style: normal; mso-bidi-font-style: italic;">Eduardo
Balestena<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoQuote" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif"; font-style: normal; mso-bidi-font-style: italic;"><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span><o:p></o:p></span></p><br /><p></p>Eduardo Balestenahttp://www.blogger.com/profile/14810769385516765999noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4498625297215069589.post-3742462699484927452022-08-08T18:35:00.001-03:002022-08-08T18:35:15.039-03:00Concierto de la Orquesta Nacional de Música Argentina "Juan de Dios Filiberto" <p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEggae8_H-dvVXri1Hy6kOOxdhmy07_2XIgXxACpbWv9re781k_h4-P0pYu99zsSFUZvX2bFFiDIs9X8v1p9x7iK8YaRhVvp3L_8jB1uwbNbGE4huG0cW0EfmBy3qrAayW1TjKQUH_W03d4Ynx5m7rIoV0xqlZf1C9kisCNWbRD4sTWuspgV9qOpI5y0cw/s1280/Conciero%205%20agosto%20I.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="853" data-original-width="1280" height="213" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEggae8_H-dvVXri1Hy6kOOxdhmy07_2XIgXxACpbWv9re781k_h4-P0pYu99zsSFUZvX2bFFiDIs9X8v1p9x7iK8YaRhVvp3L_8jB1uwbNbGE4huG0cW0EfmBy3qrAayW1TjKQUH_W03d4Ynx5m7rIoV0xqlZf1C9kisCNWbRD4sTWuspgV9qOpI5y0cw/s320/Conciero%205%20agosto%20I.jpg" width="320" /></a><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjBOiw6ZDdKhXxwOCL_oJkQXKzXk6e10utLPSBPlD2ReiSs3E9VJZ2IbL2VM77ZTipOMEw0tFiPimTL2ayunzftzesS5SRu-EELQJg0c-0jLet1ZMn_YAQPYLXVDdoenNlPU4EqhZ8tl-uxz6IUWSvBzawcQBJwfzep9j8e17FZ6sf82aFYanYy_0vQzw/s1280/Concierto%205%20agosto%20III.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="853" data-original-width="1280" height="213" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjBOiw6ZDdKhXxwOCL_oJkQXKzXk6e10utLPSBPlD2ReiSs3E9VJZ2IbL2VM77ZTipOMEw0tFiPimTL2ayunzftzesS5SRu-EELQJg0c-0jLet1ZMn_YAQPYLXVDdoenNlPU4EqhZ8tl-uxz6IUWSvBzawcQBJwfzep9j8e17FZ6sf82aFYanYy_0vQzw/s320/Concierto%205%20agosto%20III.jpg" width="320" /></a></div><br /><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjhUrTDSAUIOFZ32VLhjYT9PQRisKMZUvaj9tkONth43Gl0Zu-OTqosmHwo-pl-KcEozzs9-2nM4HEFW86ONhRSx37t1W51v_LzBjlvUcyE2b5FPxtDYkat69V4xU9qA3iJzniF0MgrsWxYyVmAA0wr4paF9cf6rOSqf-smO1p-1g_3eIJABMq47KuFbw/s1280/Concieto%205%20agosto%20II.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="853" data-original-width="1280" height="213" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjhUrTDSAUIOFZ32VLhjYT9PQRisKMZUvaj9tkONth43Gl0Zu-OTqosmHwo-pl-KcEozzs9-2nM4HEFW86ONhRSx37t1W51v_LzBjlvUcyE2b5FPxtDYkat69V4xU9qA3iJzniF0MgrsWxYyVmAA0wr4paF9cf6rOSqf-smO1p-1g_3eIJABMq47KuFbw/s320/Concieto%205%20agosto%20II.jpg" width="320" /></a></div><br /></div><br /> <p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhjJhOPR59jbLblGxGsPx49Ox9ptc15FuaIKjZkkJ4ddcsmr51WY2zaSkyWdeqWKoNTer7QQkG6nai6fgYbMLRcNDKgrE3-OpJzsxj39UMgSwgIMOd_AUmaTqxEsZgGujdtRzYw5Xi1hUtWm4lcQfBdB5yI1Y7qCNsCGlwNhPXsA_E5Nj5uJxWC-oNpgA/s1280/Conciero%205%20de%20agosto%20IV.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="853" data-original-width="1280" height="213" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhjJhOPR59jbLblGxGsPx49Ox9ptc15FuaIKjZkkJ4ddcsmr51WY2zaSkyWdeqWKoNTer7QQkG6nai6fgYbMLRcNDKgrE3-OpJzsxj39UMgSwgIMOd_AUmaTqxEsZgGujdtRzYw5Xi1hUtWm4lcQfBdB5yI1Y7qCNsCGlwNhPXsA_E5Nj5uJxWC-oNpgA/s320/Conciero%205%20de%20agosto%20IV.jpg" width="320" /></a></div> Fotos Federico Kaplun<div><br /></div><div><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;">.Orquesta Nacional
de Música Argentina “Juan de Dios Filiberto”</p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES">.Director: Christian
Baldini<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES">.Solista: Javier Weintraub,
violín<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES">.Artistas
invitados: Víctor Lavallén, bandoneón; Diego Schissi, piano; Juan Pablo
Navarro, contrabajo; Guillermo Rubino, violín; Alejandro Bruschini, bandoneón<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES">.Sala La ballena
Azul, Centro Cultural Kirchner, 5 de agosto, hora 20.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>La Orquesta Nacional de Música
Argentina Juan de Dios Filiberto llevó a cabo en este concierto el estreno de
dos obras de gran originalidad musical.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span lang="ES">Criaturas del fuego</span></b><span lang="ES">,<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"> </b>de María Laura Antonelli,
fue la primera de ellas.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES">Se
trata de un concierto para violín y orquesta especialmente comisionado por la ONMA,
que incluye bandoneón, y elementos electroacústicos.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES">Desarrollada
en una sola secuencia tiene, sin embargo, un esquema tritemático que podríamos
caracterizar como momentos de intensidad/reposo/intensidad. Lleva al
instrumento solista a una exigencia virtuosística: en los momentos rápidos,
intensos y tajantes y en la expresiva serenidad de la sección central; <span style="mso-spacerun: yes;"> </span>en ésta el violín dialoga con los timbales, se
produce una suerte atmósfera de sereno misterio, hasta la progresiva
introducción de las secciones de la orquesta.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES">Reconocida
compositora y pianista, Laura Antonelli ha señalado que su idea compositiva fue
la de construir un tejido de eventos sonoros en una línea temporal, en sus
distintas texturas, un espacio acústico que contiene una suerte de sub texto
que alude a la sorpresa y a la evocación de “recuerdos que no ocurrieron.” <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES">Combina,
en su textura –al decir de Javier Weintraub- las características más europeas
de los conciertos para violín y el tango argentino.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES">Diálogo
de tradiciones musicales, teoría acerca de espacio acústico y los elementos que
en él conviven, el concierto tradicional –en la idea en sí de escribir un
concierto para violín y orquesta- y una suerte de metamorfosis del tango, en
una síntesis en que ambos elementos configuran un espacio nuevo.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES">Javier
Weintraub, es egresado del Conservatorio López Buchardo y ha integrado
numerosos conjuntos de cámara y orquestas sinfónicas; violinista virtuoso, ha
realizado giras por numerosos países, tales como Estados Unidos, Japón,
Alemania, Suiza, Inglaterra, por citar algunos.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES">María
Laura Antonelli es pianista, compositora, arregladora y docente del
Conservatorio de Astor Piazzola, de la Ciudad de Buenos Aires y del Manuel de
Falla; ha actuado tanto en nuestro país como en Europa y llevado a cabo una
extensa carrera.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES">Tal
como lo señaló el maestro Baldini antes de comenzar el concierto, el solo hecho
de una mujer compositora escribiendo y estrenando un concierto para violín es
algo de por sí muy positivo y<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>significativo.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span lang="ES">Lavallén Sinfónico<o:p></o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES">Esta
obra, que ocupó la segunda parte del concierto, es una suite integrada por el
arreglo de once tangos compuesto por el maestro Víctor Lavallén y está conformada
del siguiente modo: I Amanecer ciudadano/ Mostonguero/ A la sombra del fueye/
De menor a mayor (Víctor Lavallén y Pablo Estigarribia); II. Vigilia/ Amor de
primavera/ De espaldas al relój. III. Atemporal /Buenosaireando/ De norte a
sur/ Meridional.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES">Se
trata de obras que Víctor Lavallén tocó con los más grandes maestros del tango,
como Osvaldo Pugliese, en cuya orquesta Víctor Lavallén fue arreglador y
bandoneonista.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES">El
modo en que este material se despliega en el quinteto central y la orquesta es
una prueba del enorme talento de Diego Schissi como arreglador, además de
pianista. Dio a la obra un desarrollo en términos de rápido/lento/rápido, forma
ternaria de muchas obras sinfónicas.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES">En
este horizonte todas las combinaciones posibles están exploradas y explotadas:
una flauta introduce un elemento melódico sencillo que discurre hasta la
entrada del violín solista del quinteto, amplificado de manera que suena
distinto a los de la orquesta, se produce un diálogo a partir de ese elemento
que va pasando a la orquesta paulatinamente, expandiéndose. En otros lugares es
la orquesta la que introduce el motivo que siempre se extiende y transforma en
la amplia paleta: piano, quinteto, cuerdas, percusión, bandoneones.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES">Las
intervenciones del primer bandoneón y el segundo<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>van desde la rítmica muy marcada a las
melodías –en la sección lenta- que, en su dulzura y delicadeza, discurren como
una improvisación que parece llevarnos a descubrir una solución siempre
inesperada. El bandoneón es tratado desde lo más notorio e intenso a lo más
suave y delicado en una gama muy amplia.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES">Si
algo caracteriza la obra es ese sentido de permanente invención.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES">Atento
siempre a las indicaciones del director, el quinteto se amalgama a la orquesta
en una obra de gran exigencia: rítmica, melódica y en sus dinámicas en la cual
la marcación es un aspecto central.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES">Un
género popular aparece como un género intuitivo y los músicos capaces de
abordarlo son también capaces de trabajar en una estructura formal, como lo es
una orquesta sinfónica. A sus 86 años Víctor Lavallén es una parte de la
historia y del presente, sus dotes de compositor e intérprete lo confirman.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES">Una
de las cosas que señaló el maestro Baldini al comienzo del concierto es el alto
nivel de la Orquesta Nacional de Música Argentina “Juan de Dios Filiberto”, lo
cual quedó absolutamente demostrado en este exigente programa. También destacó
que un programa de concierto no es algo menor: el modo en que las obras
convergen constituye de por sí una experiencia musical, sensoria y espiritual.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES">Dos
obras argentinas coetáneas, una propuesta original y una experiencia diferente:
tal fue lo deparado este concierto.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES"><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES"><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span lang="ES"><o:p> </o:p></span></i></p>
<p class="MsoQuote" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-style: normal; mso-bidi-font-style: italic;"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoQuote" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-style: normal; mso-bidi-font-style: italic;"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoQuote" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-style: normal; mso-bidi-font-style: italic;"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoQuote" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-style: normal; mso-bidi-font-style: italic;">Eduardo Balestena<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoQuote" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif"; font-style: normal; mso-bidi-font-style: italic;"><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span><o:p></o:p></span></p><br /></div>Eduardo Balestenahttp://www.blogger.com/profile/14810769385516765999noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4498625297215069589.post-14637491648759745832022-08-08T18:28:00.004-03:002022-08-08T18:39:18.987-03:00L ´elisir d ´amore en el Teatro Colón<p> <span> </span><span> </span><span> </span><span> </span><span> </span></p><p></p><p><span><br /></span></p><p><span> </span><span> </span><span> </span><span> <span> </span><span> </span><span> </span></span><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhjy9v1fmyrborxTYQXHvPdnUeMf7jz1lWixLnpsoYaL7wudhl17piiMP4H9e1GA1FlILj5xDO2DQuyDHYHbOVYG9kWbR4hI7kpDwpd0jaQED9najit-xbtD5KhST-_ZhVgXiY55svu1pnTDhiyZQg7-1e3oavtT26y4YFtG4vB76dK7mvqC0dnlZlhjQ/s1796/L%20elisir.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="1203" data-original-width="1796" height="214" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhjy9v1fmyrborxTYQXHvPdnUeMf7jz1lWixLnpsoYaL7wudhl17piiMP4H9e1GA1FlILj5xDO2DQuyDHYHbOVYG9kWbR4hI7kpDwpd0jaQED9najit-xbtD5KhST-_ZhVgXiY55svu1pnTDhiyZQg7-1e3oavtT26y4YFtG4vB76dK7mvqC0dnlZlhjQ/s320/L%20elisir.jpg" width="320" /></a></p> Foto, Arnaldo Colombaroli<p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><br /><span style="font-family: Garamond, "serif";">.L´elisir d´amore, ópera cómica en dos actos (1832)</span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">.Música: Gaetano Donizetti<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">.Libreto: Felice Romani, basado en el libreto de Eugene
Scribe para la ópera <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Le Philtre</i> de
Daniel-Francois Auber<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">.Dirección musical: Evelino Pidò<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">.Elenco: Adina, Nadine Sierra (soprano); Nemorino, Javier
Camarena (tenor); Doctor Dulcamara, Ambrogio Maestri (barítono); Belcore,
Alfredo Daza (barítono); Gianetta, Florencia Machado (mezzosoprano <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">.Orquesta Estable del Teatro Colón.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">.Coro Estable del Teatro Colón, dirigido por Miguel
Martínez<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">.Dirección de escena: Emilio Sagi<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">.Diseño de iluminación: José Luís Fioruccio<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">.Vestuario: Renata Schussheim<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">.Escenografía: Enrique Bordolini<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">.Teatro Colón de Buenos Aires, 4 de agosto, abono nocturno
tradicional.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Una
versión musicalmente muy bien lograda fue la que ofreció el Teatro Colón de<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">L ´elisir d´amore,
</span></i><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">obra maestra
del <i style="mso-bidi-font-style: normal;">bel canto</i> donde todos los
elementos deben funcionar con la precisión de un reloj.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">Música
y voces<o:p></o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">Evelino Pidò es uno de los grandes especialistas
en este repertorio. La textura musical de esta obra está dada en elementos muy
puntuales y reconocibles para connotar las distintas situaciones, sentimientos
y expectativas: acordes de maderas y rápidos pasajes con reiteración de motivos
y duetos donde dos líneas de canto diferente aluden a pensamientos también
diferentes de los personajes. Melodías tan definidas como fluidas, todo el
tiempo, en un horizonte cambiante: en el coro, en las voces, en la orquesta.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">Va de suyo que la mayor exigencia es el
fraseo, su continuidad, sus acentos y las dinámicas y que ello es así en todo
el conjunto: voces solistas, ante las cuales la acción se interrumpe y que
suscitan una expectativa que la música debe poder expresar siempre, orquesta y
coro. La música tiene el brillo de sus melodías, de esa suerte de código en que
va significando, con elementos identificables, las distintas situaciones y en
el timbre: siempre claro en un volumen en que la música cumpla su función sin
inmiscuirse demasiado en la escena.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">Hubo en todo momento una absoluta
flexibilidad y brillo sonoro y una absoluta amalgama entre orquesta y voces. El
coro, dirigido por el maestro Miguel Martínez, fue ajustado, sin fisuras,
siempre efectivo; el conjunto de las voces centrales fue homogéneo en las
exigencias de cada rol: vocales y actorales.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">Javier Camarena fue de las voces más
destacadas, con un timbre absolutamente musical y brillante y un perfecto fraseo.
Decisión, esperanza, desesperanza, ingenuidad, todo eso debe poder connotar su
personaje. Dulzura y espontaneidad priman sobre el puro volumen. Probó su
técnica al hacer un bis de la famosa aria <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Una
furtiva lágrima</i>. Al personaje de Adina cabe marcar el progresivo pasaje del
desdén al amor. Nadine Sierra la compuso con espontaneidad y perfección en los
matices y una solvencia total (fresca, espontánea) en la composición del
personaje. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">Renglón aparte merece Ambrogio Maestri
como Dulcamara: el efecto humorístico de su personaje depende en gran medida de
la potencia, los matices de su emisión y su gestualidad. Es dable apreciar el
efecto de rima de las palabras, efecto en el cual gran parte del humor se basa.
Se hace dueño se la escena ya desde el comienzo <span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>En su rol
de Belcore, Alfredo Daza –perfecto en su desempeño actoral- fue afianzando progresivamente
su voz. Florencia Machado compuso perfectamente a su personaje de Gianetta. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">La
puesta<o:p></o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">Llevada del ámbito pueblerino (ingenuo,
inocente, despojado) a los Estados Unidos de la década del 50, con una cancha y
un juego de básquet –la caída de la pelota al foso orquestal en plena
interpretación musical fue algo inimaginable no sólo <span style="mso-spacerun: yes;"> </span>para Donizetti sino también para espectadores
y músicos- se plantea un desfasaje entre el texto inicial del coro y un ámbito
fuertemente marcado por la prevalencia del color y el espacio urbano. Dulcamara
hace su entrada en un bellísimo Chrysler cabriolet 1951, gris metalizado,<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>en cuyo gran baúl atesora el elixir y
Nemorino cruza la escena en bicicleta. Con un vestuario puntilloso al mínimo
detalle y una escenografía e iluminación sumamente cuidadas, con detalles como
una ventana de un primer piso en el cual la escena se expande, en los cuidados
movimientos escénicos la propuesta funciona como un mecanismo de precisión.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">Signada como una necesidad de
reinterpretación del espacio escénico, las puestas dejan de ser un soporte
físico para la acción y la música y aspiran a ser una segunda creación puesta a
resignificar a la primera.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">Por suerte está allí la música que sigue
siendo lo principal. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";"><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><span style="mso-tab-count: 1;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">Eduardo Balestena<span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></b></span></p><span></span><p></p>Eduardo Balestenahttp://www.blogger.com/profile/14810769385516765999noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4498625297215069589.post-55567621608024361402022-07-28T10:34:00.007-03:002022-07-28T17:02:02.013-03:00Reportaje a Christian Baldini<p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEivtGAvj81QMzsuuAfIHypsEWVOFvjPx7xF-xiMx5huXXEoScWm7H7l9403NGgPyOdfyRcy7AyNBAF4yBG3RnIMCLSfZTu9_ynL1P2Jelw9H5YF5iFETZgTom1g7Lmu7Jrt7gYtJac33_4Z4MtUAz7WmcnT2iTpFrWGQayQ--xNFZpGe5PAGZCoI5miUQ/s1050/15-07-2022%20Orquesta%20Sinf%C3%B3nica%20Nacional%20-%20Fotos%20Fede%20Kaplun-10.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="700" data-original-width="1050" height="213" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEivtGAvj81QMzsuuAfIHypsEWVOFvjPx7xF-xiMx5huXXEoScWm7H7l9403NGgPyOdfyRcy7AyNBAF4yBG3RnIMCLSfZTu9_ynL1P2Jelw9H5YF5iFETZgTom1g7Lmu7Jrt7gYtJac33_4Z4MtUAz7WmcnT2iTpFrWGQayQ--xNFZpGe5PAGZCoI5miUQ/s320/15-07-2022%20Orquesta%20Sinf%C3%B3nica%20Nacional%20-%20Fotos%20Fede%20Kaplun-10.jpg" width="320" /></a><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgUEo5LC1Ji4ZL9v_V5Az5VvEdAv8uq6Pxq5NcAyFfwt_mJMY4uTgqTRaooeGbmWIRQm3ie36IJ6zDDsSDMZ9_GWscw5PCkCXKaZMvhPhJQSmRWaK5KZnBeXSjVg62lz-ozR4_G46kWpU1z-Rpgzj_f1G-jy0FMyMJMh6QCFjxS6g8AvlDauO0-NsBquQ/s1136/Christian%20Baldini%20Orquesta%20Sinf%C3%B3nica%20Nacional%20-%20Fotos%20Fede%20Kaplun-9.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="757" data-original-width="1136" height="213" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgUEo5LC1Ji4ZL9v_V5Az5VvEdAv8uq6Pxq5NcAyFfwt_mJMY4uTgqTRaooeGbmWIRQm3ie36IJ6zDDsSDMZ9_GWscw5PCkCXKaZMvhPhJQSmRWaK5KZnBeXSjVg62lz-ozR4_G46kWpU1z-Rpgzj_f1G-jy0FMyMJMh6QCFjxS6g8AvlDauO0-NsBquQ/s320/Christian%20Baldini%20Orquesta%20Sinf%C3%B3nica%20Nacional%20-%20Fotos%20Fede%20Kaplun-9.jpg" width="320" /></a></div><br /></div>Fotos de Federico Kaplun<br /> <p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face="Arial, "sans-serif"" style="text-indent: 35.4pt;">Nacido en Mar del
Plata, Christian Baldini</span><span face="Arial, "sans-serif"" style="text-indent: 35.4pt;"> </span><span face="Arial, "sans-serif"" style="text-indent: 35.4pt;">completó con
honores sus estudios de dirección orquestal y composición en la Universidad
Católica Argentina, obteniendo luego becas completas para llevar a cabo su
maestría y doctorado en las universidades estatales de Pensilvania y Nueva
York.</span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">Desde 2009 es
director artístico de la Orquesta Sinfónica UC Davis y desde 2012 director
musical de la Orquesta Sinfónica Camelia, de Sacramento, capital de California,
con la cual ha abordado ciclos completos de las sinfonías de Brahms, Sibelius,
Schumann y Beethoven, así como estrenos locales de obras de Luciano Berio,
György Ligeti, Edgar Varese, Oscar Strasnoy, además de numerosos estrenos
locales. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES"><o:p> </o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">Una visión holística<o:p></o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">Con un repertorio
íntegramente dedicado a música argentina, el concierto de la Orquesta Sinfónica
Nacional del 15 de julio de 2022 en la Sala principal del CCK significó,
gracias a Gonzalo Quintas, de la Dirección Nacional de Organismos Artísticos,
la posibilidad de entrevistar extensamente al maestro Christian Baldini. La
oportunidad fue su estancia de algunos días en Mar del Plata, y la conversación
tuvo lugar en un café próximo a nuestro Teatro Colón, lugar donde lo conocí
hace varios años, cuando vino a dirigir nuestra Orquesta Sinfónica Municipal.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">Del simple cotejo
de fechas y de sus antecedentes surge la juventud con la cual inició, cimentó y
lleva a cabo una carrera en la cual ha abordado los géneros y los períodos más
diversos, desde el clasicismo a las vanguardias.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">Hablar con un
músico del calado de Christian Baldini es abrir un panorama nuevo a cada
momento: es inacabable la lista de experiencias musicales, interpretaciones,
formaciones –orquestales o camarísticas-<span style="mso-spacerun: yes;">
</span>y obras a que hace referencia. En el trato es llano y muy amable y
produce la sensación de que su habla oral –precisa, sobria e informal al mismo
tiempo- sigue las leyes de la música. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">Una primera etapa<o:p></o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">-Cómo fue el
comienzo de tus estudios musicales –le pregunto.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">-CB. Cuando
comencé a considerar las distintas opciones pude ver que en la <span style="mso-spacerun: yes;"> </span>UCA era una carrera larga, de siete años y la
consideré la mejor de esas opciones.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">Recuerdo haber ido
allí: era una casa en San Telmo que daba la impresión de un lugar familiar,
como si se fuera a visitar a un amigo. Cuando entré había alguien haciendo un
examen y resultó que también era de Mar del Plata. Era Valentín Garvie, que
estaba estudiando dirección orquestal. Fuimos amigos desde entonces.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">Di el primer año
libre y comencé a cursar desde el segundo. Era una formación muy completa, con
excelentes docente.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">Es una mañana
fresca y desde el refugio de la vereda en el cual estamos ante una mesa y
cercanos a una estufa vemos pasar incesantemente a la gente, en vacaciones. El
ruido del escape de una moto nos invade por un momento. La vida discurre, como
la música.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">-¿Venís de familia
de músicos? <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">-CB. No, mi mamá
era enfermera, mi papá médico…mi tía Martiana, que decía tocar el piano, era
una persona de mucha cultura y me regaló la primera biografía de Mozart, pero
no fue una influencia decisiva y la mía no era una familia musical.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">De chico para mí
la música era como una salida, un refugio y aprendí a leer muy temprano, mi
papá me enseñó con un libro de primario de mi hermana, que era mayor. A partir
de allí comencé a leer y tenía una facilidad para aprender cosas. Entré a la
escuela y me aburría y tenía una conducta desastrosa. Sentía que no me hallaba
en la escuela, y la maestra me retaba en lugar de darme otra cosa para hacer.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">Ya a los tres años
le dije a mi mamá que quería estudiar el violín, entonces las posibilidades,
eran diferentes.<span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">Mientras estudiaba
en la UCA formé un ensamble. Estaba en el tercero o cuarto año de la carrera,
es decir que me faltaban un año o dos<span style="mso-spacerun: yes;">
</span>para graduarme. Era un grupo inicialmente muy pequeño, hicimos
audiciones y en el primer ensayo nos debemos haber juntado 11 o 12 personas y a
lo largo de esos dos año que trabajé fue un crecimiento muy satisfactorio,
porque terminamos teniendo una orquesta sinfónica completa, un ensamble de
vientos, un<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>coro polifónico. Hicimos
varios sinfónico corales. Conseguí apoyo financiero para llevar el ensamble de
vientos a Mar del Plata, a tocar al Teatro Colón. Aprendí muchísimo<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>de todo lo que es producción, además<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>de lo que es dirección musical.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">Cuando fui a Pensilvania,
muy poquito tiempo después de mi llegada fundé otro ensamble. Fue entonces que
la decana me convocó para conversar y estaba muy impresionada de que tan pronto
hubiera fundado y me dio apoyo económico para que pudiera alquilar música y
financiar la actividad.<span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">Cuando me llamó la
docente pensé “qué habré hecho mal”, en cambio me dijo que mi examen era el
mejor que había visto y me ofreció el apoyo para el ensamble.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">Era muy grande la
disponibilidad de partituras, partichelas y grabaciones de las que había.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">La experiencia en
Davis, California fue muy importante. Soy<span style="mso-spacerun: yes;">
</span>profesor de la Universidad de California desde hace ya<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>13 años, comienzo el año 14 ahora y soy
director de la Orquesta Sinfónica de UC Davis, que es de la Universidad de
California en Davies y tenemos un teatro maravilloso realmente, el <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Mondavi Center</i> y este año está en el
aniversario número 20 y vienen orquestas de todo el mundo, como la Filarmónica
de San Petesburgo , con Valery Gergiev, ha venido la Sinfónica Nacional Rusa,
la Sinfónica de San Francisco, muy seguido, la de Los Ángeles con Gustavo
Dudamel, la Royal Philarmonic de Londres, la Filarmónica de Seúl. Yo he<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>dado charlas-presentaciones para la
Filarmónica de China, la Sinfónica de Shangai. Es decir que vienen orquestas de
Asia, de Europa, de Estados Unidos todo el tiempo a tocar, y la orquesta de UC
Davies es la orquesta residente ahí y tenemos el privilegio de hacer todos los
ensayos en el escenario. No tenemos que ir a ninguna sala de ensayo, lo cual
nos ha ayudado a tener una actividad sostenida y lograr una calidad artística
muy alta<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">Luego hice el
doctorado en <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Buffalo</i> Universidad de
Nueva York, que era a unas cuatro horas en auto de donde yo vivía. Llegué allí
como estudiante doctorado en composición; al poco tiempo se enfermó el director
de la orquesta, que quedó en Nueva York y no podía volar, y<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>me llama el jefe del Departamento de Música y
me dice si como un favor podía dirigir el concierto del día siguiente y<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>tuve una media hora de ensayo brevísimo,
donde ensayamos algunas cosas puntuales y tuvimos el concierto que era la <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Quinta Sinfonía de Beethoven</i>, el <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Pélleas y Mélisande de Fauré</i> y<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>una obra nueva de alguien que se estaba
graduando en su doctorado en composición. Todo fue muy bien. Pasó alrededor de
un mes y me ofrecieron el<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>cargo de
director musical de esa orquesta en <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Buffalo.</i><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">Había llegado a
Estados Unidos para continuar mis estudios, pensaba hacer la maestría y el
doctorado y volver, pero las cosas se fueron dando de otro modo.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">-¿Cómo llegas a
California Davis?<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">-CB Tuve una
entrevista para el cargo de Director Musical en la Universidad de California
Davis y no solamente tuve que<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>dirigir a
la orquesta en dos ensayos sino también conocer lo que es una gran parte del
trabajo en Estados Unidos, que es el referido a los <i style="mso-bidi-font-style: normal;">sponsors</i>, la gente que dona dinero. Me reuní con esa gente y
también tuve que dar una clase magistral a un director de orquesta que estaba
haciendo estudios de posgrado, di una clase sobre Bach,<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>también. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">Tuve muchas
reuniones y al finalizar<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>todo eso, no
habrá pasado ni una semana que me ofrecieron el caro, y quien era mi mentor de
doctorado en <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Buffalo</i>, un
extraordinario compositor que se llama David Felder, cuando le conté que me
habían ofrecido ese cargo me dijo que absolutamente<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>lo tenía que tomar porque es uno de los más
deseados en los Estados Unidos; la Universidad de California es<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>la institución pública más prestigiosa del
mundo, entonces tiene muchos beneficios tener un cargo en la Universidad de California
y tenía razón, ahora que ya llevo casi 14 años , no era algo que hubiera podido
pasar por alto porque fue muy importante en mi desarrollo personal y
profesional<span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">Salzburgo y Michael Tilson Thomas<o:p></o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">-Hay otros hitos
muy importantes en tu carrera: el haber sido finalista en el Concurso Internacional
para Jóvenes Directores de Orquesta, nada menos que en Salzburgo, y tu vínculo
con Michael Tilson Thomas, director titular de la Orquesta Sinfónica de San
Francisco y discípulo, nada menos, que<span style="mso-spacerun: yes;">
</span>de Leonard Bernstein. Tilson Thomas es un gran divulgador y pedagogo
cuya serie de programas <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Keeping the score</i>
nos brinda un análisis ameno y exhaustivo de las obras y un sentido de
perfección interpretativa. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">-CB. Es cierto, si
bien no gané el concurso fui uno de los tres finalistas de un total de 91 concursantes
de todo el mundo y eso me significó, entre otras cosas, poder contar con un
manager para mi carrera.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">Nunca me acerqué a
los directores para pedirles algo; quizás hubiera debido o hubiera podido
hacerlo. Conocí a Michel Tilson Thomas cuando asistí a ensayos de la Orquesta
Sinfónica de San Francisco de <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Amériques</i>,
de Varèse. <span style="mso-spacerun: yes;"> </span>Es una obra que no se toca
tanto porque es gigante, lleva una orquesta como de ciento y pico de personas,
con 14 percusionista, dos arpas,<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>mas
todas las maderas a 5, con dos contrafagots, con tubas, trombón contrabajo, 6 o
7 trompetas. Es más grande que La Consagración de la Primavera.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">Tilson Thomas me
recibió en su despacho en el Teatro y me sorprendió que conociera mucho de mi
actividad. Sucedió por ejemplo que al presentarme a otras personas les dijera
que le gustaba como había abordado las sinfonías de Sibelius. Fue toda una
sorpresa que alguien como él conociera mi actividad de ese modo y se refiriera
a ella con entusiasmo.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">-Michael Tilson
Thomas une el amor a la música con el detalle y el nivel de detalle con el que
trabaja es enorme, que hayas sido su director asistente habla mucho de tus
méritos. Siendo como es, igual que Bernstein, no se detiene hasta lograr la
perfección y eso es lo que habrá de esperar de su director asistente.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">-CB. Trabajé con
él, que tiene un sentido pedagógico innato: le basta decir una palabra o hacer
un gesto para transmitir algo <span style="mso-spacerun: yes;"> </span>y llegó a
delegarme conciertos de la orquesta por estar muy satisfecho por cómo abordaba
las obras.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">Es además un hombre
de gran experiencia que ha conocido a músicos de los más grandes del siglo XX.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">-El programa
dedicado a Aaron Copland es una prueba de ello. Es decir que hiciste las
sinfonías de Jean Sibelius en forma integral. Cuáles son tus preferencias<b style="mso-bidi-font-weight: normal;">.</b><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">-CB. Es difícil
hablar de preferencias. Cada obra tiene un gran valor y transmite algo propio.
A la hora de armar un programa de concierto no se trata de incluir una obertura
breve, un concierto para instrumento solista y orquesta<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>y luego la sinfonía que a uno le guste. Se
trata de algo distinto.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">El programa debe
tener su progresión y las obras vincularse e iluminarse unas a otras. Por
ejemplo en un concierto que era sobre el concepto de la luz y la oscuridad
tenía dos obras de Ravel: <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Alborada del
Gracioso </i>al comienzo<i style="mso-bidi-font-style: normal;"> </i>y la <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Rapsodia Española</i><span style="mso-spacerun: yes;"> </span>al final. En el caso de la <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Alborada</i> es una canción matutina y en el
de la <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Rapsodia</i><span style="mso-spacerun: yes;"> </span>es una trayectoria<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>de lo que es el transcurrir de un día,
terminando con una gran fiesta en feria. Las dos obras en el medio eran de dos
compositores italianos, que representaban más la noche y la oscuridad y lo
oscuro como concepto filosófico. El primer compositor era Luigi Dellapiccola.
Hicimos<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>la <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Piccola música notturna</i> y luego de la pausa hicimos<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>de Salvatore Sciarrino hicimos la <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Introduzione a lo oscuro</i>. Él es
además<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>el compositor italiano viviente
más grande y he tenido el privilegio de estudiar con él<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>en Francia, en un Festival donde<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>se me estrenaba una obra para orquesta y
Sciarrino era el compositor que daba clases magistrales a compositores que iban
allí de todo el mundo.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">Ese fue el
concepto y cuando tocamos esa pieza de Sciarrino apagamos todas las luces del
teatro y sólo dejamos las luces de los atriles. Es una música que genera como
un anti espacio, porque tiene parte de silencio, se mantiene al límite de lo
audible e inaudible. Tiene algunos efectos que son<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>casi como “animalísticos”: usa no sólo las
cuerdas sino los vientos, la flauta hace como unos rugidos. Es una pieza muy
impresionante en lo sensorial, así que el efecto de tocarla con las luces<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>apagadas gustó muchísimo. Lo que me gustó de
ese programa<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>fue que la gente venía por
Ravel, que es un compositor que adora y conoce, pero al final, además de Ravel,
estaban fascinados por las obras de Dellapicola y Sciarrino. Eso es lo que me
gusta lograr con esos programas eclécticos y conceptuales, es como un chef en
un restaurante<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>que no pone simplemente
un pedacito de esto y otro de esto otro para comer y llenarse. La idea es<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>tener un trayecto, una experiencia más
holística y que haya a lo largo del tiempo un desarrollo de confianza entre el
chef y los comensales, o, en este caso, entre el director de orquesta, la
orquesta y el público. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">-La música termina
por vincularse según la propuesta del intérprete.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">-CB Brahms,
Schumann, Bruckner, son enormes presencias en la música y particularmente
siento algo especial por el clasicismo de Haydn, que siempre sorprende con algo
vivo, gracioso y espontáneo; las sinfonías de Mozart, como la Linz o la
Júpiter, y las de Beethoven.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">Me gusta mucho trabajar
con cantantes y el repertorio sinfónico coral. El cantante es en sí mismo el
instrumento y eso tiene un valor diferente. La música proviene de su propio
cuerpo y me gusta tanto hacer obras con cantantes –óperas o sinfónico corales-
como escribir música coral.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES"><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">-Tilson Thomas ha
dicho que prepara las obras cantando, o en el piano. Hay muchas maneras de
comenzar a entrar en ese mundo de la obra y ella parece ser la que propone cómo
debe ser abordada.<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><o:p></o:p></b></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">-CB En mi caso,
más allá de trabajar en el piano o cantando, suelo estudiarlas en el
escritorio. No hay un solo modo.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">La frágil libertad<o:p></o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">-Y en cuanto a la
actividad compositiva, cómo es<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>la
génesis de una obra, cómo nace, bajo que estímulos e ideas y cómo se desarrolla
o es ella misma, al surgir, la que pide ser desarrollada de uno u otro modo.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">-CB. No hay una
sola manera. A veces puede provenir de un poema, otras de diferentes
circunstancias. Tampoco se trata de hacer por ejemplo un clásico cuarteto de
cuerdas, sino de emplear una formación que esté dada por la índole de lo que
uno quiere decir.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">Escribí por
ejemplo un concierto para violín y orquesta a solicitud de una violinista
coreana y se convirtió en una obra política; dediqué el artículo <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Freedom is fragile</i>, en “The Gleaming
Sword”, a la relación entre<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>libertad,
política y música, con varios ejemplos musicales.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">Corea es una
magnífica península artificialmente dividida por la política y hay una libertad
desigual en el sur y en el norte. Encontré inspiración en desgarradoras cartas
de personas que deben vivir forzosamente separadas, sufriendo la pérdida de
familiares. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">Durante mis
investigaciones encontré testimonios, entre los cuales estaba el de un
periodista de Corea del Sur que fue detenido por las autoridades de Corea del
Norte y liberado solamente por la intervención del ex presidente Clinton.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">La península de
Corea ha sido dividida por demasiado tiempo. Las familias han sido separadas
por ese límite artificial que es el paralelo 38. La crueldad de esta
segregación, las violaciones a los derechos humanos relativas a ellos hizo
inevitable dedicar la obra a todos quienes habían sido víctimas<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>de estas políticas y de las guerras.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">Muchos sonidos e
imágenes vinieron a mí a medida que me involucré más en este proyecto, desde la
imagen<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>del muro de Berlín, dividiendo<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>a Alemania en dos naciones, al muro que
separa a comunidades y familias a lo largo de Norteamérica.<span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">-Cómo es posible
plasmar esto en la música.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">-CB por medio de
distintos estímulos y materiales: tomé por ejemplo cartas. Hay historias como
las de Hyseo Lee y Yeonmi Park, dos desertoras del régimen de Corea del Norte.
Euna Lee es una periodista Sud Coreana que fue detenida por las autoridades de
Corea del Norte y utilicé distintas cartas de familiares separados a lo largo
de la frontera.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">Es una pieza muy
dramática y se vale de las ventajas que los recursos expansivos de la orquesta
y su dispositivo y de instrumentos autóctonos tanto como de la voz humana.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">La libertad es
frágil, dice Euna Lee y si no luchamos<span style="mso-spacerun: yes;">
</span>por los derechos humanos y las personas oprimidas ahora mismo, quién lo
hará por ellos.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">-La versión es de
la Orquesta UC Davis y Celine Jeong Kim<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">-CB. Sí, es la
orquesta de la que soy titular desde 2009 y debo decir además que esta fue la
primera vez, en los 13 años<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>que he
estado en Davies, que programé una obra mía. No es por falta de oportunidad,
pero soy muy cuidadoso con eso. No me gusta. Hay gente que es compositor y
director y todos los años se programa obras<span style="mso-spacerun: yes;">
</span>propias, que a mí no<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>me parece
correcto hacer eso: hay mucho repertorio que me interesa explorar y cuando
programo música no lo hago de una manera egoísta diciendo me gusta esta
sinfonía, la programo sí o sí, sea bueno para la orquesta o no y no tenga nada
que ver con el resto del programa. Tengo mucho cuidado con eso y de la misma
manera, hacia anos que<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>me pedían que
pusiera una obra mía en el programa y esta fue la oportunidad y la primera vez
que lo hice<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>y no tengo pensado<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>en un futuro cercano volver a programas<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>nada mío.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">Con mi otra
orquesta, la de sacramento, la <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Camelia Simphony<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>Orchestra</i> tampoco. Me han pedido que
programara una obra mía y no lo<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>he
hecho. Este ano estoy entrando en mi décima temporada y<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>consideré<span style="mso-spacerun: yes;">
</span>en un momento en escribir una obra nueva. Es posible pero con<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>mucho cuidado y tiene que haber una muy buena
razón para hacerlo, no simplemente que salga por que salga.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">Celine Jeong Kim
es una violinista coreana excelente que hizo un posgrado en la Universidad de
San Francisco. Ahora está trabajando en la orquesta nacional de Corea, en los
primeros violines.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">La firme voz<o:p></o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">El concierto para
violín es ciertamente una experiencia dramática. Al escucharlo en el registro
de Celine Jeong Kim y la Orquesta…se tiene una idea muy diferente de las
funciones posibles que la música puede tener: primero es una intervención poderosa
y cortante, un discurso vigoroso que se interrumpe con la aparición de una
segunda solista que toca partes del concierto para violín y orquesta de
Mendelssohn, hasta que es retirada casi violentamente de la escena: hay –en
apariencia- una sola voz legitimada para estar allí y no existe diálogo posible
con otra porque se interrumpen. También el anhelo de libertad irrumpe. Sin
embargo, pronto sucederá algo aun más inusual: comenzará<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>la lectura de cartas, con un fondo musical
suave pero al mismo tiempo desgarrado.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">Son recursos
inhabituales que producen un fuerte impacto, en parte por el contenido de la
música y en parte por significar, en sí mismos una ruptura: con la tradición,
con la música como algo simplemente bello, para dar paso a una experiencia
diferente, algo que podemos llamar –como el compromiso del que hablaba Jean
Paul Sartre- un deber del artista: el de asumir su obra como un testimonio y
una herramienta de lucha.<span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">La voz que no es
cantada, que es una lectura, se convierte en el elemento más poderoso de todos.
La orquesta se transforma en un pedal para la voz, la acompaña: es aquella la
que guía y de pronto aparece el silencio y fuertes golpes percusivos. Los
discursos políticos son la ruptura total con la experiencia de las personas sometidas
el régimen y, claramente, forman parte de la violencia.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">Christian Baldini
desarrolló un recurso y una estética musical en función de un estímulo poderoso
que surgió de su propia experiencia: son los hechos los que encuentran<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>sus propios modos de expresarse. La música
engloba a aquello que está más allá de ella pero que no es ajeno, involucra el
manejo de la orquesta y de la voz pero desde la necesidad de actuar.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">Colofón<o:p></o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">En lo que hace a
su actividad como conductor, ha dirigido para la Ópera de Inglaterra (Londres);
Teatro Colón de Buenos Aires; Festival de Aldemburgh; Ópera de San Francisco.
Asimismo, ha estado al frente de la Orquesta del Norte de Holanda, del Noroeste
de Alemania y muchas otras, en Europa y Estados Unidos.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">Como compositor,
ha recibido premios internacionales en Corea, Estados Unidos, Argentina y
Francia.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">Ha realizado
numerosas grabaciones discográficas, incluida la selección como “Grabación del
mes” de la revista Gramophone y grabación destacada de Classic FM por su CD con
música de Wolfgang Amadeus Mozart. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">Entre otros
registros se cuenta el editado por Centaur Records, 2021, con obras de Varese,
Baldini, Ligueti y Lutoswasky, dirigiendo la Orquesta de la Radio de Munich,
que han sido elogiados por la crítica especializada.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">La música es un
mundo<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>que nunca puede ser conocido en su
totalidad y cuyas posibilidades son múltiples, en ese camino valen todas las
ideas que provengan de una profunda convicción y sabiduría. Ese quizás sea el
mensaje final. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES">Eduardo Balestena<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span face=""Arial","sans-serif"" lang="ES"><o:p><a class="oajrlxb2 g5ia77u1 qu0x051f esr5mh6w e9989ue4 r7d6kgcz rq0escxv nhd2j8a9 nc684nl6 p7hjln8o kvgmc6g5 cxmmr5t8 oygrvhab hcukyx3x jb3vyjys rz4wbd8a qt6c0cv9 a8nywdso i1ao9s8h esuyzwwr f1sip0of lzcic4wl gpro0wi8 py34i1dx" href="https://l.facebook.com/l.php?u=https%3A%2F%2Fvimeo.com%2F401045168%2F1a02a6ae58%3Ffbclid%3DIwAR0MZg89KNjTwnqjMfE0zPpDg_aJg9yTxwlY4zsOpzdqx7iGdTAHyY7CdTU&h=AT1OZr_jstLTLghXDeQHIsd8ouM_tputkGfnvRr5OhDYQZUooyyJLNKLllz3egaHWoEGBUX_lfOLONmgQociMPeVYxIWbquGoNwD8bTP09FtgBAmusvT8dGR0SlIZ11w&__tn__=-UK-R&c[0]=AT1sMa4qzrIYssrlX9peF9NMWUfDUlmdaQY7k3rSvxeQiFM__-oTWYm5VxbetPHkI41LqQFtGE-QarPxDff5a7pBx4BrHNbOp78LHkoy61541DpoDIrqttCQOmuJPKYxJ6CWKwpAtqr-tTV5ekG0jIR-xzP_HbQfvAMK_LSEUlL7EfrPvVNZ6Q" rel="nofollow noopener" role="link" style="-webkit-tap-highlight-color: transparent; background-color: white; border-color: initial; border-style: initial; border-width: 0px; box-sizing: border-box; cursor: pointer; display: inline; font-family: "Segoe UI Historic", "Segoe UI", Helvetica, Arial, sans-serif; font-size: 15px; list-style: none; margin: 0px; outline: none; padding: 0px; text-align: left; touch-action: manipulation; white-space: pre-wrap;" tabindex="0" target="_blank">https://vimeo.com/401045168/1a02a6ae58</a> </o:p></span></p>Eduardo Balestenahttp://www.blogger.com/profile/14810769385516765999noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4498625297215069589.post-70346892166624855182022-07-20T09:23:00.003-03:002022-07-20T09:23:30.724-03:00Concierto de la Orquesta Sinfónica Nacional con Christian Baldini, Mónica Ferracani, Juan Pablo Jofré Romairón y Gustavo Mulé <p><span style="text-align: justify;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiKGtRW_GkGVTEVHEUti0XT44k5M6mH0d4LbsOPX7yERBeki_-aPcT8R0ge1O-eo1KlYWTLhP1SB0X43AtjTqZPM_dc_iMIZn_-uyJgiNhxgd6_iOUfAmn3DGznJEjN_IKGyFmtqtuAHba7nFBjEQxNrI86SGpv_pnflU5vw7-vUqp3rHl8qioGrzV29g/s1050/15-07-2022%20Orquesta%20Sinf%C3%B3nica%20Nacional%20-%20Fotos%20Fede%20Kaplun-10.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="700" data-original-width="1050" height="213" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiKGtRW_GkGVTEVHEUti0XT44k5M6mH0d4LbsOPX7yERBeki_-aPcT8R0ge1O-eo1KlYWTLhP1SB0X43AtjTqZPM_dc_iMIZn_-uyJgiNhxgd6_iOUfAmn3DGznJEjN_IKGyFmtqtuAHba7nFBjEQxNrI86SGpv_pnflU5vw7-vUqp3rHl8qioGrzV29g/s320/15-07-2022%20Orquesta%20Sinf%C3%B3nica%20Nacional%20-%20Fotos%20Fede%20Kaplun-10.jpg" width="320" /></a></div><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjh9g4DQ08qst87ChNKGz4PR6Q6c6GCmr7V7a8IdLmnkmkHYrrn2g8jsSOm5w14qdyFoHbeLSgk7d5Dp7A4ojcSHcjSagWmYi54r1ECQAicu6DBGowRMZu5EA7ge1MYw5_UXTlyHn8tWcjzr9-qolZaztz3TrT4-hDw309Wxib3vOPVHiHKtPkZJnknEg/s1050/15-07-2022%20Orquesta%20Sinf%C3%B3nica%20Nacional%20-%20Fotos%20Fede%20Kaplun-20%20(3)%20Jofre%20Mule.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="700" data-original-width="1050" height="213" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjh9g4DQ08qst87ChNKGz4PR6Q6c6GCmr7V7a8IdLmnkmkHYrrn2g8jsSOm5w14qdyFoHbeLSgk7d5Dp7A4ojcSHcjSagWmYi54r1ECQAicu6DBGowRMZu5EA7ge1MYw5_UXTlyHn8tWcjzr9-qolZaztz3TrT4-hDw309Wxib3vOPVHiHKtPkZJnknEg/s320/15-07-2022%20Orquesta%20Sinf%C3%B3nica%20Nacional%20-%20Fotos%20Fede%20Kaplun-20%20(3)%20Jofre%20Mule.jpg" width="320" /></a></div><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEggXd6k1PBTrl98KLNUymhLfrO9VWzxaBLWA8grcEIS-Gczlc8-NPeWNat8Mt518I2VS4gRwvxZE4R_r_tQ512UNEFOj463eiZyXREDCXmEfL0pPdc2qRhyRym3-OPrwGwxG8xXmZQZkPiQlZ-OAJ1lxkTgDF2yyTMuM1_DJDWthNYHxCy8nYeVNX6d6w/s1050/15-07-2022%20Orquesta%20Sinf%C3%B3nica%20Nacional%20-%20Fotos%20Fede%20Kaplun-51%20(4)%20Ferracani.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="700" data-original-width="1050" height="213" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEggXd6k1PBTrl98KLNUymhLfrO9VWzxaBLWA8grcEIS-Gczlc8-NPeWNat8Mt518I2VS4gRwvxZE4R_r_tQ512UNEFOj463eiZyXREDCXmEfL0pPdc2qRhyRym3-OPrwGwxG8xXmZQZkPiQlZ-OAJ1lxkTgDF2yyTMuM1_DJDWthNYHxCy8nYeVNX6d6w/s320/15-07-2022%20Orquesta%20Sinf%C3%B3nica%20Nacional%20-%20Fotos%20Fede%20Kaplun-51%20(4)%20Ferracani.jpg" width="320" /></a></div>Fotos: Federico Kaplun.<br /> <p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES">.Orquesta Sinfónica
Nacional<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES">.Director: Christian
Baldini<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES">.Solistas: Mónica
Ferracani, soprano; Juan Pablo Jofré Romairón, bandoneón; Gustavo Mulé, Violín.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES">.Sala La ballena
Azul, Centro Cultural Kirchner, 15 de julio, hora 20.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>La Orquesta Sinfónica Nacional, bajo
la dirección del maestro Christian Baldini, abordó un programa íntegramente
dedicado a música argentina, coetánea y contemporánea.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES">Estrenada
en Sacramento, California y en primera audición en la Argentina, concebida para
orquesta de cuerdas,<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"> Ángel apasionado</b>,
de <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Marta Lambertini -</b>2006<b style="mso-bidi-font-weight: normal;">- </b>fue la primera de las obras del
programa.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES">Descansa
sobre una idea muy claramente expuesta en el reportaje que Christian Baldini
hiciera a la autora en la oportunidad de aquel estreno, la obra, inspirada en
el <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Cuarteto nro. 17, K.458, la Caza, de
Wolfgang Amadeus Mozart</i>: por debajo de los elementos más perceptibles del
cuarteto –“de su superficie amable” dice la compositora- hay, latente, una
profundidad a explorar.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES">La
estética de la que se vale está muy lejos del lenguaje mozartiano: largos
fragmentos en pianísimo a lo largo de toda la cuerda, con una textura por
momentos disonante, plantean un permanente clima de inquietud e indefinición:
la música es lo que se escucha y lo que se sugiere en una atmósfera reflexiva y
alusiva, en la cual la obra original aparece difuminada en un panorama sonoro
muy diferente al de su texto musical.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES">Marta
Lambertini (1937-2019) fue una reconocida compositora y docente, cuya extensa
producción incluye música de cámara (como el cuarteto <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Quasares</i>, óperas, como <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Alicia
en el país de las maravillas</i> y <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Oh
eternidad</i>, así como obras orquestales, como <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Galileo descubre las cuatro lunas de júpiter</i>, fue Miembro de la
Academia nacional de Bellas Artes.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES">Una
creación y una escritura actual se nutren del potencial de un opus clásico, de
las impresiones que genera y de la posibilidades de expresar a partir de ese
opus algo que éste contenía y que, al mismo tiempo, iba más allá de él. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES">El
<b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Concierto nro. 1 para bandoneón, violín
y orquesta</b>, de <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Juan Pablo Jofré
Romairón </b>fue estrenado en esta oportunidad.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES">Por
momentos evocador de <i style="mso-bidi-font-style: normal;">concerto grosso </i>barroco,
por momentos afín a texturas vanguardistas –como el solo de violín que abre el
tercer movimiento-, el concierto es una obra rica y elaborada, que da idea de
una permanente improvisación a partir de motivos. No hay líneas melódicas
extensas ni cerradas sino motivos que pasan de un instrumento a otro: al
comienzo por ejemplo, el bandoneón hace una introducción y el violín toma parte
de ese material pero lo expande, haciéndolo una suerte de entrada para el resto
de la obra. Más que exposición o<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>re
exposición parece tratarse de episodios que se suceden, con comienzo,
desarrollo y fin, luego del cual aparece una secuencia nueva: ésta es
básicamente la forma, término que, en este contexto, se vuelve secundario:
importa el material en sí mismo y no que pertenezca a determinada forma.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES">La
relación con la orquesta también es múltiple: en algunos lugares ésta se
imbrica con los instrumentos solistas en secciones de fuga y en otros subraya,
crea climas. Es una obra muy precisa porque está dada –básicamente- en
intervenciones rápidas, acentuadas, con el aporte de la percusión y las
restantes secciones de la orquesta.<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>Virtuosa
en los instrumentos solistas lo es también en la textura orquestal.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES">Se
plantea además la frontera entre los géneros que trae a la memoria la frase del
maestro Washington Castro: “la música es simplemente buena o mala”, es decir,
su cualidad y posibilidades no dependen de que pertenezcan a un género o a
otro. Evocativo del tango, el concierto lo involucra en otros lenguajes. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES">En
suma, muestra el potencial sonoro de un instrumento –el bandoneón- y su
vinculación con texturas diferentes a las habituales para él, con el otro
instrumento solista y la orquesta.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES">Juan
Pablo Jofré Romairón es sanjuanino, estudió en la Universidad<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>Nacional de San Juan con Adriana Fernández,
armonía con Horacio Lavaise y análisis musical y canto con Rafael Fernández y
Antonieta Chiappini. Comenzó a tocar el bandoneón en forma autodidacta y
tomando clases con David Molina y de composición con Adrian Rusovich. Fue el
comienzo de una extensa carrera internacional como compositor e intérprete.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES">Gustavo
Mulé, nacido en Tucumán, es uno de los primeros violines de la Orquesta
Sinfónica Nacional. Inició sus estudios en el Conservatorio Provincial de su
ciudad natal para luego perfeccionarse con Szymsia Bajour, Fernando Hasaj y
Daniel Robuschi entre otros. Ha llevado a cabo una extensa carrera como
integrante de distintas orquestas y del Cuarteto Amigos.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES">En
la oportunidad abordó una obra de gran exigencia técnica y expresiva para el
instrumento.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span lang="ES"><span style="mso-spacerun: yes;"> </span></span></i><span lang="ES">La <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Sinfonía Don Rodrigo, opus 31ª</b>, de <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Alberto Ginastera <span style="mso-spacerun: yes;"> </span></b>-que no era interpretada desde 1983- ocupó<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"> </b>la segunda parte del concierto.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES">Este
opus está pensado por el autor como una reelaboración de partes de su ópera Don
Rodrigo, con libreto de Alejandro Casona. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES">Este
postulado –el de concebir una suerte de sinfonía dramática- plantea desde el
comienzo la función narrativa/connotativa de la música: los hechos están dados <span style="mso-spacerun: yes;"> </span>por la injuria sufrida por Florinda, hija Don
Julián, gobernador de Ceuta, por parte de Don Rodrigo, rey de España y la
venganza consiguiente.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES">El
desarrollo consta de tres movimientos en cuyo curso, más que una descripción
musical de los hechos, asistimos a una sucesión de climas vinculados a la línea
de canto de la soprano que va refiriendo los sucesos y, más que nada,
reflejando sus sentimientos. Más que una línea definida de canto se trata de
una suerte de recitado que, en determinados momentos, se hace canto, lo que
demanda de la intérprete ya inflexiones graves y desgarradas o una línea que
renuncia a la melodía en favor de la intensidad y del sentido de la letra; ello
en una <span style="mso-spacerun: yes;"> </span>emisión siempre potente y capaz
de abrirse paso ante un nutrido dispositivo orquestal. Mónica Feccarani mostró,
de este modo, la potencia y belleza de su voz.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES">Se
trata así de una obra muy intensa, intensidad construida en gran parte por las
disonancias, la percusión, los timbres orquestales y el volumen: casi siempre
la sinfonía está articulada en un volumen fuerte, no hay prácticamente lugares
que disipen su tensión, lo que hace que ésta sea acumulativa. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES">La
amplitud en las baterías de percusión que requiere es un ejemplo de ello:
timbales, tam tan, campanas y otros instrumentos percusivos. No hay una línea
melódica ni una alternancia entre las secciones: más que discurrir el material
coexiste y forma un todo compacto.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES">En
la conclusión, cuatro juegos de campanas fueron situados en los dos niveles
superiores del final de la sala, dos por piso, lo que produjo, en el momento conclusivo
de redención, un efecto abarcador, expandiendo el ámbito sonoro desde el
escenario a la parte superior de la sala.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES">Mónica
Ferracani, es profesora de piano y egresada de la carrera de Canto Lírico del
Instituto Superior de Arte del Teatro Colón, donde se desempeñó <span style="mso-spacerun: yes;"> </span>como maestra de técnica vocal. Fue laureada en
concursos internacionales, como el Luciano Pavarotti Traviata, en 2000 y
participado en una extensa lista de óperas, en el país y el exterior.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES">Director
de orquesta y compositor, Christian Baldini estudió dirección orquestal y
composición en la UCA y luego de concluir su maestría y doctorado en las
universidades de Pensilvania y Nueva York fue elegido, entre 91 participantes
de todo el mundo en el Concurso Internacional para Directores de Orquesta de
Salzburgo. Ha hecho desde entonces una destacada carrera internacional como
director y compositor en Europa y Estados Unidos.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>En obras formalmente muy demandantes
la orquesta mostró un sonido elaborado, preciso y sus secciones tuvieron gran
ludimiento. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES">El
programa evidenció el valor del patrimonio musical argentino y fue en sí mismo,
una oportunidad de hacerlo llegar al público: se trata de obras poco o nada
frecuentadas,<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>y la posibilidad de
acceder a ellas es algo altamente auspicioso.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES">Una
vez más cabe agradecer la gentileza del personal de la Dirección Nacional de Organismos
Estables del CCK.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES"><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES"><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span></span></p>
<p class="MsoQuote" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-style: normal; mso-bidi-font-style: italic;">Eduardo Balestena<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoQuote" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif"; font-style: normal; mso-bidi-font-style: italic;"><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoQuote" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif"; font-style: normal; mso-bidi-font-style: italic;"><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoQuote" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif"; font-style: normal; mso-bidi-font-style: italic;"><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";"><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";"><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";"><o:p> </o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";"><o:p> </o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";"><o:p> </o:p></span></p>Eduardo Balestenahttp://www.blogger.com/profile/14810769385516765999noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4498625297215069589.post-8066456818956846832022-07-11T09:27:00.004-03:002022-07-11T09:27:41.303-03:00Gala de Juventus Lyrica. Reapertura del Teatro Avenida<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span style="font-family: Garamond, "serif";"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjsk0QsKB5eFzhUJ49oUuXxM-C-M1AxcX5CG7YE3RzgZQfWHEqhPx-FDx8r7EP6nI5n-ErvxxmVgW2JFDC3uZQOCdyOcmWEGVHSR8iN8-yuRKCN-w9MVNfjYnH8ZWpxah6W7nPkuewQNP6s3IghMY6KYAC1o9hLigyJtIBxP7HCVvP5bxRaOx6FHJTxDg/s2048/Gala%20Juventus%203%20de%20julio.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2048" data-original-width="1536" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjsk0QsKB5eFzhUJ49oUuXxM-C-M1AxcX5CG7YE3RzgZQfWHEqhPx-FDx8r7EP6nI5n-ErvxxmVgW2JFDC3uZQOCdyOcmWEGVHSR8iN8-yuRKCN-w9MVNfjYnH8ZWpxah6W7nPkuewQNP6s3IghMY6KYAC1o9hLigyJtIBxP7HCVvP5bxRaOx6FHJTxDg/s320/Gala%20Juventus%203%20de%20julio.jpg" width="240" /></a></div><br />Elenco, Orquesta y Coro de
Juventus Lyrica, dirigidos por Hermán Sánchez Arteaga y Hernán Schvartzman<p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif"; mso-bidi-font-family: Arial;">.Dirección de escénica: Ana
D´anna y María Jaunarena.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif"; mso-bidi-font-family: Arial;">.Iluminación: Gonzalo Córdova.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif"; mso-bidi-font-family: Arial;">.Vestuario: María Jaunarena<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif"; mso-bidi-font-family: Arial;">.Maquillaje y Peinado Silvana
Caruso<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif"; mso-bidi-font-family: Arial;">.Teatro Avenida, Buenos Aires, 3
de julio.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif"; mso-bidi-font-family: Arial;"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif"; mso-bidi-font-family: Arial;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif"; mso-bidi-font-family: Arial;">En una Gala
Lírica dedicada al maestro Antonio María Russo, uno de los propulsores
iniciales de Juventus Lyrica, a la cual le dio el nombre, la entidad volvió a
su labor artística presencial en la destacable y cuidada presentación que marcó
además la reapertura de la actividad operística en el Teatro Avenida. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif"; mso-bidi-font-family: Arial;">“De la
cuarentena salgo cantando” fue el lema de Juventus Lyrica para su programa de
formación a distancia en tiempos de aislamiento; un término que en sí mismo
opone a la adversidad el poder de la creación y del trabajo que conlleva, una
de las pocas estrategias válidas para hacer frente a tiempos de oscuridad e
incertidumbre.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif"; mso-bidi-font-family: Arial;">“En 2022
tenemos por delante el desafío de zurcir e intentar reparar el tejido roto que
nos dejó la pandemia… ese es el terreno al que debemos una mirada esperanzada y
en el que debemos sembrar los brotes para que vuelva a germinar” señalan Ana
D´anna y María Jaunarena en la introducción del programa de mano de la Gala.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif"; mso-bidi-font-family: Arial;">Es dable
citarlo porque la presentación –que lo es además de nuevos cantantes surgidos
precisamente en la actividad en tiempos de encierro físico- estuvo marcada por
la espontaneidad y la gracia: las hebras de un tejido roto se recomponen por la
esperanza y la imaginación.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif"; mso-bidi-font-family: Arial;"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif"; mso-bidi-font-family: Arial;">El repertorio<o:p></o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif"; mso-bidi-font-family: Arial;">En un extenso
arco que va desde <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Laschia ch´io pianga</b>,
de <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Rinaldo</i>, de Haendel, a <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Wie die Weiber, </b>de<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"> </b><i style="mso-bidi-font-style: normal;">La viuda alegre</i> de Lehar
o <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Bruderline</b>, de <i style="mso-bidi-font-style: normal;">El Murciélago</i>, de J. Strauss hijo, el
repertorio incluyó momentos entrañables de la ópera, como <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">La canción del Toreador, </b>de Carmen, de Bizet o <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Un di se bem rammentomi, </b>el bellísimo cuarteto de <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Rigoletto</i>, de Verdi, o <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Hélas mon coeur s´egare encore</b>, de <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Los Cuentos de Hoffman</i>, de J. Offenbach,
por citar algunas de las 30 partes que integraron el programa, en una elección
que descansa en la belleza melódica, el lucimiento de los cantantes y la
centralidad en el género de los fragmentos escogidos.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif"; mso-bidi-font-family: Arial;">Ello demanda
un esfuerzo de versatilidad tanto de los cantantes como de la orquesta, que
pasa de los sombríos acordes del final de Carmen a la opereta de Strauss.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif"; mso-bidi-font-family: Arial;"><o:p> </o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif"; mso-bidi-font-family: Arial;">El manejo escénico<o:p></o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif"; mso-bidi-font-family: Arial;">Ya desde la
entrada el <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Dueto de las flores</b>, de <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Lakmé</i>, de Delibes o <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Voi che sapete</b>, de <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Las bodas
de Fígaro</i>, de Mozart, daban la bienvenida a los espectadores,
introduciéndonos así a un manejo inventivo de la escena.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif"; mso-bidi-font-family: Arial;">El dominio de
dicha escena fue uno de los elementos más notorios de esta actitud de oponer la
alegría a la adversidad y se evidenció de varias maneras: una de ellas fue que
cada cantante tuvo un gran dominio actoral, en su gestualidad y desplazamientos;
otra de <span style="mso-spacerun: yes;"> </span>las soluciones fue integrar la
platea a la actuación: en <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Com´e gentile,
</b>de <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Don Pasquale</i>, de Donizetti, el
tenor Patricio Oliveira se introduce a a la escena dando su serenata mientras
camina por el pasillo que separa las filas de butacas y el maestro Sánchez
Arteaga lo acompaña en guitarra. En otro momento Laura Penchi, como Musetta, al
cantar el famoso vals saca a bailar a un espectador o, en el bellísimo coro <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Zitti, zitti</b>, de <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Rigoleto </i>los cantantes que representan a los cortesanos, en lugar
de raptar a Gilda se llevan del escenario al maestro Sánchez Arteaga. Ataviadas
con vestidos cuyo vuelo recuerda a las alas de los murciélagos, la Reina de la
noche y las damas que la secundan asustan a un Papageno ávido de estar en la
escena.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif"; mso-bidi-font-family: Arial;">Sería muy
extenso enumerar cada uno de estos episodios que requieren una gran precisión
para ser ejecutados en el escenario.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif"; mso-bidi-font-family: Arial;"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif"; mso-bidi-font-family: Arial;">Las voces<o:p></o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif"; mso-bidi-font-family: Arial;">Nuevas voces
fueron integradas en una misma representación con otras ya reconocidas, como
Rocío Arbizu, Monserrat Maldonado o Laura Penchi (dicho esto a título
ejemplificativo y sin ánimo de incurrir en omisiones). Marcelo Gómez compuso a
dos personajes torturados, como lo son Don José, en <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">C´est toi, c´est moi</b>, de <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Carmen</i>,
de Bizet y Canio en <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Vesti la giuba</b><i style="mso-bidi-font-style: normal;">,</i> de <i style="mso-bidi-font-style: normal;">I
Pagliacci</i> de Leoncavallo. Constanza Díaz Falú, Laura Penchi y Carolina
Gómez destacaron por igual alternándose pasajes de <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Der hölle rache</b>, de <i style="mso-bidi-font-style: normal;">La Flauta
Mágica,</i> de Mozart. Gabriel Carasso fue nuevamente Papageno en <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Ein madchen oder weibchen</b>, de <i style="mso-bidi-font-style: normal;">La Flauta Mágica</i>, con la misma gracia
con la cual interpretó el papel en 2019. Ivana Ledesma, Estefanía Cap, Ernesto
Bauer y Pablo Urban abordaron el cuarteto <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Un
di se bem rammentomi</b>, de <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Rigoletto</i>
en las bellísimas líneas de canto de un fragmento que alterna el juego de dos
planos y situaciones diferentes, de uno y el otro lado de un imaginario muro.
Carolina Gómez mostró la belleza de su voz en la <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Canción de la luna</b>, de <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Rusalka</i>,
de Dvorak, así como Monserrat Maldonado en <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Casta
Diva</b>, de <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Norma</i>, de Bellini. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif"; mso-bidi-font-family: Arial;">Hubo muchos
momentos así a lo largo de la presentación y no sería posible enumerarlos a
todos.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif"; mso-bidi-font-family: Arial;"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif"; mso-bidi-font-family: Arial;">La orquesta<o:p></o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif"; mso-bidi-font-family: Arial;">La función
orquestal fue llevada a cabo por un ensamble de dos violines, viola, cello,
contrabajo; flautas, oboes, cornos, fagotes, y piano.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif"; mso-bidi-font-family: Arial;">Que estuviera
formada con músicos tan destacados como Amalia del Giudice (clarinete); Martcho
Mavrov o Soldar Geldymuradov (concertino), así como otros, <span style="mso-spacerun: yes;"> </span>habla de su nivel.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif"; mso-bidi-font-family: Arial;">El piano (Tamara
Benítez) por momentos llevó la línea melódica y en otros reforzó los armónicos
en los bajos orquestales y pocas veces delató su presencia. La orquesta fue
siempre un todo.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif"; mso-bidi-font-family: Arial;">En texturas
como la del canto, basta, por ejemplo en <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Casta
Diva</b>, el solo de flauta que secunda a la voz solista y las maderas que la
acompañan. El repertorio, salvo en el final de <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Carmen</b>, no requería una acumulación sonora ni un esplendor tímbrico
sino el sonido neto y preciso y así trabajó a lo largo de toda la extensa
presentación. Un ejemplo fue <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Venez amis</b>,
de <i style="mso-bidi-font-style: normal;">El Conde Ory</i>, de Rossini, que
cerró la primera parte: una figura binaria de forte/suave se alterna y crece y
sobre ella se apoyan las voces, en un diseño también sencillo pero muy efectivo
que va, como es típico en el compositor, <i style="mso-bidi-font-style: normal;">in
crescendo </i>en la intensidad y la rapidez y se sucede, con precisión
matemática, a lo largo de todo el número. La belleza del fragmento pone en un
segundo plano el virtuosismo que demanda.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif"; mso-bidi-font-family: Arial;"><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif"; mso-bidi-font-family: Arial;">Vestuario e Iluminación<o:p></o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif"; mso-bidi-font-family: Arial;">Cuidados al
extremo, vestuario e iluminación –lo mismo puede decirse de maquillajes y
peinados-, junto con los movimientos escénicos, en su aparente espontaneidad, meticulosos
al detalle, no sólo construyen una atmósfera sino que son el soporte físico en
los que música y voces encuentran escenario capaz de realzarlas.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif"; mso-bidi-font-family: Arial;">La ópera es
una presencia, algo que rompe la realidad cotidiana y marca una diferencia y de
eso se trata.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif"; mso-bidi-font-family: Arial;"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif"; mso-bidi-font-family: Arial;"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif"; mso-bidi-font-family: Arial;">Una nueva etapa<o:p></o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif"; mso-bidi-font-family: Arial;">En el texto
del programa de mano Juventus Lyrica expone su amplio programa de actividades,
tanto en las provincias argentinas que articulan con el sistema como en los
países enlazados con éste. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif"; mso-bidi-font-family: Arial;">Con el apoyo
de la Fundación Williams y otras instituciones ha llevado a cabo esta intensa
actividad, otorgando becas para clínicas y talleres de técnica vocal.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif"; mso-bidi-font-family: Arial;">“Nunca
bajamos los brazos, porque desde nuestro acotado espacio como organización sin
fines de lucro, sabemos que nosotros también hacemos política cultural,
permitiendo que cada año cientos de chicos tomen contacto con la música clásica
por primera vez y que cientos de cantantes se inicien en la difícil carrera del
canto lírico, convencidos de que el arte es mucho más que entretenimiento”,
señalan.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif"; mso-bidi-font-family: Arial;">La que
vivimos fue la fiesta que coronó tales ideas y tal actividad y el mensaje es
que el trabajo y el talento pueden dar frutos aun en tiempos de oscuridad.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif"; mso-bidi-font-family: Arial;"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif"; mso-bidi-font-family: Arial;"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif"; mso-bidi-font-family: Arial;">Eduardo Balestena<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif"; mso-bidi-font-family: Arial;"><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></span></p>Eduardo Balestenahttp://www.blogger.com/profile/14810769385516765999noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4498625297215069589.post-50633668984392388802022-06-06T16:34:00.000-03:002022-06-06T16:34:26.322-03:00Situación de la Orquesta Sinfónica Municipal<p><br /></p><p><span></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgs-rYO4h_t7e9FNADW8kNSt2JphIUQM3eLkR1jt7uegadoPwLYaRs4-FwdVddGYgi2-_VerVAU1es7yTRIwVUXsSmXycwvFKtrtalwbUfYF2HFmd8dNrz5IluxB0ELPMRnlLOfGKE-cLWvZpm-If1jIDOsxgz_G6bjsy8x24UHD4VUZdGf6-v9hab-nQ/s1024/Orquesta-Sinf%C3%B3nica-Municipal-1024x428.webp" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="428" data-original-width="1024" height="134" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgs-rYO4h_t7e9FNADW8kNSt2JphIUQM3eLkR1jt7uegadoPwLYaRs4-FwdVddGYgi2-_VerVAU1es7yTRIwVUXsSmXycwvFKtrtalwbUfYF2HFmd8dNrz5IluxB0ELPMRnlLOfGKE-cLWvZpm-If1jIDOsxgz_G6bjsy8x24UHD4VUZdGf6-v9hab-nQ/s320/Orquesta-Sinf%C3%B3nica-Municipal-1024x428.webp" width="320" /></a></div><br /> <p></p><p><span> </span>La Orquesta Sinfónica Municipal de Mar del Plata es uno de los organismos musicales más antiguos del interior del país. Fue formada inicialmente por los profesores de la Asociación Gremial de Músicos y brindó su primer concierto en el Teatro Odeón el 22 de noviembre de 1945.</p><p><br /></p><p>Mucho tiempo ha transcurrido desde entonces.</p><p><br /></p><p>Tuvo su momento de esplendor bajo la dirección del maestro Washington Castro, cuando llegó a contar con unos 90 músicos y era posible abordar cualquier repertorio. Luego de eso comenzó a sufrir un largo y sostenido declive que la lleva hoy a no poder presentarse por carecer del orgánico mínimo indispensable para abordar el repertorio sinfónico.</p><p><br /></p><p>Sin embargo, no son sólo esos los problemas que debe padecer, que son referidos a la gestión de los Organismos Artísticos y edilicios.</p><p><br /></p><p><b>Un orgánico insuficiente</b></p><p><br /></p><p>El problema central radica en la falta de cobertura de las plazas que se producen por las vacantes vegetativas: no son cubiertos los cargos del personal que se retira por acogerse a los beneficios de la jubilación.</p><p><br /></p><p>En lugar de programarlos antes de producirse la baja directamente no son llevados a cabo y las carencias son cada vez mayores, ya el problema se acentúa a medida que transcurre el tiempo por presentarse más vacantes.</p><p><br /></p><p>Hubo dos etapas de concursos: bajo la gestión de la maestra Susana Frangi, con Mauricio Espil en un cargo de gestión de Organismos Artísticos y en la gestión del intendente Arroyo, con una sustancial demora en la producción de los nombramientos. Al año siguiente hubo numerosas vacantes por jubilación, con lo cual el avance fue relativo.</p><p><br /></p><p>Pongamos como ejemplo que durante el período en que el maestro Carlos Vieu era director titular el orgánico de la orquesta era de 49 miembros, con lo cual debían hacerse contrataciones para completar el resto de la dotación según el repertorio a abordar.</p><p><br /></p><p>Hoy, los cargos faltantes de la orquesta son al menos 16: violín concertino, primer violín de fila, primer violín de fila, segundo violín de fila, viola de fila, contrabajo solista, contrabajo de fila, cello solista, cello de fila, flauta solista, oboe suplente solista, clarinete suplente solista, tercera trompeta, segundo corno, timbal solista, timbal suplente solista.</p><p><br /></p><p>A ello debemos agregar que en 5 años se jubilarán otros 10 músicos.</p><p><br /></p><p>Hagamos una simple operación aritmética y dos preguntas: restemos 16 a 49 y a la cifra resultante restémosle 10 más a largo plazo. ¿Qué obra sinfónica se puede abordar con una formación tan reducida? Luego viene la pregunta central: ¿Qué se hizo de esos cargos que eran de la dotación de la orquesta?</p><p><br /></p><p>En este escenario, la inferencia que cobra fuerza es que, directa o indirectamente, se pretende, o al menos se acepta, la disolución de una orquesta que tanto costó formar y que tanto nos ha dado a lo largo de sus setenta y siete años de vida.</p><p><br /></p><p>Con respecto a los cargos faltantes, fue firmada un acta acuerdo en la que la Secretaría de Cultura se comprometió a llamar a concurso a 3 cargos en marzo (lo cual no se cumplió), 3 en julio y 3 en septiembre y 8 el año próximo.</p><p><br /></p><p>Aun si el cronograma de cumpliera resulta insuficiente para subsanar el faltante y llevar a la orquesta a una dotación adecuada ya que los cargos son muchos más. Nuevamente se impone la pregunta: ¿Por qué no pueden suplirse con contrataciones directas (como sucedió en la Sinfónica Nacional), previo concurso, si eran cargos que la orquesta ya tenía desde antes? </p><p><br /></p><p><b>Una gestión limitada</b></p><p><br /></p><p>Otro de los problemas es que el organismo, cuya directora, la maestra María Laura Muñiz, no vive en Mar del Plata, carece actualmente de injerencia en el nombramiento de los directores, que son contratados por 3 meses.</p><p><br /></p><p>Asimismo, no ha sido cubierto por concurso el cargo de encargado de Organismos Artísticos y, como otros, las funciones inherentes a tal cargo son parcialmente llevadas a cabo por una persona con uso de firma pero sin poder de decisión.</p><p><br /></p><p><b>Los problemas edilicios</b></p><p><br /></p><p>La orquesta desarrolla (o desarrollaba) su actividad en el Teatro Colón, cuyas condiciones edilicias no cubren niveles mínimos para cumplir con la tarea: no hay calefacción y –al menos hasta un tiempo atrás- las condiciones de la instalación eléctrica implicaban una situación de riesgo de una magnitud que significaría que –muy probablemente- una ART no aprobaría tales condiciones.</p><p><br /></p><p><b>Un patrimonio en peligro</b></p><p><br /></p><p>Si nos remontamos no muy atrás en el tiempo, la orquesta venía desarrollando, con todas estas limitaciones, una actividad sostenida con solistas invitados o del medio local (la presencia de Antonio Formaro, uno de los más distinguidos pianistas argentinos es un ejemplo). Con Mardel sinfónico se abrió un espacio de master clases por parte de solistas como Eduardo Vasallo –que interpretó el concierto de Elgar- o Rolando Prusak.</p><p><br /></p><p>Es esta actividad inmediata y aquella que fue llevada a cabo a lo largo de la historia de la orquesta lo que se encuentra en peligro porque en la línea del tiempo constituye en sí un patrimonio cultural marplatense de naturaleza intangible que debería ser preservado.</p><p><br /></p><p>Sería muy larga la lista de obras y solistas, nacionales internacionales y locales (como Adrián Cesario que abordó Homenaje a la Seguidilla, de Moreno Torroba), pero baste señalar que con dos conciertos mensuales la actividad era sostenida.</p><p><br /></p><p>Refieren miembros de la Asociación de Críticos Musicales de la Argentina haber venido infinidad de veces, exclusivamente para escuchar a la sinfónica de Mar del Plata, cuando actuaban artistas como Christine Walevska, Alberto Lysy, Bruno Gelber o el barítono francés Jean Philippe Lafont que en ese entonces comenzaba su carrera, cuando los conciertos de verano se singularizaban por los programas que se ofrecían. Recordemos que el maestro Mario Perusso dirigió en Concierto para Bandoneón , de Piazzolla, con el autor como solista</p><p><br /></p><p>No se ha sabido aprovechar a directores como Juan Martín Miceli o Javier Mas, que hoy lleva a cabo una destacada actividad en Italia. </p><p><br /></p><p>Son muchos los músicos talentosos que conforman nuestra orquesta y que, en su plenitud profesional, deben sufrir por todas estas circunstancias.</p><p><br /></p><p>Hay un nivel musical muy elevado en la ciudad y muchos jóvenes que podrían estar cubriendo los cargos vacantes y nutriéndose de la experiencia de los demás. Esta situación no solo significa un padecimiento para quienes están sino una imposibilidad de acceso a quienes podrían estar y la pregunta es ¿qué política cultural puede desear esto?</p><p><br /></p><p>Se renuevan las “gestiones” y los problemas subsisten ¿a qué se debe? Los hechos parecerían indicar que se debe a que quienes ocupan esos cargos lo hacen con un propósito personal y no con el de trabajar por la cultura.</p><p><br /></p><p>Los hechos son los que conforman un significado en sí mismo y estos hechos indican que más que solucionar lo que sucede es que estamos, de manera alarmante, frente a un organismo en vías de extinción. </p><p><br /></p><p>En una oportunidad al finalizar un concierto el maestro Mario Perusso (que había actuado como director invitado) destacó el desempeño de la orquesta; al finalizar la presentación, se dio vuelta en el podio y dijo al público: “Ésta es su orquesta, cuídenla”</p><p><br /></p><p>Es lamentable que las autoridades de cultura, las verdaderas destinatarias de la expresión de deseos del maestro Perusso, no lo hayan escuchado. </p><p><br /></p><p>Eduardo Balestena</p><p><br /></p><p>Asociación de Críticos Musicales de la Argentina</p>Eduardo Balestenahttp://www.blogger.com/profile/14810769385516765999noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4498625297215069589.post-44719379047735174182022-06-03T17:37:00.000-03:002022-06-03T17:37:56.026-03:00<p> </p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span lang="ES">Concierto de la Orquesta Sinfónica Nacional con Lucía
Zicos y Daniela Tabernig<o:p></o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES"><o:p> </o:p></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhfwRW4RaEOknnXw2LCNJZySVYU-MXTiCAHN0Zp12ZoJLXUTbRj0e-QrwLv47BktSr2jrs0t5faQ65UFhsMPaDDVXuhGQBaJuUsiqXohJOIZzR82SMLv2Ifh-wyhK064VYQfH1dNsoUda0KHaZWH09GGd1I6jkU6mJJoMl8BXk2Y6qnFBd6U9quJiuD4A/s3000/DSC_9147.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2000" data-original-width="3000" height="213" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhfwRW4RaEOknnXw2LCNJZySVYU-MXTiCAHN0Zp12ZoJLXUTbRj0e-QrwLv47BktSr2jrs0t5faQ65UFhsMPaDDVXuhGQBaJuUsiqXohJOIZzR82SMLv2Ifh-wyhK064VYQfH1dNsoUda0KHaZWH09GGd1I6jkU6mJJoMl8BXk2Y6qnFBd6U9quJiuD4A/s320/DSC_9147.jpg" width="320" /></a></div><span> </span><span> </span><span> </span><span> </span><span> </span><span> </span><span> </span><span> </span><span> </span><span> </span><span> Foto: Georgina García</span><br /><p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES">.Orquesta Sinfónica
Nacional<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES">.Directora: Lucía
Zicos<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES">.Solista: Daniela
Tabernig, soprano<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES">.Sala La ballena
Azul, Centro Cultural Kirchner, 27 de mayo, hora 20.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES"><span> </span>La maestra Lucía Zicos, de amplia y
reconocida trayectoria, abordó un exigente programa con la Orquesta Sinfónica
Nacional, en la primera oportunidad en que dirige ese organismo.</span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="text-indent: 35.4pt;"><span> </span>El
</span><b style="text-indent: 35.4pt;">Poema de los mares del sud</b><span style="text-indent: 35.4pt;">, de </span><b style="text-indent: 35.4pt;">Alberto Williams</b><span style="text-indent: 35.4pt;"> (1862-1952) abrió el </span><span style="text-indent: 35.4pt;"> </span><span style="text-indent: 35.4pt;">programa. Se trata de un poema sinfónico
desarrollado en cuatro partes, que demanda un nutrido orgánico orquestal.
Comienza con un acorde en los fagotes y luego un extenso pedal en los
contrabajos ofrece la base para un amplio desarrollo de las cuerdas, que casi
siempre –en su representación sonora del mar- se dividen en secciones (violines
primeros y segundos abordan un elemento diferente al de violas y cellos, por
ejemplo), en lo que constituye una textura –en estas intervenciones muchas
veces cruzadas- nutrida y demandante. Son reconocibles aquellos pasajes suaves
de la cuerda en motivos diatónicos lentos (que dan la impresión de estar
escritos en una escala diferente) muchas veces presentes en la música
argentina.</span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span> </span>Sin ser de una factura impresionista
la obra –más cercana a los poemas sinfónicos de César Franck que al
impresionismo- presenta una imagen siempre cambiante y enigmática del mar.</p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span> </span>En suma, se trata de una obra con elementos
distintos en su seno, en una textura muy elaborada, que requieren una marcación
precisa.</p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span> </span>Afortunadamente fue posible acceder
a uno de los trabajos del amplio catálogo del maestro Williams, lo cual nos
permite redescubrirlo en un opus para nada frecuentado.</p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="text-indent: 35.4pt;"><span> </span>Los
</span><b style="text-indent: 35.4pt;">Cuatro últimos lieder</b><i style="text-indent: 35.4pt;"> </i><span style="text-indent: 35.4pt;">(</span><i style="text-indent: 35.4pt;">Vier
Letze Lieder</i><span style="text-indent: 35.4pt;">, 1948), de </span><b style="text-indent: 35.4pt;">Richard
Strauss</b><span style="text-indent: 35.4pt;"> (1864-1949) tienen un lugar especial y acaso único en la música:
para entrar al mundo que contienen debemos pensar en un Richard Strauss varado
en Suiza, con escasos recursos, sin poder actuar, ignorado por el público que
lo aclamó, destruido el mundo en que había vivido, y cuya única posibilidad de creación
era el escribir canciones. ¿Qué nos dicen esas canciones?: nos ofrecen, con un
sentido confesional, una sensación de tristeza, melancolía y al mismo tiempo de
enorme paz, la de alguien que al final de su vida encuentra un sentido capaz de
sobrellevar la adversidad.</span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="text-indent: 35.4pt;"><span> </span>¿Cómo
lo transmite?: por medio de poemas (los que corresponden a los tres primeros
lieder son de Hermann Hesse), el último de ellos, el de Joseph von Eichendorff
es absolutamente desgarrador (“Con penas y alegrías/ hemos caminado juntos/
descansemos ahora de nuestros viajes/ en el tranquilo valle”) abordados por una
voz capaz de transmitir </span><span style="text-indent: 35.4pt;"> </span><span style="text-indent: 35.4pt;">vehemencia, paz
y un interrogante; todo casi al mismo tiempo, y una orquesta que no sólo se
imbrica en el discurso lírico –el solo de violín por ejemplo en “Adormeciéndose”,
el segundo de los lied o el de corno en “Septiembre”, el segundo-,</span><span style="text-indent: 35.4pt;"> </span><span style="text-indent: 35.4pt;">sino que marca un fluir y al mismo tiempo
colores y amalgamas de sonidos que representan el estado subjetivo que el autor
logra plasmar por medio de estos recursos. Uno de ellos es el mismo que utiliza
en “Muerte y transfiguración” (la modulación ascendente luego de la presencia
–en el poema- o la mención -en el lied-, de la muerte ¿Será ésta quizás la
muerte? Última frase de la cantante, sucedida por un motivo abierto y una
sucesión de acordes en la orquesta que –sin resolverse en un elemento
definitivo- discurren hacia un final en el que la música simplemente se
extingue.</span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="text-indent: 35.4pt;"><span> </span>Va
de suyo que la demanda interpretativa es central: no es con una actitud
exterior ni con simple técnica como se pueden transmitir estas profundas sensaciones.
En este orden, adquiere centralidad la articulación –el sentido de continuidad-
la dinámica en la voz, con sus permanentes cambios de intensidades, y el tempo
que permita esa continuidad del discurso musical.</span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="text-indent: 35.4pt;"><span> </span>En
el canto se traduce en permanentes cambios de potencia y de alturas en el
registro, que requiere descender de pronto a la zona de los graves –lentos y profundos-
con un espesor distinto al sintagma anterior, en un registro medio o agudo,
pero que requiere una cerrada continuidad con él.</span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="text-indent: 35.4pt;"><span> </span>De
este modo, parece un discurso en el cual el intérprete es quien decide
intensidades y articulaciones que demandan ser abordadas a partir de lo
motívico ya que no parece posible enunciar tantos matices en la partitura.</span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="text-indent: 35.4pt;"><span> </span>La
diferencia de entre la versión de Daniela Tabernig (que sólo 72 horas antes
había abordado el papel de Tosca) con otras es precisamente ésta: canta los
cuatro lieder partir de una disposición interior respecto a las obras,
disposición a la cual su enorme técnica sirve acabadamente. Su caudal, potente,
sutil y de grandes matices y posibilidades se expresa desde una actitud
interior respecto a la obra, dueña como es, de un gran dominio de la escena que
testimonia su sobriedad además de la pureza y potencia de su canto.</span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES"><b><span> </span>Konzertmusik</b>, (opus 50) de <b>Paul Hindemith</b> (1895-1963) Pola Suárez
Urtubey señalaba (</span><span lang="ES">Historia de la música</span><span lang="ES">, Cap. 67
“Hindemith, el artesano por antonomasia”, Edit. Claridad., pág. 329, 2004) el
doble carácter de música iconoclasta, de rechazo y reacción a lo subjetivo y al
mismo tiempo nutrida de la herencia musical alemana, particularmente de Bach.
Se produce así, en este cruce, una torsión entre las estructuras del barroco
tardío y la disonancia y renuncia a la melodía propia de una vanguardia.</span></p><p class="MsoQuote" style="text-align: justify;"><span style="text-indent: 35.4pt;"><span> </span>De este modo, bronces y
cuerdas coexisten como si fueran dos ensambles paralelos que se cruza en un
espacio: todo es exactitud, intervención puntual y no hay una melodía que sirva
de orientación en una obra de rigor matemático.</span></p><p class="MsoQuote" style="text-align: justify;"><span> </span>Es así, un opus virtuoso: la fuga
final, por ejemplo, que parece ser a cuatro voces ya que al hacerse extensiva
desde la cuerda a los bronces estos incorporan un elemento diferente en un
extenso desarrollo es uno de los elementos que testimonian ese virtuosismo.</p><p class="MsoQuote" style="text-align: justify;"><span style="text-indent: 35.4pt;"><span> </span>Lucía
Zicos, doctorada en música por la Universidad Católica Argentina; realizó
estudios en los conservatorios de Lucerna, Suiza; Academia Musical de Praga;
Alemania y Francia; fue seleccionada por Benjamin Zander para participar en sus
masterclases de la Royal Academy of Music y lleva a cabo una amplia actividad
musical. En la oportunidad abordó obras ausentes del repertorio habitual, de
gran requerimiento técnico y valor musical. Un doble mérito: rescatarlas y poder
interpretarlas como lo hizo ante uno de los organismos más importantes del
país.</span></p><p class="MsoQuote" style="text-align: justify;"><span style="text-indent: 35.4pt;"><span> </span>En
medio de tiempos inciertos y difíciles la música siempre está allí, dándonos su
mensaje y para que eso suceda es necesario que quienes se consagraron a ella
puedan traducir ese mensaje y ofrecérnoslo.</span></p><p class="MsoQuote" style="text-align: justify;"><span> </span>Una mención aparte merece la actitud
de las personas de la Dirección Nacional de Organismos Estables y de la sección
de prensa del CCK: su amabilidad, permanente predisposición, cortesía y entrega
a su quehacer.</p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoQuote" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-style: normal; mso-bidi-font-style: italic;">Eduardo Balestena<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoQuote" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif"; font-style: normal; mso-bidi-font-style: italic;"><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES"><o:p> </o:p></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhlgAUO5eoWUO2q7BTTP9-2eWnMIiHTfe0uzr7Se7VFgm7smgSLuTTq3mrdBJ2bg4duaJKiKmfOML4dU3JIBZFdbnSMxugmxi1fFCsuoK5ZJyNtpBVbH7a5bnJf2QVStxpDwXBnqEXVsG-J90TplGsq21GP_3qhToouCSFR-0UO54LosdsS95Up51e_9Q/s3000/DSC_9047.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2002" data-original-width="3000" height="214" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhlgAUO5eoWUO2q7BTTP9-2eWnMIiHTfe0uzr7Se7VFgm7smgSLuTTq3mrdBJ2bg4duaJKiKmfOML4dU3JIBZFdbnSMxugmxi1fFCsuoK5ZJyNtpBVbH7a5bnJf2QVStxpDwXBnqEXVsG-J90TplGsq21GP_3qhToouCSFR-0UO54LosdsS95Up51e_9Q/s320/DSC_9047.jpg" width="320" /></a></div><span> </span><span> </span><span> </span><span> </span><span> </span><span> </span><span> </span><span> </span><span> </span><span> </span><span> </span><span style="text-align: justify;">Foto: Georgina García</span><p></p><p class="MsoNormal"></p><div style="text-align: justify;"><br /></div><span lang="ES"><o:p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhVT28s91BT45XS5lHteTaebtMtv9x4Fx9SF0hSukBPqPC8QblIHFqJBLxH-uQAdAJWybRpQdt19aEcn5uOA-P1KBBnmAmXf3Ssmx0GXUeyyVYLR7Mob06KhgneKQgw2CcXfgDThvhFDCYGZOnUwjbUdKlDritoG1d-Op9aomKjdlHJRX-gOLY0ZTgzWg/s3000/DSC_9062.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2002" data-original-width="3000" height="214" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhVT28s91BT45XS5lHteTaebtMtv9x4Fx9SF0hSukBPqPC8QblIHFqJBLxH-uQAdAJWybRpQdt19aEcn5uOA-P1KBBnmAmXf3Ssmx0GXUeyyVYLR7Mob06KhgneKQgw2CcXfgDThvhFDCYGZOnUwjbUdKlDritoG1d-Op9aomKjdlHJRX-gOLY0ZTgzWg/s320/DSC_9062.jpg" width="320" /></a></div><span> </span><span> </span><span> </span><span> </span><span> </span><span> </span><span> </span><span> </span><span> </span><span> </span><span> </span><span style="text-align: justify;">Foto: Georgina García</span></o:p></span><p></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span><o:p></o:p></span></p>Eduardo Balestenahttp://www.blogger.com/profile/14810769385516765999noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4498625297215069589.post-50234405742972784342017-06-15T12:49:00.003-03:002017-06-15T12:49:47.077-03:00Kammerakademie Potsdam, con Trevor Pinnock <div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjUMqBN-tlZSU3hMOwycIn4hVozBtn4JCHvVcR6odqMf3PwETfqh0Uvmrg0ChhA0VjX-Wo0to7BCCYn7EjL1bQ-pcD4LCZT3Rz71OiXaaR-qrKSwNtoppaZ_OUmbLn8B3cqtPr2Ll-6uiN7/s1600/Trevor-Pinnock-011.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="372" data-original-width="620" height="192" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjUMqBN-tlZSU3hMOwycIn4hVozBtn4JCHvVcR6odqMf3PwETfqh0Uvmrg0ChhA0VjX-Wo0to7BCCYn7EjL1bQ-pcD4LCZT3Rz71OiXaaR-qrKSwNtoppaZ_OUmbLn8B3cqtPr2Ll-6uiN7/s320/Trevor-Pinnock-011.jpg" width="320" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="EN-US" style="font-family: "Garamond","serif"; mso-ansi-language: EN-US;">.</span><span lang="EN-US"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Kammerakademie
Potsdam <o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">.Director: Trevor Pinnock<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">.Solista: Emmanuel Pahud (flauta traversera)<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">.Teatro Colón de Buenos Aires, 13 de junio (primer ciclo del Mozarteum).<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Fundador del conjunto <i>The English Concert</i>, uno de los mayores
exponentes de la interpretación de la música con criterio histórico, el
clavecinista y director británico Trevor Pinnock condujo a la Kammerakademie
Potsdam, actuando como solista en flauta traversera Emmanuel Pahud.<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">La <b>Sinfonía
nro 47, en sol mayor, Hob I:47</b> de <b>Franz
Joseph Haydn</b> (1732-1809) fue la primera obra de un programa en cuya
extensión se mantuvo el mismo orgánico: dos cornos sin llaves –cuyo registro es
graduado mediante el intercambio de secciones de caños; dos oboes; un fagot y
cuerdas. Es decir, sin clarinetes, flautas, trombones ni trompetas; con cellos
respecto a los cuales, a diferencia del <i>Concentus
Musicus Wien,</i> la posición de ejecución es la convencional y no la de las
violas da gamba. Tal como sucede en otras formaciones, como la <i>Orquesta del Mozarteum de Salzburgo</i>, la
interpretación histórica no requiere necesariamente réplicas de los
instrumentos de época sino una observancia de criterios interpretativos muy
diferentes a los de la orquesta moderna.<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Ello fue apreciable ya en el propio comienzo
de la sinfonía de Haydn, un inusual acorde inicial seguido de una particular
entrada de los cornos, primero al unísono y luego a un intervalo muy próximo
–probablemente una segunda-, que pone de relieve una rica estructura rítmica
realzada por la cuerda. Es apreciable en este lugar el contraste entre el suave
comienzo de las notas en la cuerda y su intensificación en el transcurso de la
duración de las notas, en una particularidad dinámica propia de la
interpretación histórica de la música, que focaliza en la gradación de dinámicas
y micro dinámicas –según se trate de intensificar frases o notas largas-. La
elegancia y gracia propias de las obras de Haydn son presentadas así en toda su
riqueza.<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">El <b>Concierto
para flauta y orquesta nro. 2 en re mayor, K. 314, </b>de<b> Wolfgang Amadeus Mozart </b>(1756-1791) fue la siguiente obra. Se hizo
apreciable, de manera inmediata, el sonido de Emmanuel Pahud –flautista
principal de la Orquesta Filarmónica de Berlín- en lo que no pareció un valor
de afinación por debajo de los de la orquesta moderna pero que aun así sonó con
timbre menos incisivo, más afín al de las flautas de madera, aunque tocara en
un instrumento de metal.<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Ello también fue así en el atractivo <b>Concierto para flauta y orquesta nro. 7, en
mi menor</b>, de <b>Francois Devienne</b>
(1759-1803). Del mismo modo que los de Franz Doppler para el instrumento o los
de Carl María von Weber para el clarinete, alterna muy bellos motivos con un
desarrollo virtuosistico en el instrumento solista y de gran requerimiento –de
velocidad y precisión- en la orquesta, cualidades que prevalecen al encanto
sonoro y la flexibilidad propia de los conciertos de Mozart.<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Uno de los hitos más salientes de la
producción mozartiana, <b>la Sinfonía
nro.29, en la mayor, K. 201</b> cerró el programa. En su registro de la obra,
el 30 de marzo de 1949, al frente de la Real Orquesta Filarmónica, Sir Thomas
Beecham la presentaba afirmando que se trataba del punto más alto al que Mozart
había podido llegar en su etapa de juventud, antes de abrir las fronteras del
nuevo mundo que significó una madurez en la que es posible advertir elementos
de esta etapa.<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">La obra está dada en un permanente
equilibrio entre la profunda belleza de sus desarrollos melódicos y la
construcción formal, tan libre como rigurosa. Un ejemplo es el cuarto movimiento, un <i>allegro con spirito</i> , suerte de forma rondó con contrastes de gran
intensidad y una sección de violines dividida en una compleja trama que abarca
a toda la cuerda, cuyos acentos, realzados por intervenciones puntuales de
trompas y oboes, en una armonía tan efectiva como original, es sólo una
característica más de una obra de gran riqueza.<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Creada en 2001 la Kammarakademie Potsdam
evidenció un sonido de relieves, con acentos propios: residen en la
flexibilidad en el abordaje de las secciones de pregunta y respuesta, acentuando
los tiempos e intensidades de una o de otra, en un panorama sonoro de sutiles
gradaciones. La textura clásica no depende de la acumulación de volúmenes
sonoros, como en la discografía tradicional, sino del detalle, la flexibilidad,
el sonido parcial –cada instrumento es audible en sí mismo y en su articulación
con el universo sonoro del cual proviene-. Integración al conjunto e
independencia al mismo tiempo. Integración en la estructura de la obra e
independencia en la claridad: la amalgama entre, por ejemplo, cornos y oboe, es
absoluta pese a la fuerza de unos y la fluidez de otros. Lo mismo con la
cuerda, por ejemplo los acentuados pasajes de los cellos en el movimiento final
de la sinfonía nro, 29.<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Trevor Pinnock, junto a John Eliot
Gardiner y Nikolaus Harnoncourt, ha sido uno de los pioneros y formadores en la
interpretación musical con criterios históricos y nos han mostrado nuevos
matices de obras que creíamos conocidas. Trevor Pinnock lo hizo con un ensamble
que está a la altura de esta formulación. <o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Emmanuel Pahud y la Kammarakademie
Potsdam finalizaron su actuación con la bellísima danza de los espíritus, de
Orfeo y Eurídice, de Gluck como bis. <i> <o:p></o:p></i></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"> <o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"> <o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<br /></div>
<br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Eduardo Balestena</span><span style="font-family: Garamond, serif;"><o:p></o:p></span></span></div>
Eduardo Balestenahttp://www.blogger.com/profile/14810769385516765999noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4498625297215069589.post-39226032870977639612017-06-15T12:47:00.004-03:002017-06-15T12:47:50.420-03:00Giulio Cesare in Eggitto<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiCbq1sqiop1x_rZNVV9v8ba5doLohl0JOBmyO2PmbKHdDirX86z_TIyz7zcT_S14NVSLMsjcW4EQX8pFy0zi2z_d2-fmnJkUb0szRaIzd4DHWJOq9WPQ1HFEDNeO0WPY5VK3wHFXqdqGEL/s1600/julio-cesar-colon.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="662" data-original-width="918" height="230" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiCbq1sqiop1x_rZNVV9v8ba5doLohl0JOBmyO2PmbKHdDirX86z_TIyz7zcT_S14NVSLMsjcW4EQX8pFy0zi2z_d2-fmnJkUb0szRaIzd4DHWJOq9WPQ1HFEDNeO0WPY5VK3wHFXqdqGEL/s320/julio-cesar-colon.jpg" width="320" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">.Ópera en tres actos (1724)<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">.Música Georg Friererich Händel (1685-1759)<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">.Libreto: Nicola Francesco Haym<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">.Cantantes: Giulio Cesare (contratenor), Franco Fagioli; Cleopatra
(soprano), Amanda Majeski; Sesto (contratenor) Jake Arditti; Cornelia (mezzosoprano),
Adriana Mastrángelo; Tolomeo (contratenor),
Flavio Oliver; Achilla (bajo-barítono) Hernán Iturralde; Achilla, (tenor)
Sergio Spina; Curio (bajo) Mariano Gladic; Nireno (contratenor) Martín Oro. <o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">.Orquesta Estable del Teatro Colón<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">.Continuo: Stanimor Todorov<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">.Director artístico: Martin Haselböck<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">.Dirección de escena: Pablo Maritano<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">.Diseño de vestuario: Sofía Di Nunzio<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">.Diseño de escenografía e iluminación: Enrique Bordolini<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">.Coreografía Carlos Trunski <o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">.Teatro Colón, de Buenos Aires, Abono Vespertino, 11 de junio
de 2017<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"> <o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">El temprano siglo XVIII fue una época de
cambios estéticos de gran importancia en la ópera: la imposición de temas
serios; el desarrollo en arias y recitativos y la consolidación de motivos
clásicos son algunos de los lineamientos de la ópera napolitana, de la que Händel
fue uno de los principales exponentes.<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<b><span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Una
excelente interpretación musical<o:p></o:p></span></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Concebida con una gran sutileza e
inventiva musical la partitura no sólo es extremadamente bella en sí misma sino
que cumple una función precisa en el drama, al plasmar acciones y, psicológicamente,
a los personajes.<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Todo ello es apreciable en el fluir de
la música en sí mismo y en su acompañamiento de las arias y recitativos de los
personajes, dentro de la concepción estética de arias que responden –según la
escuela napolitana- al esquema ABA.<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Bajo la conducción del experimentado
organista y director Martin Haselbök <st1:personname productid="la Orquesta Estable" w:st="on"><st1:personname productid="la Orquesta" w:st="on">la Orquesta</st1:personname> Estable</st1:personname>
del Teatro Colón logró una <i>performance</i>
a la altura de los mejores organismos musicales dedicados al repertorio del
barroco: homogeneidad en la línea, un sonido –en la afinación de 430 hz en el
la del clave- suave, depurado y no brillante
confirió al discurso musical un sentido intimista y de honda
sensibilidad hacia belleza de la propia música. Fueron muy apreciables los
arranques suaves en la cuerda y el final no cerrado ni claramente marcado, que
se corresponde con tramas de motivos, en sí sencillos, que no tienen un final
conclusivo sino que van cambiando en un fluir evocativo de una línea de
improvisación. Un discurrir que juega con las tensiones que surgen al marcar el
tiempo fuerte del compás y disipar, en el resto de la frase, la tensión
planteada al principio, lo cual logra de maneras diversas.<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Todo sorprende en este tejido: las frases
de una sección de la orquesta y el rol cambiante de un continuo que no
solamente forma una base sino que interviene en la elaboración de secciones de
respuesta a cuerdas y metales. El continuo aparece cimentado por los
contrabajos, absolutamente activos en todo momento, en una gran amplitud de
registro; tiorbas y violas da gamba, muchas veces sin un timbre discernible,
conforman el sonido general del continuo. <o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">El uso de los fagotes –en el ensamble
que aparece en el escenario por ejemplo- en armonía con las cuerdas, brinda una
base sonora en la cual no se los escucha separadamente. En otros lugares debe
tocar en doble <i>stacato</i>. <o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Nada se reitera, todo cambia
permanentemente y no hay una sola
batería de recursos sonoros: al final de una sección de pregunta y respuesta (por
ejemplo) sucede una intervención del clave con un motivo completamente
distinto, en lo que parece una línea de pura improvisación, una que siempre es
funcional al clima o al drama. En otros lugares, como en <i>Va tacito e nascosto</i>, acto I, escena 9, la voz alterna con un instrumento solista -el
corno- (Domingo Zullo) que a su vez confiere carácter a la línea de canto.<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<b><span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Excelencia
vocal<o:p></o:p></span></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Intervenciones extensas, de gran carga
emocional, matices y una exigencia vocal siempre grande, con permanentes
dificultades, ya sea por la amplitud del registro, afinación, melismas y los
pasajes de notas muy breves, marcadas e intensas, son algunas de las demandas
de una obra donde cualquier problema técnico resultaría muy perceptible.<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Debe aclararse que los cantantes
debieron cumplir tan importantes exigencias vocales en el marco de las acciones
a que la puesta los obligaba: subiendo y bajando escaleras (Cordelia);
pedaleando en una bicicleta fija (Tolomeo) o en suspensión en una hamaca en el
aire (Cleopatra), entre muchas otras circunstancias. <o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><span lang="ES">La soprano estadounidense Amanda Majeski
mostró acabadamente una potencia vocal con todos los matices que le demanda una
obra que lleva a su personaje a pasiones extremas: desde la seducción al amor y
al cautiverio. Claridad; potencia; colores. Su técnica es capaz de abarcarlo
todo.</span><span lang="ES" style="background: white; font-size: 11pt;"> <i>“</i></span><i><span lang="ES" style="background: white;">Piangerò la sorte mia”</span></i><span lang="ES" style="background: white;"> constituye
uno de sus grandes momentos.</span><span lang="ES"><o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Adriana Mastrángelo, la conocida
mezzosoprano uruguaya, exhibió su voz
potente, a la vez delicada, de sólida técnica, con los matices que le demanda
el papel: la pena; la ira; la evocación<i>;<span style="background: white;">“Deh piangete, oh mesti lumi”</span></i><span style="background: white;"> es un ejemplo.</span><o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">El contratenor británico Jake Arditti
fue quizás –por su rol, sus propias características y el carácter de sus
numerosas intervenciones- la voz masculina más destacada, por su potencia; la
fluidez en el pasaje a lo largo del rango de su registro, y las emociones que
fue capaz de expresar. Ello es muy relevante en orden a las propias
características de un registro que por sus características tiende a la rigidez.<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">También Flavio Oliver destacó en su rol
de Tolomeo, con una gran fluidez, potencia vocal y limpieza de su extensa línea
de canto. <o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">En el personaje protagónico, al
destacado contratenor Franco Fagioli le
caben las exigencias acaso más intensas en los prolongados pasajes melismáticos
y las fiorituras –cuya técnica maneja a la perfección- en que abunda su rol.
Alcanzó una mayor potencia en el último acto y mostró opacidad en el pasaje
entre la voz de cabeza y voz de pecho, en el registro medio y grave.<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">El bajo barítono Hernán Iturralde tuvo
una destacada actuación, con su voz de sólido caudal y musicalidad. También se
destacaron Mariano Gladic y Martín Oro. Ambos, en sus cuerdas, mostraron su
gran solvencia, parejo caudal y clara proyección. <o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<b><span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">La
puesta<o:p></o:p></span></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">La objeción más grande a la puesta es su
incongruencia respecto al carácter de la música; los personajes y el drama.<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">En nombre de la idea de que una puesta
–en lugar de ser funcional a la acción- constituye una creación en sí misma
capaz –si cabe el concepto- de <i>aggiornar</i>
a una ópera, se produce una acumulación de elementos ajenos no ya al drama sino
a la utilidad a la acción.<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Para citar unos pocos, elementos
caricaturescos tanto de la obra como de los personajes lo son aquellos con
trenzas y hebillas cromadas en el extremo de dichas trenzas; plantas carnívoras
que bailan o un Tolomeo en paños menores, con un collar dorado, bañándose en una tina de espuma. La
enumeración pormenorizada resultaría demasiado extensa.<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Cuánta atención podrían ganar música y canto –las grandes fuerzas que hacen eterna
a la obra- en un horizonte de buen gusto, despojamiento e imaginación genuina.<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">La música, en su larga historia, ha
debido soportar coyunturas quizás peores, es de esperar que a la larga se
imponga, por su propia genialidad, a las puestas carentes tanto de buen gusto
como de respeto hacia ella. <o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"> <o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">
<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="background: white; line-height: 15.2pt; margin-bottom: 1.2pt; margin-left: 1.2pt; mso-margin-top-alt: auto;">
<br /></div>
<br />
<div class="MsoNormal" style="background: white; line-height: 15.2pt; margin-bottom: 1.2pt; margin-left: 1.2pt; mso-margin-top-alt: auto;">
<br /></div>
Eduardo Balestenahttp://www.blogger.com/profile/14810769385516765999noreply@blogger.com0